Catégorie : LES EXPOSITIONS

À la fondation Maeght parmi les pins et le soleil de la côte, mon imagination vogue à l'âme de Joan Miró. Ce lieu fut son espace de travail, d'inspiration et de réflexion. Deux cent cinquante ?uvres y sont exposées dont certaines pour la première fois. L'opportunité poivre la curiosité. Il s'agit donc de découvrir un environnement de création lié intimement à Joan Miró et d'en révéler l'alchimie inventive.  Tout le monde a dans le coin de son imagination une ligne rouge, bleue ou noire extraite d'une toile de Miró, mais l'approcher de prés oblige l'?il à objecter, à rencontrer l'univers de l'artiste.  D'abord les jardins qui provoquent l'évasion, puis la chaleur de l'été qui nous fait jouir d'une lumière exceptionnelle sur les ?uvres.  Le rayonnement autour du Minotaure de  Miró, la fraîcheur exaltée de la fontaine de Bury, les sculptures longilignes de Giacometti forment l'ombre ludique au sol. Il est agréable de se laisser aller à cette épopée forte du surréalisme, faisant appel aux lectures des grands noms de l'époque.

Et Miró.

L'introduction étant happée, nous pouvons entrer à l'intérieur du bâtiment, d'une architecture très 60', et l'on pense à un certain oncle de Tati. Avant de comprendre, il faut laisser la théorie graphique nous envahir.  Ne pas penser, pas encore, se retenir à l'extrême et voir, rien que la ligne qui se courbe, se tend, danse ces corps de femmes, ces mythes et les peurs de l'artiste.  Qu'il s'agisse de lithographies, de sculptures, de céramiques, de peintures, surtout suivre la ligne, qu'elle soit brossée, grattée ou simplement tracée en eaux fortes, ne pas la quitter des yeux et attendre que la poésie de Miró vous submerge. Et elle chante vite, en profondeur ;  les histoires défilent. Ces femmes belles, à la courbe forte par leur féminité,  leur puissance à l'enfantement, passionnément  toutes, que l'on pourrait retrouver chez Picasso ;  ces étoiles qui frustrent l'artiste de ne pouvoir les toucher, et plus loin ces monstres qui réveillent nos cauchemars passés. Les mots se bousculent alors dans nos pensées, d'abord séparés puis groupés. Et plus loin de relire Apollinaire : « Avant tout les artistes sont des hommes qui veulent devenir inhumains. Ils cherchent péniblement les traces de l'inhumanité, traces que l'on ne rencontre nulle part dans la nature. Elles sont la vérité et en dehors d'elles nous ne connaissons aucune réalité. Mais on ne découvrira jamais la réalité une fois pour toutes. La vérité sera toujours nouvelle. »

C'est en cela la clef du monde surréaliste et fou que Miró nous a laissé en héritage. Afin que les rêves extraordinaires de chacun rejettent le mot fin et puisent leur pérennité dans la régénérescence de nos actes.

Diane Fonsegrive ? www.festivalier.net

Exposition Miro en son jardin Du 26 juin au 8 novembre 2009- Fondation Margueritte et Aimé Maeght à Saint Paul

Il faut oser se perdre dans la zone d’entreprises de la ville Apt à la recherche de la Fondation Blachère, lieu d’art contemporain africain. Oser pour se laisser surprendre par le contraste : au c?ur de ces bâtiments industriels, un bus est posé là. Il déborde de partout. Signe d’une époque devenue folle : il nous faudrait peut-être prendre le temps de poser nos valises.

On entre, persuadé qu’il va se passer quelque chose. Une intuition. L’exposition « Animal Anima» va bel et bien chercher l’animalité qui est en nous. Et pas qu’un peu ! Mais avec retenue et délicatesse, à l’image de ces rideaux qui voilent des animaux empaillés à l’entrée. Serions-nous à ce point cachés ? Il est donc temps de lever le voile.

Tout commence par une histoire. D’ailleurs, « Animal Anima» expose les contes pour mieux les faire résonner. Tous les sens sont stimulés à partir d’une scénographie où tout est lié. Ici, on lit et ce n’est pas fastidieux.  Nous retrouvons l’émotion de l’enfance quand, avant de dormir, nous peuplions l’imaginaire de la somnolence par d’étranges créatures animales. Du lièvre et de la panthère (Frédéric Bruly Bouabre), nous retenons que les animaux ont aussi des troubles de l’identité. En posant notre regard sur d’extraordinaires vaches miniatures, nous comprenons que la place que nous leur réservons, parle du monde que nous créons (Cheikhou Ba). A ressentir les « femmes surchargées » du Pasteur Bobo, nous rêvons de monter aux arbres pour les alléger. Tout un programme. A se glisser dans les jambes étoilées de papillons d’Amal Kenawy, nous nous perdons à imaginer qu’elles appartiennent à la « femme debout ». Émouvant.

Un espace plus loin, nous retrouvons le temps où, enfant, nous construisions des tentes et des cabanes. Celle d’Aimé Mpané est de toutes les couleurs et habitée par des gorilles étincelants : véritable moment de grâce pour nous rappeler que notre ancêtre est une espèce menacée qui pourrait bien éteindre notre civilisation. Majestueux.

Je me souviens encore des hippopotames de Daniel Dewar et Grégory Gicquel vus au « Printemps de septembre » à Toulouse en 2007. Fait d’une terre humide, leur effritements parlaient de notre époque en voit de dislocation (quand l’art est prémonitoire). Ici, à Apt, c’est un éléphant de bois, sculpté par Andries Botha. Loin de s’effriter, il campe solide sur ses certitudes. Nous l’observons sous toutes ses coutures pour nous rassurer : l’ami animal ne nous veut aucun mal.

Ainsi, en quittant cette exposition fragile et enivrante, nous reprenons la route en veillant à ne pas klaxonner derrière le bus.

Pascal Bély

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« Animal Anima » à la Fondation Blachère à Apt (384 avenue des Argiles – 04 32 52 06 15) . Jusqu’au 11 octobre 2009, du mardi au dimanche, de 14h à 18h30 (entrée : 3 ?).

J’ai été récemment interrogée en visitant la  Whitechapel Gallery à Londres. La crise a eu pour effet positif de faire redécouvrir l’opportunité artistique de proximité, à peu de frais, en offrant aux visiteurs la gratuité de lieux d’expositions. Ainsi, l’âme peut flâner à plaisir devant des ?uvres, en des lieux, pour l’ambiance, pour être ensemble. Même si nous savons tous que ces lieux sont des lieux de grande sociabilité, en plaise à Bourdieu, la Culture de l’art reste un domaine à démocratiser. La représentation d’une ?uvre appartient à tous, mais sa connaissance en reste un langage savant. Là les institutions s’imposent : faire naître l’intérêt et la compréhension d’une ?uvre, jusqu’à tirer le novice dans la perversion du besoin de voir toujours plus loin.

Mes pas s’égarent dans la Whitechappel . Je ne suis pas saisie de ces potentielles offres, plutôt intéressée par d’étranges scènes. Mon regard, de ce qui m’était offert de voir, a glissé vers ceux venus voir. Des familles aux enfants intrigués, le solitaire ruminant sa rêverie devant sa contemplation, le pas éteint de celui qui se promène, et simplement celui qui regarde les autres pour comprendre. Jolie toile dans la toile ! Et si l’art était ce qui tirait la réflexion vers la résurrection d’une société en péril, en quête d’identification? Rappelons aimablement que Warhol a décrié l’acte absurde de consommer, au travers de toiles pop. Outre le fait d’extase devant une couleur criarde, à effet décoratif pour certains, vivons le propos peint. Nous sommes dans l’outrance d’un système de consommation invisible et perverse, qui a su habillement polluer l’essentiel de nos quotidiens. Traçons Basquiat. Nous ne pilotons plus nos propres désirs. On les décide pour nous jusqu’à nous faire taire ce que nous sommes.

L’art nous permettra-t-il de nous regarder au plus profond de nous-mêmes ? De nous sauver de cette crise sociale en attente de mutation ? Utopie ? J’ose y croire et  m’interroge encore.

Diane Fonsegrive

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Le Musée de la vie romantique à Paris est un lieu charmant, un brin désuet. Et c’est à pas calfeutrés pour ne pas réveiller le temps que l’on avance dans une ambiance proustienne où l’immuable paraît conserver teneur.

Il pleuvait ce jour  au fond de la cour. Là, 110 tirages photographiques originaux témoignent de presque un siècle d’existences, issues des scènes que Marc Riboud a su capter lors de ses nombreux voyages, jusqu’à l’émulsion autour de l’élection du Président Obama en 2008. D’abord curieux, votre ?il se plonge dans cet univers, puis le respect naît, car vous effleurez  le travail d’un grand ; le frisson par la justesse de la prise de vue. Comment être à ce moment précis derrière l’objectif, dans un angle propice par couchés, en variation de nuances, afin de saisir ces scènes de vie qui se racontent ?

On s’accroche aux années mentionnées, datant le cliché. Nous sommes invités dans l’image. On remarque le coin de la photographie un peu usé. On sublime le temps d’une respiration ;  nous sommes intemporels et ébahis. La proximité exacerbe notre sensibilité.  Et puis plus loin, ces lettres exposées sous vitre, comme un trésor, dévoilent un caractère en mots. On s’étonne de la signature. Henri Cartier Bresson. Ainsi  imagine-t-on Marc Riboud, pareil à ces ?uvres offertes que nous avons pu intimement contempler.

Diane Fonsegrive

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Exposition Marc Riboud au musée de la vie romantique – Paris – Du 3 mars au 26 juillet 2009.

Une envie simple. Celle de recroiser le regard d’Ambroise Tézenas, jeune photographe primé en 2006 lors du « Leica European Publishers Award for Photography », pour reconnaissance d’un formidable travail d’images saisies à Pékin. A l’époque, je n’avais pas retenu le regard sociologique dépeint dans cette ville en pleine activité précipitée pour accueillir les JO de 2008. J’avais gardé le souvenir d’une lumière qui émanait de ces clichés où la luminosité du soleil faisait foi sur une réalité de chantier, d’une projection d’identité offerte plus tard au monde. Je me souviens de cette autre lumière, happée en chambre 4×5, voile de pastels sombres, irréels, oniriques, féeriques, colorant la réalité quotidienne. Le peuple. De cette lumière feutrée, vos yeux interpellent le détail global d’une vie désenchantée qui ravit alors votre perception. Le contraste crée le merveilleux et vous voilà transporté dans cet ailleurs offert.

J’avais très envie de recroiser ce regard envoûtant qui m’avait emmenée dans ces univers qui échappent à mon environnement habituel. Et, pour la seconde fois, pleinement, je fus séduite. Effectivement, « le jour est brutal et bruyant » (titre de l’exposition sur Ambroise Tézenas en Arles), car chaque cliché saisi en nuitée, expose cette clarté filtrée, où les couleurs se poudrent faussement pour mieux nous fixer le vrai de ce qui échappe. Encore des paysages urbains, qui grâce à cette technique se lisent pareils à un calendrier de l’avent. Chaque centimètre de la photo se compose telle une saynète. Aucune forme humaine, mais des essences de vie, lettrée au travers de leur rythme d’activité. Là, une fenêtre allumée ;  un bureau vide éclairé. On regarde voyeur. Des plantes. Une table. Une chaise. Personne. Mais on ressent l’électricité d’un quotidien. Un centimètre d’existence pour en fixer un autre ici. Le jeu s’active sur l’échiquier de la façade du building photographié. Les lignes s’exposent pareilles à un théorème de géométrie afin de nous contraindre à reconnaître nos vies absurdes de répétition des jours. Je sublime la volonté de l’artiste de nous administrer le rêve pour décoller de cette dimension.

Reconnaissons que si chacun de nous ose poser simplement un regard  sur la magie des choses, alors la vie apparaît. Le jour est sûrement brutal, mais pas si bruyant.

Diane Fonsegrive – www.festivalier.net

Ambroise Tézenas, “Le jour est brutal et bruyant”. Exposition à la chapelle du Méjan à Arles, du 21 novembre au 31 décembre 2008.

A voir son magnifique site internet.

Nous vivons dans un monde d’image, où nous subissons le plus souvent l’absence d’esthétique, presque résignés. Mais à  l’ère du numérique, nous en produisons nous-mêmes, pour tenter de démocratiser le regard de tous. Certes, nous capitalisons l’image, mais dans quel espace et sur quel support ? C’est ainsi que l’Art Vidéo joue sa fonction, comme tente de nous la faire ressentir, l’exposition “Vidéo, un art, une histoire (1965-2007)” au Musée Fabre de Montpellier.

Ces arts visuels de toutes les époques  du XXe sont pour moi le plus beau jardin d’acclimatation jamais offert, où l’on est propulsé à la croisée de plusieurs dimensions : nous, l’espace, l’image vidéo et l’artiste. Le contexte se démultiplie où l’art plastique accompagné de sa réflexion spatiale, s’articule avec la diffusion de l’image. L’exemple ludique de la caméra vidéo de surveillance illustre efficacement ce propos : on dédouble une image saisie dans son mouvement, d’une réalité passée d’action dans une réalité présente de visionnage. Nous sommes alors sur deux tableaux, compliquant le jeu en capturant celui qui visionne le regardé. Bienvenue dans un monde tridimensionnel, où l’on s’invente à l’infini de l’espace. Votre propre corps devient l’élément d’interface d’une extase sensorielle. Les yeux offrent à l’ouïe leur fonction et réciproquement. On perd les repères d’équilibre pour mieux certifier aux plus grands scientifiques que la copie semble révisable. Sol. Plafond. Miroir. Écran. Blanc. Noir. Couloirs. Chambres. La symétrie du champ de vision se donne là, en tout point, en toute ligne. Le propos de l’image est ici second, n’est important celle que l’espace suscitera en vous.

Et interminablement nous recréons le monde, comme l’artiste lui-même en son protocole a souhaité se rapprocher de cette nature qui lui pose inlassablement la même question: dans quel monde vit-on ?

Alors faites-vous plaisir! Allez regarder et jouer au musée Fabre un jour de grande déprime pour en ressortir plus vivant qu’en entrant.

Diane Fonsegrive- www.festivalier.net

“Vidéo, un art, une histoire (1965-2007)” au Musée Fabre à Montpellier.

Du 25 octobre au 18 janvier 2008.