Étiquette : Mathilde Monnier

Catégories
OEUVRES MAJEURES PAS CONTENT Vidéos

2012, ma panne de danse.

Être spectateur de danse a été particulièrement difficile en 2012. Je ne reviens pas sur la disparition de l’art chorégraphique dans les théâtres de mon territoire (Aix – Marseille- Martigues), ni sur les deux festivals qui atomisent la danse, faute de projet de développement. Seule la création de Klap à Marseille sous l’impulsion de son directeur, Michel Kelemenis, a donné l’outil de travail dont les artistes avaient besoin. Peu à peu, Klap s’impose comme un lieu incontournable. Nul doute que les chorégraphes reviendront à Marseille. Mais il faudra du temps et un changement radical à la tête des établissements culturels  pour que la danse retrouve un public.

Chaque année, le Festival d’Avignon réussissait à combler le marasme marseillais. En 2012, il l’a accentué. Le bilan chorégraphique du festival a été mauvais (à l’exception notable de «Tragédie» d’Olivier Dubois): une danse cérébrale, célébrant les bons sentiments, s’enfermant dans une esthétique  influencée par les arts «plastiques» où le corps n’est que matière…Pour la première fois cette année, la danse ne m’a pas permis de penser la complexité.

La Biennale de la Danse de Lyon, originale à plus d’un titre sous la direction de Guy Darmet, ne m’a pas convaincu avec sa nouvelle directrice, Dominique Hervieu. Elle fut globalement sans surprise avec l’étrange sensation que la danse n’est qu’un produit de communication courante…Quant à Montpellier Danse, une santé défaillante ne m’a pas permis de suivre les spectacles que j’avais programmés. Me reste le merveilleux culot artistique de Radhouane El Medeb et de Thomas Lebrun ainsi que le parti pris plastique assumé de Mathilde Monnier.

C’est ainsi que j’ai parcouru les théâtres, parfois découragé, à la recherche de cet art qui nourrit le projet de ce blog depuis 2005.

2012 a été l’année d’Olivier Dubois. Il m’a tenu éveillé. Il a nourri ma relation à la danse. Il l’a fait par une approche de l’humain englobé dans une humanité célébrée et éprouvée par les danseurs et le spectateur. Pour lui, interprètes et publics forment un tout: scène et salle se répondent en continu. «Révolution», «Rouge» et «Tragédie», trois chorégraphies liées par une quête absolue de l’émancipation. Le corps est une conquête; la danse d’Olivier Dubois est sa révolution.

Avec «Mahalli», la chorégraphe libanaise Danya Hammoud m’est apparue comme une «sœur» d’Olivier Dubois. Ces deux-là ont
d’étranges “matières”: une chair politique pour une révolution sociale. Danya et Olivier sont probablement habités par une vision commune: le travail sur soi est politique.

Autre introspection réussie, celle d’Israel Galván qui a affronté le flamenco traditionnel. Avec «La curva», à partir de ses racines et de ses rites, il l’a fait trembler sur ses bases jusqu’à ouvrir ses entrailles et accueillir la modernité. Ce fut exceptionnel d’assister à la décomposition d’une partition qui se consume pour inventer l’Autre musique, celle d’un flamenco théâtral.

steven1

Autres métamorphoses sidérantes. Au Festival d’Avignon, sous le plateau de la Cour d’Honneur, le performeur sud-africain Steven Cohen a fait du corps intime un territoire de la Shoah. Exceptionnel. Quant à Mitia Fedotenko dans le «Sujet à vif», il a réussi son pari artistique avec François Tanguy: celui d’oser chorégraphier un Hamlet déchiré entre le Danemark et la Russie de Poutine.

En 2012, il y a bien sûr eu le rendez-vous incontournable avec Maguy Marin et Denis Mariotte. «Nocturnes» fut dans la continuité des œuvres précédentes. Là où j’attendais une rupture esthétique, Maguy Marin ne m’a probablement pas surpris. Seulement accueilli par un propos assumé sur la fragmentation barbare du sens, sur l’éclatement d’une humanité piétinée.

Après «Un peu de tendresse, bordel de merde !» présenté à Avignon en 2009, nous étions nombreux à scruter sa nouvelle création à la Biennale de Lyon. «Foudres» de Dave St Pierre m’a une fois de plus enchanté sans que je sois surpris. Devenus de grands malades de l’amour consumériste, il nous faut réapprendre à danser, à nous habiller de nos costumes de bal pour nous entrainer à nous lâcher au bon moment, à nous reprendre quand le rythme l’impose. Beau propos, certes convenu, mais si vivifiant !

Avec «Brilliant corners», Emanuel Gat m’a littéralement subjugué par sa visée du groupe. Rarement, je n’ai ressenti, avec une telle
précision, la complexité des mouvements vers le collectif où, à l’image des communautés sur internet, le groupe se déplace pour amplifier la relation horizontale et s’approprier de nouveaux territoires. Le collectif relie les fragments et avance jusqu’à produire la lumière du spectacle. Magnifique !

Combien de chorégraphes considèrent la musique comme fond sonore pour chasser un silence pourtant vecteur de sens ?  Avec Maud le Pladec et l’ensemble musical Ictus, je me souviens avoir vécu cinquante minutes euphorisantes, énergisantes, palpitantes où mon corps a eu quelques difficultés à contrôler mes pulsationsrock’embolesques. «Professor/Live» a  vu trois danseurs virtuoses restituer avec humour et présence, le rock électronique et symphonique du compositeur Fausto Romitelli. Inoubliable.

Il me plaît de terminer ce bilan 2012, par une rencontre. Celle avec  Alexandre de la Caffinière qui lors de «Questions de danse» nous a présenté un extrait de «Sens fiction» (œuvre à voir les 16 et 17 février au Théâtre des Pratiques Amateurs de Paris). Avec deux danseurs (troublants Anaïs Lheureux et Julien Gaillac), il a composé une œuvre délicate au croisement de la musique électronique et d’une scénographie numérique. Tandis que le paysage chorégraphique est saturé de musiques chaotiques et de vidéos conceptuelles, Alexandre de la Caffinière a fait un tout autre pari: celui d’un environnement numérique au service de la danse, pour des corps en mutation, vers la métamorphose d’une relation duelle. Chapeau, à suivre…

Je vous propose de continuer la route en 2013, année où Marseille sera capitale européenne de la culture. La danse y occupera une place scandaleusement faible. Il va falloir chercher, voyager, se déplacer. Putain de danse !

Pascal Bély – Le Tadorne.

1- Olivier Dubois; “Rouge” – Festival Uzès Danse. /  “Révolution”- Le 104, Paris. / “Tragédie” – Festival
d’Avignon.

2- Radhouane El Medeb, Thomas Lebrun; “Sous leurs pieds, le paradis” – Festival Montpellier Danse.

3- Israel Galvan; “La curva”- Théâtre de Nîmes.

4- Emanuel Gat; “«Brilliant Corners» – Pavillon Noir d’Aix en Provence.

5- Mathilde Monnier; “Twin paradox” – Festival Montpellier Danse.

6- Maguy Marin – “Nocturne” – Biennale de la Danse de Lyon.

7- Maud le Pladec – “Proffesor / Live” – Festival « Les musiques », Marseille.

8- Danya Hammoud – « Mahalli » – Festival Montpellier Danse.

9- Mitia Fedotenko – « Sonata Hamlet » – «Sujet à vif », Festival d’Avignon.

10- Dave St Pierre – Création Biennale de la Danse de Lyon.

11- Alexandre de la Cafinière – « Sens fiction » – « Question de Danse » à Klap, Maison pour la Danse, Marseille.

Catégories
FESTIVAL MONTPELLIER DANSE OEUVRES MAJEURES Vidéos

En avril, au Théâtre de la Ville de Paris: le lien, avec Mathilde.

J’aime découvrir les prises de risque de Mathilde Monnier.

Ce soir, je me retrouve dans ce contexte. La batterie de ma voiture à plat, comment rejoindre le festival Montpellier Danse sans moyen de transport? La personne qui m’accompagne reste pantoise…Mais une véficule rouge surgit du sous-sol. Comme par enchantement, une sympathique conductrice nous dépose devant le Théâtre de Gramont à Montpellier, en se détournant quelques minutes de son chemin…

Pourquoi raconter cela? Parce que cet incident me relit au spectacle de ce soir. Une poussée d’adrénaline pour mieux se caler dans son fauteuil et savourer l’écoulement du temps.

Avec «Twin Paradox», Mathilde Monnier introduit ma pensée dans la douceur de l’été. On aime se lever tôt pour pouvoir profiter de l’éveil de la lumière, de l’éclosion de la nature encore humide de rosée, des vives discussions des ouvriers, du bruit répétitif des machines, des sifflements joyeux des oiseaux, des cigales que j’affectionne tant. Ce soir, les costumes des dix danseurs sont des tapis végétaux, dignes des tableaux impressionnistes. Leurs corps souples révèlent la douce rencontre du couple au petit matin qui s’éveille lentement dans des frôlements imperceptibles. Je me sens extraite du tumulte de ma journée pour rentrer dans une rêverie. Je suis comme ma batterie, épuisée, mais la rencontre improbable, rouge et sympathique me sort de l’anesthésie du blocage. L’énergie et la solidarité sont là où on ne les attend plus. Une véritable métaphore de la vie en mouvement.

monnier2.jpg

Du binôme professionnel au couple amoureux, la fusion s’y opère. Dans «Twin Paradox», les corps imbriqués des cinq couples qui s’enserrent restent reliés. Dans la distance, ils sont toujours connectés. Ils se tournent, se retournent, s’explorent. La rencontre de l’autre est une longue expérience. D’une complicité initiale découle un cheminement qui dure ici plus d’une heure et quarante minutes. La communication se renforce avec le temps. Être à deux, c’est entrer dans le plaisir et l’aliénation où des jeux de séduction peuvent se transformer en rapport de force, en jeux de pouvoir. Comment une douce relation peut devenir un vent de violence? Être à deux c’est aussi l’énergie de trouver la bonne distance. Celle qu’on se construit soi même. Finalement on est toujours seul…. C’est le paradoxe du couple où la fusion gémellaire finit par se métamorphoser.

Je me sens proche de ces artistes sur scène. Leur corps imprègne chaque minute mon mental jusqu’à rendre mes voisins spectateurs étrangers. C’est la force de la méditation; oublier le contexte environnant pour rentrer loin dans ses pensées. Les gestes secs des danseurs claquent dans l’intérieur de mon corps. Ils résonnent dans mon estomac tendu.

Les danseurs finissent par se séparer. Leurs mains se lâchent; après s’être laissés tomber de nombreuses fois au sol, pour pouvoir mieux se relever ensuite. Les sons qui accompagnent leurs corps sont des conversations en différents langages, extraits de différents voyages: le Japon, l’Allemagne…La communication n’est-elle qu’une succession de voyages dans le vif  de l’instant et dans l’analyse de ce qu’il se joue où toutes les langues se mêlent ?

Mathilde, artiste lointaine, mais pourtant si proche. Je la croise souvent dans la ville ou les différents lieux culturels. J’aime l’élégance qu’elle dégage, la force de caractère derrière ce sourire un peu froid. J’aime retrouver ses créations, comme des rendez-vous d’expériences engagées. Pour moi, son travail est chaque fois plus innovant, où elle puise l’hybridité dans sa relation avec ses différents partenaires. Fin 2013, Mathilde Monnier quittera le Centre Chorégraphique National de Montpellier. Comme dans une relation de couple, elle me manque déjà.

Twin paradox from Karim Zeriahen on Vimeo.

Deux heures de méditation se sont écoulées. Merci Mathilde pour ce temps de pause corporelle nourri d’intenses mouvements intérieurs. J’y ai fouillé comme dans un grenier. Je me sens spectateur “meunier”.

Les ailes de mon moulin tournent.

Sylvie Lefrere – Le Tadorne.

” Twin paradox” de Mathilde Monnierà Montpellier  Danse du 23 au 25 juin 2012.

Photos: Marc Coudrais.

Catégories
DANSE CULTE OEUVRES MAJEURES

Mathilde et Jean-François. For ever.

C’est un rendez-vous, tant désiré, depuis tant d’années. «Pudique Acide». «Extasis».

Les titres sont en soi un poème. Reliées entre eux, ils forment un ensemble entre passé (ces oeuvres datent de 1984 et 1985), présent (Mathilde Monnier et Jean-François Duroure en proposent une recréation) et futur (les deux danseurs, Sonia Darbois et Jonathan Pranlas im(ex)plosent par leur jeunesse).

Enchevêtrées, cet ensemble tisse entre nous et la danse, un lien qui traverse les générations de spectateurs et d’artistes. À n’en pas douter, vingt-sept après, il n’a rien perdu de sa pertinence, d’autant plus qu’entre temps, le duo s’est plutôt fait rare. Le solo domine les nombreuses propositions émergentes où l’on sonde le sens à partir de la profondeur d’un geste, à la frontière de l’inconscient.

Le duo est autre. C’est un espace où nous projetons le désir dans la relation à partir d’une infinité de configurations : le jumeau, le semblable, le couple, le différent car complémentaire, le masculin dans le féminin. Le duo est une dynamique qui emprunte tant de chemins chaotiques pour signifier que la cohérence est un processus. Le duo, c’est la communication, en boucle, du haut vers le bas, du haut d’en bas et surtout de travers. Le duo est vital.

monnier_duroure_350.jpg

«Pudique acide» vitalise ma relation à la danse contemporaine, car elle est une recherche sur la communication. La dramaturgie fait émerger deux personnages de théâtre, qui m’habiteront tout au long de la soirée.

Comme un éternel (re)commencement, à la lisière de l’adolescence et de l’âge adulte, de la partition chorégraphique et du langage musical. Sur une musique de Kurt Weill, ils s’élancent avec leur kilt dont ils se débarrassent pour mieux se différencier, s’apprivoiser, se chercher et se rechercher. La langue allemande  projette de la nostalgie dans leur futur. Ils osent tels des affranchis. Probablement seraient-ils des indignés aujourd’hui…À ce jeu du chat et de la souris, il n’y a ni gagnant, ni perdant, mais une victoire: celle du désir de se métamorphoser ensemble.

«Pudique acide», c’est se délester de sa jupe pour célébrer la «pudeur des sentiments /maquillés outrageusement / rouge sang»1.

thumb.php.jpg

Dans «Extasis», notre duo nous revient, plus grave. Le kilt provocant a disparu pour se muer en imperméable inquiétant d’où dépasse un tutu florissant. Ils hésitent entre peur et désir de libérer leur énergie créative. Dans ce décor tout blanc de cinéma où le scénario n’est pas encore écrit, ils jouent leur histoire d’amour à mort. Entre réel et fantasme, entre ombre et lumière, entre dedans et dehors, ils renoncent pour avancer, vers soi, vers l’autre. Leur désir est une tragédie. Leur jeunesse, un théâtre où les masques tombent. C’est beau à vous couper le souffle. C’est triste à vous laisser submerger par la joie de ressentir une danse d’une vitalité saisissante.

À la nuit tombée, «Extasis» est une danse de libellules  sensuellement transmissible.

Pascal Bély – Le Tadorne.

« Pudique Acide / Extasis » de Mathilde Monnier et Jean-François Duroure au Théâtre de l’Olivier le 5 novembre 2011.

Les dates de tournée sont ici.

(1) “Les dessous chics” de Serge Gainsbourg.

Catégories
OEUVRES MAJEURES Vidéos

« Publique », 8 femmes version Mathilde.

Les hasards malheureux de la programmation me font découvrir cette pièce (“publique“) six ans après sa création. Mais, là, les hasards bienheureux du théâtre ont fait danser Mathilde Monnier près de chez moi juste le soir où il fallait. Regrets tout de même de ne pas avoir pu voir son travail depuis « Frère et soeur ». Magnifique Mathilde qui m’a fait retrouver et relier des émotions souvenirs, bien des années après “« Pudique acide »”. 1984, Angers, création, Mathilde Monnier et Jean-François Duroure, sublime rencontre/combat masculin, féminin… « Publique », sublime féminin tout court, orchestré par une femme de cinquante ans toujours aussi magnifique dans son corps dansé, qui « ose » inviter une cohorte de femmes d’âges divers à montrer ce que féminin sait faire et s’y coller en chef de choeur. PJ Harvey est au coeur de l’affaire et sa musique guide la danse dans la désinvolture singulière d’un intime exposé, en pudeur, pour partage. Comment font-elles pour être si « im-pudiques » sans se donner « publiques » que peut-être les hommes ne sauraient faire?  Elles le font simplement, jubilant avec tant de force regards et sourires partagés, qu’elles en forcent le respect.

Elles sont là, elles bougent, elles se bougent, ensemble, seules, elles se dédoublent en doubles pour se re-trouver au singulier, et finalement ça va bien quand même, elles se retrouvent singulières pour se faire un pluriel. A coup de perruques et tenues changeantes, elles nous montrent qu’il est bon de rencontrer terrain complice et de se construire unique sans rivaliser avec l’autre. Le partage heureux qu’elles nous offrent nous invite à une route à suivre vers les plages d’un être ensemble. Soixante cinq minutes de bonheur…, on bout de se lever et de partager leur plaisir, on résiste au désir de les embrasser, on se réjouit de voir tant de corsets jetés aux orties. Mathilde Monnier a gardé son exigence du mouvement et, avec, tisse toujours son interrogation du seul, ensemble, avec, contre, pour quoi faire ?… Pour être…même juste un peu. Elle « dirige » ces « questions » dans cette pièce avec un regard tendre, acide et malin, elle montre avec brio que la danse est ouverture, complicité, plaisir et partage. De cette danse simple et complexe à la fois, qui exige beaucoup de ses interprètes, se tissent les fils d’un humain possible et malgré tout. Je sais, ce soir encore, que Mathilde me touche, toujours autant, dans sa « bagarre » à parler le monde comme elle le voit, et à tenter de l’offrir en partage. « Publique » passe près de chez vous : n’hésitez pas, courrez-vous jeter dans la ronde ; ces huit femmes vous donneront la pêche et vous montreront ce que féminin peut dire d’un être ensemble salutaire et joyeux. Bernard Gaurier – www.festivalier.net “Publique” de Mathilde Monnier a été joué les 21 et 22 janvier 2010 au Théâtre Universitaire de Nantes.
Catégories
OEUVRES MAJEURES Vidéos

Avec Mathilde Monnier, la danse est contemporaine.

À trois mois d’intervalle, trois chorégraphes ont posé un acte artistique fort dans un contexte de perte du sens qui n’épargne pas la danse. Lors du dernier Festival d’Avignon, le Canadien Dave St Pierre avec «un peu de tendresse bordel de merde »  questionnait le lien amoureux, malmené par nos sociétés globalisées où presque tout se marchande. Début octobre à Nîmes, Anne Teresa de Keersmaeker avec « The Song » nous projetait dans un espace ouvert, loin des conventions, pour stimuler nos imaginaires dans un temps (1h50) particulièrement inhabituel. Au Centre Chorégraphique National de Montpellier, Mathilde Monnier revisite un bref solo mythique de la danse contemporaine,  “La mort du cygne”, écrit par Fokine en 1907 pour la danseuse Anna Pavlova. Elle l’étire tant et plus jusqu’à casser la corde qui enferme nos représentations sur le mouvement. Ce souffle novateur impulsé par le  collectif plonge à chaque fois le public dans un océan de sensualité où le corps du danseur catalyse des contraires pour restituer de l’humain, certes turbulent, mais magnifiquement vivant. Loin d’un propos conceptualisé, ces chorégraphes nous offrent la possibilité de questionner notre rapport à la danse, à notre futur pour nous conduire inéluctablement à interroger nos façons de communiquer.

À Montpellier, Mathilde Monnier a donc frappé fort. Neuf danseurs, vont et viennent suivant une même mécanique qui, tout en se perpétuant, change de forme et de nature. Une alarme retentit, le groupe avance puis s’effondre comme pris d’épilepsie, un solo émerge (une « mort du cygne » sans cesse réinterprétée), le chaos s’installe puis l’ensemble disparaît, happé dans les coulisses. Cette forme n’est pas sans rappeler les « Flash Mob » (« foule éclair » ou « mobilisation éclair ») qui bouleversent les codes classiques de la manifestation en dynamisant le collectif à partir de l’outil interactif et participatif qu’est internet. Car cette danse est une riposte : réinventons le mouvement semble proclamer Mathilde Monnier, puisqu’il nous permet de mettre en dynamique notre vision d’un futur, dont l’espace s’est considérablement réduit !

L’urgence est palpable : alors que le présent file à toute vitesse, comment s’appuyer sur nos mythes fondateurs pour transformer notre avenir à partir d’une mémoire commune? Comment appréhender ce « cygne », symbole de notre angoisse face à un futur incertain? Mathilde Monnier et sa superbe compagnie de danseurs s’en emparent afin que ce solo révolutionnaire en 1907 (il signait un changement de paradigme entre le classique et le contemporain), le soit de nouveau en 2009, alors que nous vivons une grave crise de système. Elle  réussit ce pari d’articuler le solo (le sens) avec le groupe (la communication). Tout ce que la société du spectacle réduit, elle l’interroge pour nous propulser vers un changement de civilisation: pourquoi chercher à tout prix le mouvement s’il n’est pas vecteur de sens, si le corps nous empêche de nous confronter au « politique », s’il n’éveille pas une conscience individuelle et collective. À partir du mythe, elle nous permet aussi de questionner notre rapport à la danse, métaphore de l’articulation passé-présent-futur.

Pour nous aider, à l’image d’un match de rugby, de nombreux objets circulent, non pour leur fonction plastique, mais parce qu’ils sont vecteurs du mouvement. Ce collectif ouvre tellement l’espace, que cela en est prodigieux : la poésie finit par vous emporter. La danse est le groupe, le corps est la matière du sensible et nous sommes des spectateurs inclus dans le mouvement, car c’est à nous de relier pour sculpter ce corps social, seul espace où nous pouvons inventer notre futur commun. « Pavlova 3’23 » nous traverse, bien plus qu’elle nous tétaniserait par sa beauté. À côté des objets, viennent s’ajouter des rideaux de plastique noir, positionnés sur chaque côté de la scène, qui montent et descendent, et produisent un son quasiment “liquide”, si cher à Christophe Haleb (chef d’oeuvre présenté à Uzès Danse). Le fluide est partout et finit par vous caresser la peau comme chez Dave St Pierre où les corps glissent sur l’eau, tandis qu’une bâche du plafond tombe à terre et devient liquide mélodieux chez Anne Teresa De Keersmaeker.

Mais cette ouverture vers le futur serait impossible sans l’engagement des danseurs dans leur interprétation du solo. Cécilia Bengolea est impressionnante en Dalida fragile et évanescente, Olivier Normand vous emporte dans ses ondulations féeriques, I-Fang LI vous écartèle avec son grand écart, Julien Gallée-Ferré vous subjugue dans sa fuite mortuaire, et Thiago Granato nous fait pitié en roi déchu. Alors que les musiques d’Heiner Goebbels et Rodolphe Burger finissent de vous envelopper, vous ne rêvez plus : la danse contemporaine a signé l’un de ses plus beaux manifestes pour un nouveau langage des cygnes.

Pascal Bély, Le Tadorne

« Pavlova 3’23 » a été présenté du 12 au 16 octobre au CCN de Montpellier dans le cadre de la saison Montpellier Danse.

En tournée au Festival “Automne en Normandie” à Evreux le 31 octobre 2010; puis au Théâtre de la Ville de Paris du 2 au 6 février 2010.

Catégories
FESTIVAL MONTPELLIER DANSE

À Montpellier Danse, quand on arrive en ville…

Montpellier. Ville inaccessible en cette journée de départ en vacances. Il nous a fallu trois heures pour atteindre la cité Gély où une chapelle trône au coeur de ce quartier populaire. Le contraste entre le centre ancien flamboyant, les nouveaux immeubles surgissant de terre pour accueillir les arrivants et cet îlot est saisissant. Tel un sanctuaire de la danse, nous entrons pour découvrir la dernière création de Mathilde Monnier, « City Maquette », interprétée par 60 amateurs répartis en plusieurs groupes (enfants de sept à huit ans, adolescents en cours de formation au conservatoire de danse,  adultes pratiquant les arts martiaux, seniors). Cette diversité donne l’opportunité à Mathilde Monnier de nous délivrer sa vision du corps social comme moteur de la dynamique de l’espace urbain. La musique d’Heiner Goebbels (extraits de l’opéra « Surrogate cities ») et la scénographie d’Anne Tolleter accompagnent cet opus souvent lent, rigide et sans perspectives notables.

Pourtant, tout commence par un délicieux maillage. Alors que les adultes, tels des professeurs, dessinent sur le sol noir des lignes brisées, les enfants débarquent et font avec leur craie de bien jolis tourbillons. Le territoire, ainsi fluidifié, aurait pu accueillir une danse de courbes et de liens, de traversées chaotiques articulées à des lignes droites. Mais rien de tout cela.

Nos enfants (quasiment tous blancs !) reviennent avec un nouveau matériel, composé de boîtes et de cartons empruntés à notre société de consommation. Ils les posent, les rangent puis les déposent à nouveau. Certes, c’est une maquette, mais encore ? C’est de la scénographie et rien de plus à l’image des architectes de nos villes qui plantent leurs bâtiments déjà vieux, sans place, ni fontaine, mais avec des cases bien gardées. Nous les reverrons à plusieurs reprises, danser par petits groupes devant un écran vidéo. Leur chorégraphie est un langage d’adultes plaqué, projection de metteurs en scène et chorégraphes qui font jouer aux enfants ce qu’ils ne peuvent pas dire. Le  procédé est contestable. Décidément, nos villes ne sont pas pensées pour les enfants. Était-ce dans l’intention de Mathilde Monnier de nous proposer un tel aveu d’échec jusqu’à provoquer l’assoupissement des quelques gosses présent dans le public ?

Pendant plus d’une heure, nous passons de génération en génération comme si l’humain dans toute sa complexité se réduisait à son âge, à une pratique (ici, d’ennuyeux mouvements d’arts martiaux, là une danse de salon avec des séniors). Comme si le corps social pouvait se résumer à ce qu’il produit (ah, le fameux modèle producteur – consommateur si cher à notre époque moderne !) et non à ce qu’il relie (approche du développement durable). Mathilde Monnier reproduit la vision véhiculée par les centres sociaux. Soit. Sauf qu’ici, la ville ainsi représentée, n’est qu’une succession d’approches verticales descendantes.  « City maquette » est déjà usée. Pourtant, un moment majestueux est prometteur : des jeunes danseurs, à terre sur une grande feuille blanche, en duo, dessinent des courbes au crayon noir qu’ils enroulent par la suite pour danser tout autour. La vision est fluide à l’image d’un lien social qui se co-construit. Une très belle respiration.

Le final, censé offrir une abstraction décloisonnée, tourne en rond : le lien a besoin d’un espace circulaire que la scénographie empêche.  À quelques minutes de la fin, alors que la porte de la Chapelle Gély s’ouvre, une odeur de barbecue nous stimule. J’ai rêvé de voir débarquer les habitants du quartier pour nous sortir de notre léthargie. Même pas. À la sortie, profitant de l’opportunité, quelques-uns nous proposent, pour trois euros, des merguez.

Producteur- consommateur.

Eux-nous.

Cette danse, au coeur de cette cité, n’y change rien.

Pascal Bély- Le Tadorne

“City maquette” de Mathilde Monnier a été joué les 27 et 28 juin dans le cadre du Festival Montpellier Danse.

Photo: Marc Coudrais.

Catégories
ETRE SPECTATEUR

« Le conseil de la création artistique » par Mathilde Monnier.

En 2008, j’ai cherché de nouvelles articulations entre le spectateur – blogueur et les institutions culturelles. Rares sont les théâtres qui qualifient positivement ma démarche. Rares sont les responsables des relations avec le public qui ont « relationné » autour du blog. Quasiment aucun commentaire des professionnels de la profession sur le site à l’exception des artistes qui manifestent un intérêt pour mon engagement. Pour simplifier, on m’a souvent catalogué de « critique amateur », de « spectateur emmerdeur », rarement comme une émergence de ces nouvelles figures de l’amateur en provenance de l’Internet. Dans l’ancien modèle, celui des organisations pyramidales, je n’ai aucune place. Dans le nouveau, celui des réseaux et des structures transversales, j’en suis un des éléments dynamiques. Pourtant, l’intention d’écouter autrement le public, de l’aider à faire son « travail » de spectateur n’a jamais été autant affichée par le management culturel, autant déclinée sur des terrains “sensibles” par des médiateurs. Il est probable que le blog ne soit pas la meilleure façon de s’articuler. On y réfléchit, car finalement personne ne sait comment décliner le nouveau modèle. La chorégraphe Mathilde Monnier en saurait-elle un peu plus lors de cette soirée au Centre Chorégraphique National de Montpellier, lucidement nommée  ]domaine public[ ? Est-ce le commencement de la fin comme elle le laisse entendre dès le début de la représentation ?

Justement, tout commence par la fin, par un jeu de rôles improvisé sur scène. Des spectateurs face à des artistes un soir de clôture d’un festival fictif (sur les « émergences »…toute ressemblance avec…). On y évoque une pièce qui a fait l’événement. L’auteur, le metteur en scène, les comédiens, le directeur, le journaliste, et le public campent sur leurs positions dans un jeu de rôles écrit d’avance. On s’y voit déjà car vu et entendu tant de fois ! Un caméraman filme pour que nous puissions scruter le visage des artistes interviewés. C’est de la télé-réalité. Nous voilà donc observateurs d’un jeu, d’un système, qui s’est progressivement installé dans les théâtres et les festivals sans que les artistes et la presse n’interrogent ce modèle interactionnel rigide, dépassé, qui consolide des relations verticales d’une autre époque. Le jeu est drôle, subtilement joué. Personne n’occupe sa fonction dans la durée ; chacun est invité à changer de place à mesure que le jeu se déroule. Ainsi, le directeur du festival se retrouve quelques diatribes plus tard, spectateur et l’on cherche en vain la différence. C’est un jeu de rôles sur un jeu de rôles. La critique est acide, mais salvatrice.

La deuxième partie de la soirée étonne ! Les danseurs de Mathilde Monnier jouent la pièce en question. Les frontières entre réalité et fiction brouillent : et que ce serait-il passé si nous avions vu ce spectacle en premier ? Aurions-nous ri ainsi ? En inversant les prémices, Mathilde Monnier insinuerait-elle que le regard que nous portons sur l’oeuvre est déterminé par notre positionnement de spectateur à l’égard des artistes et des institutions ou par ce que nous savons de la critique sur elle ? Je ressens un malaise intérieur. Bien joué.

Mathilde Monnier poursuit sa modélisation à l’image d’une pyramide qu’elle inverserait. Place au terrain ! C’est ainsi qu’arrivent 30 amateurs, briefés le temps d’un week-end, moniteur vidéo en appui (ici la télévision guide…) pour une danse apaisante de vingt minutes. Comme un puzzle qui s’agencerait sous la forme d’une fresque, adultes et enfants dansent un langage des signes, métaphore d’une communication différente, où finalement la figure de l’amateur a toute sa place. La scène devient alors cet espace partagé, où la créativité du «terrain » peut s’y exprimer. C’est là que pourrait se jouer l’ouverture des institutions où artiste- public- professionnels expérimenterait des modalités transversales de communication. C’est peut-être de cela que nous avons besoin dans cette période chaotique, comme le moteur d’une nouvelle croissance. Et ce n’est pas un hasard si, à la fin du spectacle, nous sommes nombreux dans le hall du Centre Chorégraphique à échanger nos impressions sans le recours à une table ronde d’après spectacle !

C’est cela que comprend Mathilde Monnier, plus accessible que jamais ce soir là, à qui j’envoie un amical remerciement pour ce domaine ouvert vers une société métissée.

Pascal Bély – www.festivalier.net

]domaine public[  a été joué le 31 janvier au Centre Chorégraphique de Montpellier

Catégories
FESTIVAL D'AVIGNON FESTIVAL MONTPELLIER DANSE Vidéos

Mathilde Monnier et Philippe Katerine remettent le son.

Qui n’a jamais rêvé d’un concert pop – rock, scénarisé comme une pièce de théâtre, avec des danseurs pour décupler la puissance émotionnelle de la musique? La transdisciplinarité en vogue chez certains chorégraphes et metteurs en scène semble laisser de marbre pour l’instant les chanteurs (à l’exception notable de Florent Marchet et Camille). Et pourtant, ce rêve, Mathilde Monnier et le chanteur Philippe Katerine le réalisent d’abord pour Montpellier Danse en 2006 puis pour le Festival d’Avignon en 2008. Ils clôturent ainsi leur tournée et mon périple de festivalier.
« 2008 Vallée » est donc la rencontre de l’univers burlesque, provocateur et politiquement incorrect de Katerine avec la danse exigeante de Mathilde Monnier. En se liant, leur art respectif gagne en hauteur, en créativité. La Cour d’Honneur amplifie la dimension poétique et politique. Le groupe semble pousser les murs, entraînant avec eux des spectateurs peu habitués à être ainsi guidés dans cet espace où le chant danse, où la danse chante. Si l’on rit beaucoup, tous deux portent un regard féroce sur notre société vide de sens jusqu’à l’absurde, mais qui donne à Marine Le Pen une place de choix et au coiffeur Jean-Marie le soin de nous mettre la raie du bon côté.
C’est dans cette terrible alternative que les six danseurs compagnons de fortune de Katerine trouvent des stratégies pour réinventer de nouveaux modes de communication à partir de processus si créatifs que l’on en perd le langage de la rationalité. Mathilde Monnier réussit à contenir les paroles et musiques de Katerine en permettant à ses danseurs les gestes les plus absurdes, tout en étant toujours en phase avec le groupe. Tout le corps est dansant (les cheveux qui traînent à terre, la voix qui déraille, les jambes qui s’emmêlent,…) et métaphorise qu’avec l’univers de Katerine tout est possible, pourvu que le sens ne soit jamais bien loin.

C’est ainsi que ce spectacle véhicule de l’espoir, une énergie contagieuse malgré le chaos et le vide qui engloutissent petit à petit les protagonistes de “2008 Vallée“. C’est une ode à la diversité, à la différence. C’est l’espoir de voir notre époque laisser la place à tant d’autres créations dont nous ne soupçonnons pas encore la portée. « 2008 vallée » finit sur le nouveau monde, celui qu’il nous reste à construire, une fois abandonnés nos «patati et patata » et nos plaintes égocentrées.

À voir le sourire des spectateurs, en observant le visage radieux de Mathilde Monnier, la surprise de Katerine face au triomphe que lui réserve le public d’Avignon, il n’y a pas de doute sur la fonction rassurante et caressante de « 2008 Vallée ».
Beau cadeau pour finir ce festival qui….
Et patati, et patata…


Pascal Bély – www.festivalier.net

 ” 2008 Vallée” de Mathilde Monnier et Philippe Katerine a été joué le 25 juillet 2008 dans le cadre du Festival d’Avignon.

 

Catégories
FESTIVAL MONTPELLIER DANSE

Avec Mathilde Monnier et La Ribot, «Gustavia» déguste.

La scène du Théâtre de Gramond est une caisse sombre. Clostrophobe s’abstenir. Elles arrivent, toute de noir dévêtues, en maillot de bain et talons aiguilles pour l’une, bottes pour l’autre. D’emblée, je ressens que tout cela va mal finir. Elles gémissent en retenant leurs larmes avec un gros mouchoir noir. Leur relation est à pleurer : méchantes et sans égard, elles jouent à celle qui pousse l’autre le plus fort. Mathilde Monnier et La Ribot en font des tonnes, l’orage finit par gronder et un bruit assourdissant envahit la salle. On croirait le début de la fin du monde quand elles se jettent sur le sol, maculé de rideaux noirs (de théâtre ?). Je les attendais pour me marrer un peu. Au final, je quitte leur univers quelque peu dépité. Elles ont un sacré problème qui n’est pas le mien. Ou du moins pas encore…

Car si « Gustavia » manque de fluidité dans la mise en scène et paraît non abouti, quelques scènes marquent les esprits peu préparés à voir Mathilde Monnier sur ce registre angoissé, d’autant plus qu’elle nous avait laissé en 2006 avec l’univers déjanté de Philippe Katerine et en 2007 à l’unisson avec « Tempo 76 ». Et même s’il était question à l’époque de notre monde vacillant, Monnier a semble-t-il pris un gros coup sur la tête. Comme en témoigne les dix minutes où La Ribot, une planche à la main (vestige de la croix du Christ ?) tourne autour d’elle-même comme une hélice d’hélicoptère, pour lui en mettre plein la gueule. Violence d’une époque qui la voit se relever et évacuer à deux cette planche maudite. Alors que la Ribot s’emmêle les pinceaux à vouloir nous parler de la mort (l’acteur aurait-il ainsi perdu de sa superbe ?), elles s’essaient à une articulation avec l’art contemporain qui fonctionne à vide, seau sur la tête. La forme disqualifie le sens dans une société toujours plus friande de communication publique (il suffit pour s’en convaincre d’observer les stratégies marketing de nos institutions culturelles !).
Mathilde ne va pas fort. Et nous n’avons encore rien vu. La dernière scène, où sur deux tabourets, elles nous offrent une logorrhée sur la femme, avec gestes appuyés pour signifier le degré zéro de la pensée : nous en serions donc là de nos archétypes usées et rabâchées. L’angoisse est palpable. Je ne ris qu’à moitié. « Gustavia », nom de femme, pour faux nom de scène, interpelle sur les nouvelles formes de l’art et leurs représentations. À l’heure de la Sarkozy décadente, elle pointe là où cela fait mal. C’est un acte courageux de la part du Centre Chorégraphique National de Montpellier, dirigé par Mathilde Monnier, que de positionner la danse sur de tels questionnements.
« Gustavia » sonne peut-être un virage dans la carrière de ces chorégraphes aux propositions atypiques. Il n’en reste pas moins que l’on ne peut pas laisser Gustavia seule, avec sa planche et ses tabourets.
La prochaine fois, nous pourrions nous les recevoir sur la tête.
Pascal Bély – www.festivalier.netPs: quelques mois aprés, au Festival d’Automne à Paris, Guy Degeorges d’Un soir ou un autre a cherché la cohérence…

 ” Gustavia” de Mathilde Monnier et La Ribot été joué le 2 juillet 2008 dans le cadre du Festival Montpellier Danse.

Catégories
FESTIVAL MONTPELLIER DANSE Vidéos

Le maudit gazon de Mathilde Monnier à Montpellier Danse.

La force d’un festival, c’est de tisser des liens invisibles entre les oeuvres. Quitter Christian Rizzo à 20 heures au Chai du Terral pour retrouver Mathilde Monnier à 21 heures au Théâtre de Grammont est une invitation pour le festivalier à chercher une cohérence, tel un jeu de pistes. D’un puissant solo à neuf danseurs, le défi est excitant ! Mais au final, un grand écart, un mal de tête et une profonde déception couronnent mes efforts. Habité par la vision sublime de Rizzo, j’atterris sur le gazon de « Tempo 76 » chez Monnier sans parachute. Inutile de préciser que ce n’est pas sans douleur !


Et pourtant…Avec Mathilde Monnier, je me suis toujours senti en confiance même lors du très controversé « Frères et s?urs » au festival d’Avignon 2005. J’entends et je ressens profondément sa pensée, qui prône continuellement l’ouverture comme mode de communication, la transdisciplinarité comme projet artistique. Pour s’en convaincre, je vous invite à lire « Allitérations », une suite de conversations avec le philosophe Jean-Luc Nancy où elle explique avec justesse et intelligence, sa vision d’une danse exigeante et vivante. Elle y évoque notamment son lien complexe avec l’institution puisqu’elle est directrice du Centre Chorégraphique National de Montpellier. Si bien qu’à l’issue de la représentation de « Tempo 76 », je m’interroge: pourquoi cette danse si normative ? Seul le dernier tableau (qui aurait pu être le premier) me réconcilie : les danseurs démontent plaque par plaque le gazon, font éclater des ballons, aidés par une meute de taupes bien décidées à voir le jour pour jeter vers le public, leur regard interrogatif.

À l’unisson (puisque tel est le thème de cette pièce), le groupe déconstruit, dans le chaos. Mathilde Monnier, nous donne alors toute la puissance de son talent lorsqu’elle est à la marge (souvenez-vous du puissant « 2008 vallée » avec Philippe Katerine ou de l’émouvant «la place du singe » avec Christine Angot). Mais pour déguster le dernier tableau, il m’a fallu ingurgiter les précédents où domine l’impression d’un déjà vu qui nous colle au raz du gazon pendant plus de cinquante minutes. L’unisson dansé par Monnier ressemble à ces formes groupales le plus souvent fusionnelles, qu’elle restitue avec talent, drôlerie, rythme et créativité ! Mais qu’apprenons-nous? Certes, je peux toujours admirer la scénographie d’Annie Tolleter qui n’a pas son pareil pour transformer une scène de théâtre en agora, pour la prolonger au-delà des murs, pour nous donner cette subtile sensation d’un dedans-dehors. Je peux toujours fixer l’un des danseurs, grand et massif (loin des stéréotypes) pour me convaincre que « Tempo 76 » est raffiné en s’appuyant sur la différence. Je tente bien de me laisser aller à ces mouvements où ils apparaissent et disparaissent comme au temps de notre enfance où nous rêvions du groupe comme échappatoire à l’enfermement de la famille. Je peux continuer à vous décrire ces différents moments où l’on sourit avec légèreté, mais où l’on finit tout de même par se demander : pour quoi ? On pourrait y voir une société uniformisée qui, à l’unisson, choisit un projet politique plutôt qu’un autre (suivez mon regard…) et qui se déconstruit à force de ne plus penser. On pourrait…

Mais alors, quel est ce langage chorégraphique pour qu’il me laisse à ce point désemparé, sans élan?

« Tempo 76 » signe peut-être une inclinaison dans la danse de Mathilde Monnier. À l’unisson, nous crions  notre peur : « Non,  elle aussi ??».

Pascal Bély
 www.festivalier.net

«Tempo 76» de Mathilde Monnier a été joué les 25, 26 et 27 juin2007 dans le cadre du Festival Montpellier Danse.