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Cendrillon libérée.

Après “Le Petit Chaperon rouge” , “Pinocchio”, Joël Pommerat triomphe avec “Cendrillon“. Mérité. Les contes de notre enfance, nous croyons les connaître par cœur…Mais nous sommes peut-être sourds à leurs battements. Avec son équipe, l’auteur et metteur en scène Joël Pommerat fait un travail d’horloger. Les contes, ils nous les éclatent pour les restructurer, et nous laisser à l’écoute d’une autre partition. Nous entendons une nouvelle musicalité qui quitte nos chansons douces, pour rejoindre notre intime, caché, là…Un homme vient ponctuer régulièrement la pièce, dans une expression en langage des signes. Finalement, ne sommes-nous pas tous un peu malentendants ?

Le plateau dépouillé s’oppose à l’image habituelle de la féerie des histoires de princesses. Nous partons de loin, très loin dans l’enfance. La comédienne principale est frêle, à la voix enfantine, comme dans les précédentes pièces de la compagnie. De l’enfant s’éveillera une force féminine, sortie de sa chrysalide à coup de reins.

Joël Pommerat va explorer la complexité de la communication ou comment une histoire peut se tisser à partir d’un malentendu . Combien de fois rencontrons-nous de telles situations similaires? En écho, j’entends : “Mais  je pensais que…, mais je t’ai dit que … et tu comprends?… Différemment.” Notre histoire, notre culture, notre état, nos préjugés, notre niveau d’intelligence, notre sensibilité peuvent nous donner une autre lecture. Il faut prendre le temps d’écouter. Prendre le temps de reformuler, de questionner. Prendre le temps…C’est devenu un luxe. Le brouhaha ambiant et le stress nous parasitent et nous voilà partis sur une mauvaise piste.
 

 Sur son lit de mort, Sandra aura interprété les paroles de sa mère et partira dans un imaginaire. Voilà comment elle a entendu ce qu’elle attendait. Elle va vivre ainsi, comme le lapin d’Alice au pays des merveilles, à contrôler le temps et tenter de maîtriser sa mémoire…

«Cendrillon» incarne cette lutte contre l’oubli pour se donner une image irréprochable, avec la culpabilité d’en faire toujours plus, jusqu’à se positionner en victime, de mériter de souffrir, de s’auto flageller. C’est ainsi que pendant toute une vie, un enfant peut porter des sentiments infondés et des poids, que seul le psychanalyste pourra révéler, si  la démarche est engagée.

Le système matriarcal y est central. Après la mort de sa mère, Sandra fait la connaissance de sa belle mère et de ses deux filles. Elle est baptisée…”Cendrier“. Ce trio donne une image du versant féminin cruel, égocentrique, jugeant et dénigrant. L’image du père offre une personnalité faible, dans ce milieu hostile au genre majoritaire. C’est un combat de coqs. Les femmes dans le pouvoir peuvent être terribles.

Sandra/ Cendrier/Cendrillon, malgré sa petitesse est frondeuse, curieuse et volontaire. Elle supporte tout: les quolibets, les taches multiples. Elle veut être vivante en existant dans le regard des autres. Elle est là, utile, servile. Mais ce n’est pas tout de se réaliser dans ses tâches. Encore faut-il exister pour soi, sous un regard extérieur confiant, qui développe l’épanouissement. Derrière la disparition de la mère, c’est aussi la quête de liberté qui émerge; de l’autorisation de se faire plaisir, d’être heureuse en autonomie et d’aimer un autre.Sa belle mère et ses filles existent, mais  dans leur miroir, au dessus des autres. Elles sont la caricature “des laides et des stupides». Ce qui leur manque tant, c’est la sensibilité.

Le public présent est extrêmement réceptif au texte. Des étudiants ont fait le voyage avec leurs professeurs. La fée, d’une modernité à tous crins dans ses propos et ses attitudes, provoque de nombreux rires. Ce sont de douces respirations dans ce cheminement de deuil où le prince est joué par une actrice. Il n’est pas grand, blond aux yeux bleus, mais petit avec un peu d’embonpoint. L’attirance lors de  sa rencontre avec Cendrillon s’opére grâce à une histoire commune: la perte  de la mère. Orphelins tous les deux, ils sont aussi libérés de ce poids matriarcal…

Le chemin est encore long à parcourir, mais la joie de la libération est là. Après l’amour d’une mère, qu’il est bon de se laisser aller au sentiment amoureux, tourné vers l’étranger et le monde.

Ne sommes-nous pas tous un peu Cendrillon?

Sylvie Lefrere – Le Tadorne

“Cendrillon” de Joël Pommerat:

  • Au théâtre des Salins de Martigues les 5 et 6 avril 2024.
  • Au théâtre de Serignan, la Cigalière; en partenariat avec Sortie Ouest de Béziers le 13 et 14 mars 2013.
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Est-ce bien nécessaire d’aller au Festival d’Avignon?

Depuis un certain temps, l’écriture ne vient plus. Certes, je continue à voir des oeuvres, mais tout glisse. Cela n’imprègne plus. Parce que les imprégnants ont peut-être rendu leur tablier immaculé de sueur et de sang pour des habits plus présentables fabriqués par des programmateurs soucieux de bienséance.

Que se joue-t-il aujourd’hui dans nos théâtres?

Christoph Martaler est annoncé au Printemps des Comédiens à Montpellier. Ce metteur en scène Suisse-Allemand fait partie de ma scène intérieure depuis tant d’années…au temps lointain où le Festival d’Avignon osait déplacer le public vers un chaos à la fois intime et politique. À plusieurs reprises, il a déplacé mes objets perdus et métamorphosé ma quête d’émancipation.

“Sentiments connus, visages mêlés” est sa dernière création, jouée à la Volksbühne, ce théâtre berlinois dirigé par Frank Kastorf (autre déménageur que j’irai voir au Festival d’Avignon). Mais la direction va changer. Chris Dercon, ex-patron de la Tate Modern de Londres (musée d’art contemporain) en sera le prochain dirigeant. Autant dire un autre monde , un « Nouveau Monde en marche », mais vers où?

J’y suis. Face à moi, un décor immense, haut et profond, métaphore d’un théâtre qui ose explorer ce que l’art bouscule du sol au plafond. Ce soir, cette œuvre est celle d’un homme de théâtre conscient que son art est dans l’absolu le langage de l’inconscient.

Ils sont donc treize, femmes et hommes, âgés et sans âges. Je ne sais plus. Là, n’est plus la Question. Ils sont nos personnages tout à la fois obsessionnels, décalés, malades et fous, tristement joyeux et joyeusement tristes. D’où viennent-ils donc avec leurs apparats de lumières, leurs habits de vieux, leurs démarches droites et courbaturées? Un homme en habit de technicien les sort un par un des coulisses. Il ne peut s’empêcher de transformer ses gestes techniques en mouvements dansés pour jouer avec les films d’emballage et la mécanique du chariot. Lui, c’est peut-être nous, masses populaires qui ne pensent peut-être qu’à çà : danser coute que coute pour ne pas être perdu…

Empaqueté comme des colis, enfermés dans des boîtes de Pandore, notre homme dévoile un par un nos personnages. Nous rions de les (de nous) voir ainsi. Ils ne disent pas grand-chose, tout juste esquissent-ils des pas de danse, de toutes les danses. Tout juste chantent-ils des airs connus et inconnus, nos chants intérieurs, nos vacarmes en sourdine et nos rengaines communes. Le moindre espace est dédié au théâtre. Coute que coute ! Il faut les voir faire œuvre de danse contemporaine sur un chariot comme si seul comptait l’espace mental pour se mouvoir! Il faut les voir se glisser sous un piano, fuir et revenir par une fenêtre comme si le théâtre, l’art, était notre seule échappatoire. Les grandes portes s’ouvrent et se ferment à mesure de leur entrée et de leur sortie : jamais je n’ai ressenti avec autant de force la coulisse comme notre trésor caché, celui de l’enfance perdue à jamais. Marthaler ouvre nos enfances et convoque tous nos personnages. Ils sont faits d’art et de corps. De corps et d’âme. L’art a une âme quand le silence creuse en nous ce qu’il faut d’espace pour que cela résonne. Mon corps en tremblerait presque, mon corps se lèverait presque pour pousser la chanson, celle que chantait une mère imaginaire pour calmer l’angoisse causée par le monde nouveau.

Je me glisserais bien dans le décor, jouer le 14ème personnage et, face au mur, refaire ma galerie de portraits, en murmurant « ma petite cantate » de Barbara.

Mais je m’égare. Je divague. Ils sont toujours là, face à moi. Il ne reste plus grand-chose de leur grand orchestre d’antan. Chacun, avec un bout d’instrument, tente de jouer une symphonie : et si c’était l’hymne européen mis en sourdine ? Ils sont là, m’accompagnent à prendre cet ascenseur dont il faut faire d’abord péter les plombs pour qu’il vous monte vers un paradis perdu réduit à un premier étage. L’ascenseur, rare objet de notre moderne solitude, n’ouvre que sur le vide : est-ce donc là la visée de nos politiques culturelles ?

Mais il faut y croire. Continuer à y croire, poursuivre notre quête, convoquer un ventilateur, se prendre pour Marylin et ressentir le souffle du théâtre sur le corps, le souffle de l’esprit critique sur la pensée.

Ils ne leur restent plus qu’à nous remercier, qu’à éteindre la lumière, et nous faire confiance : nous emportons ces « sentiments connus, ces visages mêlés » pour les reconvoquer quand le théâtre s’effacera au profit d’ «installations» sans âme, de vidéos sans profondeur de champ, de jeux sans acteur.

Pascal Bély – Le Tadorne

“Sentiments connus, visages mêlés” de Christoph Marthaler au Printemps des Comédiens de Montpellier le 1er juillet 2017.

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Avignon 2015- Madame rêve…

Et si Avignon m’était conté ? Je n’y suis pas cette année…mais…

Madame rêve… De merveilleux…d’énergie qui entrainerait tout sur son passage pour que nos sens soient excités au plus haut point.

Madame rêve…Dans un premier cycle du sommeil, celle de la phase d’endormissement où ma conscience reste en veille, je rencontrerais Phia Menard et sa dernière création «Belle d’hier». Une pièce où d’un bloc, sorte de lingot Factory de Warhol, recouvert de matière brillante, émerge un laboratoire glacial. On y extrait des fantômes pétrifiés, comme dans la légende où des moines avaient été transformés en pierre pour avoir osé regarder des femmes.

Ces christs encapuchonnés se délitent tout comme les valeurs religieuses de nos jours. Les dogmes s’écroulent et la révolte gronde. Un grand nettoyage s’opère, pour laver toute cette saleté qui nous envahit. Cela nécessite des efforts. Les tissus sont foulés aussi énergiquement que les raisins lors des vendanges. Nous avons à extraire un nouveau jus, plus vif, plus savoureux, sans rester derrière un rideau qui occulte la réalité. La volonté engagée pousse jusqu’à la folie, car tout renouveau fait basculer dans l’inconnu. Un bruit assourdissant nous envahit et vient à bout de ma fatigue.

Madame rêve…J’entame une sieste plus profonde dans cet été torride. J’entre dans un sommeil réparateur. Avignon, ville de festival international, pourrait nous entrainer vers la création belge. « En avant marche ! » d’Alain Platel et de Frank Van Laecke m’accueille.

Un ange noir y déploie ses ailes cymbales. Les vibrations cinglantes sortent de ces disques dorés. De cet éclat exulte ses maux. Ses cordes vocales sont anesthésiées d’avoir trop longtemps usé ses mots d’amour, et de luttes. La maladie a tétanisé son organe, son souffle lui manque, son trombone, porte voix est au repos, réduit au silence.

Il s’économise en nous délivrant ses langues multiples. Il a le timbre d’ un parrain, patriarche qui détient le pouvoir, le savoir, mais il n’est pas celui qui écrase son entourage. Il est libre et aimant. Son corps est à l’image du poids de ses émotions, de ses expériences vécues. De façon régulière, il a besoin de se ressourcer en s’allongeant pour puiser une part de rêve dans un sommeil de bébé, où il serre contre lui son instrument objet transitionnel, « Ours à vent ou à percussion » suivant ses humeurs.

Il soulève son corps massif et évolue joyeusement autour des autres musiciens. Artistes, facteur, fleuriste et ingénieur se retrouvent tous à la même enseigne. La puissance d’un collectif pluriel. Les femmes sont des majorettes, au corps débordant de séduction et de dextérité. L’une boit les paroles de celui qu’elle aime, l’autre plus volage, préfère être l’objet du désir d’un des jeunes acrobates. On s’aime profondément, ou pour le plaisir. Il a besoin de lâcher prise. Pour cela son corps s’accorde à celui d’un jeune athlète aux accents slaves. Leur danse est celle de l’Europe, entre Français, Flamands, Wallons, Anglais. Tous ils se croisent, entrelacées de phrases cultes de chansons » Putain, putain, nous sommes tous des Européens ». Cette fanfare à l’élégance surannée dans ses martingales, habits de représentation, est gainée comme des soldats de plomb.

Ils apparaissent et disparaissent dans le décor. Nous sommes bien loin de la Cour du Palais des Papes, et pourtant un sentiment de déjà vu. Un vaisseau de rouille à l’oeil nu, qui quand on se rapproche, est un tulle tendu de couleur rousse. Ce qui nous apparaît comme imposant et usé n’est finalement qu’une fine matière transparente. D’où la nécessité de prendre le temps de regarder et de découvrir, et de ne pas se laisser aveugler et impressionner.

Nous sommes accueillis par un roi qui relie toutes ces femmes libres dans leur corps, et ses hommes dans tous leurs états artistiques. Leurs rythmes, leurs chants, leurs langues sont universels et nous accompagnent dans cette énergie collective jusqu’à la fin. Des sursauts nous font tressaillir et révèlent l’esthétique de l’homme où qu’il soit.

Madame rêve…Je continue ma nuit Avignonaise dans un sommeil paradoxal, agité, celui des rêves…

Maguy Marin nous y attend. Avec “BIT“, elle nous entraine dans une farandole, digne de celle de Zorba le Grec. Petite espagnole, elle part de ses origines pour nous interpeller. Elle cherche à mettre en jeu le lien populaire, celui dont nous sommes tous pétris. Mais des pentes nous cernent. Perspectives ou descentes ? Les ascensions sont difficiles, les descentes ludiques. Après l’allégresse, elle met une ombre au tableau. Méfiance…Tout peut si vite basculer dans l’horreur. Le monstrueux apparaît. Celui qu’on ne supsconnait pas quelques minutes auparavant.

La parité est représentée, mais la gente féminine se fait encore «  niquer ». Faibles femmes impuissantes, elles réduiront pourtant leurs agresseurs en vulgaires cloportes qui jouent aux combats de coqs.

Un déferlement de souffrances se repend. La religion se couvre aussi de capuchons pour voiler ses exactions. Ils sont sans visage, tantôt bourreaux, tantôt observateurs voyeurs.

Mais la vie continue avec ses hauts et ses bas. Les fils se déroulent des quenouilles, se tendent, sans jamais se rompre. La musique nous percute jusqu’à soulever nos diaphragmes en rythme. Nous retrouvons la sensation de respirer dans un second souffle. Notre corps prend le pouvoir sans le savoir, en « Bit ».

Le « Py »(re) est passé, et on peut retrouver à nouveau la joie de vivre, en cherchant encore et toujours à se relier et à créer des moments de grâce. Pour cela les prises de risque sont nécessaires. Osons sauter dans le vide ! Et après ?…Le réveil sonne.

Nous sommes à Avignon. Ce n’était qu’un rêve. Pas de Platel, pas de Phia, Pas de Maguy…

Kristian Lupa a ouvert la danse sur le pont d’Avignon, alors tentons de continuer d’avancer dans ce festival tout en sachant qu’au bout le pont est coupé et que la fête va bientôt finir.

Sylvie Lefrère – Tadorne

Phia Ménard, "Belle d'hier" au Festival Montpellier Danse les 26 et 27 juin 2015.
Alain Plater et Frank Van Laecke au Printemps des Comédiens de Montpellier les 22 et 23 juin 2015.
Maguy Marin, "Bit" à Montpellier Danse les 7 et 8 juillet 2015.
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AUTOUR DE MONTPELLIER THEATRE FRANCAIS CONTEMPORAIN

De Montpellier vers Avignon…

Ils sont 21. 21…comme autant de siècles.

Des jeunes personnes, vêtues d’une grande simplicité. Ils nous regardent, calmement, sérieusement. Ils sont un troupeau de biches dans une clairière, avec la grâce et la concentration, face à une tempête annoncée.

Oui, la jeunesse peut être sérieuse. Nous allons les suivre pendant 4H15 vers une voie inconnue, celle qui nous fait frôler l’utopie. Nous quittons le sombre du quotidien pour entrevoir un ailleurs, lumineux, à reconstruire.

Le décor plante le monde méditerranéen, sa lumière, clin d’oeil aux révolutions arabes. Mais ces devantures fermées annoncent le désastre économique d’une région où le Front National s’apprête à les ouvrir avec la force de leur pensée fragmentée…

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«Hypérion» du poète allemand Friedrich Hölderlin est ce soir mis en scène par Marie-José Malis avec les étudiants de l’Université de Montpellier au Théâtre de la Vignette. Ils inaugurent ce travail qui trouvera son apogée au prochain festival d’Avignon avec la troupe de Marie-José Malis. Ce roman de 1797 nous renvoie à la grandeur d’Athènes et de toutes ces sociétés brillantes qui se sont effondrées, mais qui ont réussi à renaitre de leurs cendres. Dans le roman, « Hyperion et Bellarmin, qui rêvent de libérer leur patrie du joug étranger, échangent de longs poèmes en prose à la gloire de leur pays, dont le rythme est à peine différent de celui des hymnes…Pourtant, Diotima, la véritable héroïne, symbole de la liberté heureuse, la fiancée de l’idéal, qui encourage celui qu’elle aime à aller combattre pour le salut de la patrie. Hyperion prend part au soulèvement national, qui ne peut être mené à bout, et le jeune homme, parti pour « vaincre ou mourir », revient vaincu par l’ennemi trop fort et aussi, peut-être surtout, par la défaillance des siens, prompts au pillage aussi bien qu’au combat. Il se retire de la lutte et retourne à la poésie».

Marie José Malis réussit à faire vivre à une poignée de spectateurs résistants, une soirée digne du Festival d’Avignon! On y souffre, on y pleure, on est ébloui par ces comédiens-étudiants. La durée dans la diction nous offre l’espace nécessaire pour intégrer le texte et se laisser emporter par notre propre imaginaire. Nous prenons de l’altitude. De ce recul, nous trouvons la bonne distance pour avoir la vision sur cette condition humaine et chercher comment interagir différemment dans le monde d’aujourd’hui. Ce soir, l’Europe apparait dans ses paradoxes de beautés et de violences.

La musique scande les mots. Je me sens transportée dans un film de Pier Paolo Pasolini. Celui où l’on rencontre l’homme dans ses forces et ses fragilités. Ce soir je suis bouleversée. Je sors d’un gouffre pour atteindre la voie lactée. Sous la pleine lune, le théâtre de la Vignette a retrouvé sa brillance avec un verbe haut, un texte puissant, un jeu d’acteurs juste. Dans notre quotidien de l’urgence, le temps du processus pénétre pour mieux toucher, malaxer, questionner. Les mouvements des comédiens sur le  plateau se détachent dans des aller et retour individuels ou collectifs. Ils nous aident à comprendre l’importance de s’engager dans une cause. Tour à tour, chacun fait sa déclamation et maille la force de la réflexion du groupe. En avant, en retrait. Dans des mouvements de ressac, la terrasse du café devient une ile pour accueillir des réfugiés. La stèle est la montagne à gravir. Les rideaux rouges que l’on tire séquencent les différentes étapes, métaphore d’une renaissance perpétuelle.

Les questionnements de cette jeunesse explosent dans le texte et Diotima s’élève au-dessus de nous dans un cri désespéré, pour éveiller notre désir d’ailleurs vers tous les possibles.

Ce climat de chaos me submerge, la poésie m’envahit. Sans violence, la révolte gronde. Celle qui nous ressource et nous réveille dans ce désir de bâtir un nouveau paradigme. Je respire ce trop-plein à tous les niveaux dans la société grecque antique décrite. Je ne suis pas seulement allergique à notre contexte actuel, je suis juste dans une intolérance de subir les bras ballants. Comme ce groupe de comédiens, je pressens l’urgence, sage et réfléchie, de se mettre en mouvement. Pas de passéisme, pas d’état de fait immobilisant, juste une analyse et le besoin d’agir pour reprendre ses droits vers une humanité pensante oeuvrant pour le bien de tous.

En quittant le théâtre, nous resterons sans voix, écrasés par la fatigue. Mais nous avons vécu ensemble dans la salle et sur scène un moment d’union collective.

L’art est politique et nous donne des ressources. “On devient artiste comme on devient adulte”, on devient spectateur comme on devient citoyen.

Sylvie Lefrere- Tadorne

” Jeunesse d’Hypérion” d’après le roman d’HÖlderlin mis en scène par Marie José Malis, au théatre de La Vignette du 17 au 20 mars 2013. Au Festival d’Avignon du 8 au 16 juillet 2014.

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To be or not to be written

En cette fin de semaine, je sors hors des murs de la ville. Je roule, tambour battant, vers un de mes lieux préférés, Sortie Ouest à Béziers. La fraicheur de la nuit nous accueille, et dès le premier chapiteau, l’équipe est là, attentionnée pour chaque spectateur. Un sourire, un mot, un geste. Quel plaisir de retrouver Isabelle, Laurent, Jean et les autres !

Le deuxième, légèrement plus grand, nous invite dans le plaisir de la bonne bouche, autour de cuvées et de produits de la région. On y croise des visages connus, perdus de vue, on se raconte nos parcours divers, on rit et on est bien. L’atmosphère est chaleureuse et suscite les échanges.

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Ce vendredi, je viens retrouver David Ayala, comédien que j’avais remarqué à Avignon cet été, dans ” La carte du temps” au théâtre des Halles. Dans ce circuit de chapiteaux gigognes, nous prenons place dans le dernier. La salle reste éclairée. Les premières minutes me surprennent, car le public se met très vite à rire, aux moindres mimiques du comédien. Ce n’est pas un on man show pourtant? Je reste à l’écoute, silencieuse, j’attends.

Le metteur en scène a choisi de jouer sur sa posture. Celui qui dirige les comédiens, qui note ses idées de création…. David se campe, avec son grand corps, comme un monument du théâtre. Il étale sa puissance de savoir, connait toutes les ficelles du métier, les références littéraires ou cinématographiques. Il est en action vivante de recherche. On le sent boulimique de travail comme tout artiste passionné. Son visage prend la dimension de son imaginaire et se transforme à chaque instant. Il cherche à partager sa vision. Son regard s’appuie sur celui des spectateurs qu’il interpelle. Ils sont ses comédiens d’un soir. Dans ces allers et retours, nous rentrons dans l’envers du décor.

Régulièrement, comme dans une scène rêvée, le noir s’abat sur le plateau, et la clarté d’un projecteur révèle la qualité scénique du comédien, qui retrouve le texte de Shakespeare. Grâce à ces flashs,  nous suivons le fil de l’histoire terrible de Macbeth. Je sens des larmes pointer, et quand la lumière revient, la construction créative poursuit son processus. Les doutes, les questionnements, valsent entre les impulsions du metteur en scène. Il bouillonne à travers ses guerres intérieures et historiques, pour passer vers l’au-delà.

On ne sait plus s’il vit la réalité ou un cauchemar quand il se plonge dans la baignoire. Il prend un bain de souffrance, il se lave de ses échecs et se tourne vers nous, nu, dégoulinant;  il se donne à nous public. L’éclat du rouge sang sera le dernier costume qui inondera sa peau. Il est de chair.Nous sommes ses voyeurs censeurs, qui feront vivre ses créations.

Je pense à ceux qui ne sont plus là et qui nous ont tout donné sur scène…Je pense à ces guerriers prêts à sacrifier leur vie, pour la liberté de leur pays et de leurs concitoyens.

Au théâtre, je deviens, à mon tour, un être de chair et de pensée.

Sylvie Lefrere – Tadorne

“Macbeth”( The notes) de Shakespeare mis en scène de Jan Jemmett, à Sortie Ouest du 15 au 17 janvier 2014.
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QueZATko?

Le 11 novembre 2013, journée de la mémoire de la Grande Guerre de 14/18… Le 11 novembre, nos mémoires se réveillent, mais sur un quartier de notre ville. C’est la septième édition de la ZAT de Montpellier, «Zone Artisitique Temporaire». Depuis 2010, l’art nous entraine dans les plus petits recoins de la ville. Nous vivons à Montpellier, croyant la connaitre, mais à travers une démarche interactive d’accompagnement artistique, nous ouvrons  de nouvelles recherches cognitives.

Le froid, le vent, se sont levés ce matin. Nous sommes quelques intrépides à nous glisser hors de nos lits, en ce dimanche, pour suivre une visite urbaine ou écouter des chercheurs, architectes, sportifs, artistes, nous dévoiler leur conception du ” Do it your self”.” Faire soi même”, nous sommes au coeur de cette actualité. Habitants, spectateurs, acteurs, citoyens, nous devenons tout à la fois, dans la polyvalence de nos déambulations. Nos errances ont un but: glaner l’artistique à chaque coin de rue, ou dans des lieux fermés habituellement.

L’interaction est partout; la rue et son public vivent à l’heure d’ un festival éphémère. Les langues se délient, les regards s’agrandissent, les visages s’animent. Petits et grands, citadins et banlieusards, nous voici tous réunis. Autorisés à prendre son temps, dans des espaces nettoyés de voitures et de contraintes. Autorisés à partager avec nos voisins ses sentiments. L’émotion
devient le principal levier de communication. Le plaisir est palpable. La patience est mise à l’épreuve, car l’attente peut être ponctuée de frustrations, si les portes restent closes faute de place. Mais on prend l’initiative d’aller quelques mètres plus loin, trouver refuge dans une salle éclairée, devant la chaleur d’un brasero, rencontrer un ami perdu de vue, écouter une musique, regarder un mouvement de danse, saisir une poésie…L’art fuse tout à coup dans l’urbain et rassemble. Il faut accepter de ne pas pouvoir tout voir. Deux jours, c’est trop court. À nous de prolonger ces formes artistiques dans la ville, de les relier, de les penser et de bâtir de nouveaux projets citoyens.

L’introduction ” Du Bohneur est dans le chant” de la Compagnie les Grooms, nous a fait imaginer quelques instants, un adjoint municipal à l’urbanisme, la culture et au développement local.

“Vacheries” ont cultivé nos champs de citadins à travers la voix de Jean Louis Trintignant, accompagné par Michel Arbatz et Olivier Roman Garcia.

” Poêtre” a ému la foule, dans les textes à étages du collectif  Brigade d’interventions Poétiques/ Compagnie Zigzag.

La fanfare des Kadors est devenue troupe dignement descendue de Pina Baush, chorégraphiée par François Rascalou.

La Laiterie, lieu de convivialité connu de tous, nous  fait découvrir la vie des artisans locaux et sourire devant les créations de Cyriak.

Dynamogène a réveillé nos âmes d’enfant dans les cliquetis de leurs machines. Tout à coup je me suis transposée dans l’atelier de mon grand-père. J’ai frôlé son bleu du bout des doigts, j’ai senti l’odeur de l’huile, et la scie musicale m’a coupé le souffle…

Lors de la tchat Zat, un géographe, Luc Gwiazdzinski, nous a donné à voir la Zat derrière la lumière de son esprit de chercheur. La Zat a tout à coup transformé notre cité en pistes de réflexion. Nous avons touché la notion d’éprouver, de gouter au choix du mouvement, de l’imaginaire, du modeste ” Do it yourself”,  brillamment théorisé la veille par l’architecte Étienne Delprat, a pris toute sa dimension utopique. Thomas Riffaud a apporté sa dose de prise de risque, dans le ludique conceptualisé  au milieu de l’espace urbain.

J’ai fini ce week-end par une ligne bleue; celle dessinée sur l’épaule  de Dimoné, chanteur aux accents du Sud. Pendant que sa chair était percée par l’aiguille du tatoueur Bruno, nos coeurs battaient fort. Ce quartier, oui on le connaît. Cette voix, oui on la connait, cette complicité musicale on la reconnait.  Ses mots de mélancolie chaleureuse nous accompagnent dans la nuit bleutée. Demain nous nous  réveillerons jiminys, avec de nouveaux désirs, pour dessiner un nouvel horizon plus clair en sortant du ventre de la baleine.

La Zat a mis en valeur la dynamique d’un nouveau quartier, du potentiel qui vit en chacun de nous. Maintenant à nous de relier ces énergies :””Get lucky yourself “.

Sylvie Lefrère – Tadorne.

"ZAT" de Montpellier les 10 et 11 novembre 2013 dans le quartier Boutonnet.
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ACCUEIL DES LIEUX CULTURELS AUTOUR DE MONTPELLIER ETRE SPECTATEUR PAS CONTENT

Vous avez dit “spectateur”?

Qu’est-ce qu’être spectateur critique et engagé aujourd’hui ? Ces derniers mois, j’ai été  frappée par des comportements qui m’interrogent…Je suis face à des salles vieillissantes, composées d’abonnés de longue date. Assise à côté d’eux, je me suis senti gênée, tout comme d’autres spectateurs, par leurs commentaires à haute voix. Lors du dernier spectacle de  Decouflé à Nîmes, ils se sont comportés comme s’ils étaient dans leur salon devant leur télévision. J’ai été agacée par leurs remarques («ce n’est pas de la danse») à la fin d’un spectacle de Raimund Hoghe à Montpellier. J’ai surtout été outrée par leur violence à Sète à l’égard de Maguy Marin.

Qui sont ces spectateurs ? En veulent-ils pour leur argent de consommateurs ? La communication des lieux est-elle honnête lors de la présentation de saison? Ne fait-elle pas miroiter à  son public adhérant un divertissement garanti?

public

De ma place de spectatrice, il me semble essentiel d’être dans une démarche de curiosité active. La lecture attentive des programmes, la connaissance des artistes ou le souhait de vivre une expérience sont mes critères de choix. Etre spectateur critique avant d’être consommateur. Je suis malheureuse quand je suis dans une salle à moitié vide, comme pour « Chatroom » par Sylvie de Braekeleer, l’année dernière au théâtre Jean Vilar de Montpellier. C’était pourtant une pièce de société, intelligente et intelligible. Mon plaisir explose quand je suis enfin entourée de vivants, d’enfants, d’étudiants qui composent un vrai public mixé. Ce sont des salles qui respirent, où le public expire fortement ou retient son souffle quand l’émotion est là.

Pourquoi ce glissement ? Quelle est la part de responsabilité des communicants? Quel projet ont-ils pour leur public, mis à part de remplir leur salle pour séduire les politiques et obtenir les subventions à la clef ? Que signifient ces écoles de spectateurs qui pleuvent de tous côtés de Paris à Montpellier, où il faut nous éduquer, nous montrer, nous apprendre ? Je me souviens des soirées de débats télévisés où enfant, j’étais marquée par les engagements et la force des points de vue. Pourquoi sommes-nous aujourd’hui plongés dans la sphère du consensus mou? La parole des spectateurs fait elle si peur dans cette société du spectacle empoisonnée par les jeux de pouvoir? La passion est en droit de libérer tous les déchaînements, quand ils sont justes et argumentés.

Nous considèrent-ils comme des spectateurs de chair et de pensées capables de développer un regard critique ? Savent-ils que ce que je voyais il y a dix ans, je ne le perçois plus de la même façon aujourd’hui parce qu’entre temps, je me suis nourrie de rencontres avec des artistes engagés dans des démarches créatives de recherche.

Depuis quelques années, nous sommes quelques-uns à nous ressentir « chercheurs marcheurs » en quête de sensations. Nous sommes dans toutes les régions et nous nous réunissons au Festival d’Avignon, non pour flatter nos égos, non pour être sous la coupe d’une institution, mais parce que nous sommes passionnés dans un contexte de crise, mot trop facilement, trop souvent martelé.

Notre parole se dépose dans des débats interactifs avec d’autres spectateurs critiques. Elle noircit les blogs pour garder une trace, une mémoire pour les générations à venir et pour le public d’autres territoires. Notre objectif est de nous mettre en lien, d’être dans le plaisir. Nous sommes différents des journalistes qui ne donnent majoritairement que des informations pour privilégier la communication institutionnelle au détriment de la réflexion sensible et de l’analyse. Leur parole est souvent neutre ou fielleuse, mais rarement dans un travail de fond.

Avec d’autres spectateurs Tadorne, je suis heureuse d’être dans cette démarche de réflexion et suis insatiable des découvertes des arts sous toutes leurs formes. Ils me transportent, m’offrent une part de rêve, me font travailler sur moi-même et le monde qui m’entoure.

Ma soif est de pouvoir continuer de soutenir des artistes qui sont dans une démarche créative recherchée, et accueillis dans des lieux ouverts et respectueux de ces engagements.

Les arts sont vivants, tout comme les spectateurs et les structures qui les promeuvent.

Sylvie Lefrere, Tadorne.

 

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AUTOUR DE MONTPELLIER THEATRE FRANCAIS CONTEMPORAIN

L’échappée belle.

Clermont-L’Hérault se trouve à 40 km de Montpellier. Aux portes du Lac du Salagou et de Lodève, cette petite ville possède un vrai théâtre avec des strapontins rembourrés et confortables ainsi qu’un lieu d’accueil pour le forum avec les spectateurs. Devant, de grandes allées piétonnes offrent un parvis très agréable qui suscite la convivialité. L’équipe y est particulièrement chaleureuse. C’est pour moi une belle découverte. Le ciel noir de nuages, et les rafales de vent m’accueillent. Mais je suis déterminée: je veux aller à la rencontre de Catherine Vasseur et de Jean Cagnard. Leur façon passionnée d’évoquer leur travail artistique m’avait à une époque vraiment alléché. Je ne vais pas être déçue…

La salle est composée de spectateurs de la région, de quelques professionnels et d’enfants d’une dizaine d’années. Quand l’enfant et la jeunesse sont là, je suis d’autant plus attentive, car je m’amuse de leur réception. Ils ont le goût du vivant. Le plateau est comme un vaste garage rempli, dans un bazar organisé. Comme dans une vie…Jean Cagnard, l’auteur, s’affaire bruyamment sur un établi, nous tournant le dos. Il met en jeu son travail. Il sera comme un Géo Trouvetou, bricoleur de génie. Les mots sont en mouvement dans la langue ainsi que dans les objets. De petites pancartes portent des mots clefs pour nous faire suivre différents chapitres. Elle défilent le long de fils, reliés à des rouages qui structurent notre pensée à partir de celle de Jean. Il est l’artisan de son esprit, en lien avec nous. Il cherche sans cesse à nous stimuler ludiquement et intellectuellement, à travers des rythmes et des mécanismes dynamiques.

Catherine est comédienne, entre ce manipulateur de la langue et la musicienne, Julie. Catherine pose sa voix, intègre les jeux de lumière, chorégraphie sa posture, seule ou en lien avec ses compères, car complicité et harmonie il y a. J’observe un spectacle savamment orchestré, entre supports d’images, de sons, d’objets, de pas de danse et de musique. Les matériaux bruts s’élèvent vers une perspective, une vision. Le temps passe à travers l’eau qui s’écoule par les petits trous d’un tuyau d’arrosage. Ce fluide transparent, si difficile à maîtriser, nous nourrit, nous hydrate…Voilà un théâtre qui nous alimente. Il nous fait entrer dans des mondes surréalistes qui nous embarquent. Il est rare d’assister à un plateau artistique aussi complet.

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Je retrouve Agnès Varda et sa plage dans “Les plages d’Agnès”  et son humour un peu loufoque, mais si poétique. Je repense à Maguelone Vidal, musicienne comme Julie, passionnée, élève de conservatoire, mais qui conçoit son art comme un perpétuel renouvellement, dans des improvisations qui rebondissent contre les mots. Ce soir, les corps de l’instrument et de Julie s’accouplent en ballet, et la voix les porte haut. Tout est exprimé comme pour donner un jus savoureux à nos oreilles, réveillées, et apaisées, dans cette invitation au voyage de la poésie. Les objets sont centraux et l’instrument est aussi prégnant que les artistes autour. Il capte la lumière, devient polyphonique. Les pas de danse lents me renvoient à la douceur de ceux vus cet été à Avignon dans «La Mouette» d’Arthur Nauzyciel. Le théâtre me touche dès qu’il y a un corps qui s’engage, en finesse et en recherche de sens.

“La distance qui nous sépare du prochain poème” est une pièce qui renouvelle le théâtre en se donnant le luxe du  temps de la réflexion, de la création…Et si on se distanciait aussi sur notre propre parcours et celui qu’il reste à bâtir comme semble le suggérer la superbe dernière scène où sont posés différents mannequins métalliques, couverts de rétroviseurs? Nous voici face à notre vie passée, et au loin, dans un désir de regarder devant, la route qui s’ouvre vers un collectif poétique en marche.

Sylvie Lefrere, Le Tadorne.

 “La distance qui nous sépare du prochain poème” de Jean Cagnard. (Texte paru aux éditions Espace 34) Compagnie 1057 roses. Au théâtre de Clermont-l’Hérault le 18.10.12 puis le 8 et 9 novembre au Périscope à Nîmes, le 28 novembre 2012 au théâtre de la Mauvaise Tête  à Marvejols et le 14 décembre 2012 à la maison théâtre d’Amiens.

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AUTOUR DE MONTPELLIER

Libre et debout.

 

Ce soir, le Théâtre des 13 Vents à Montpellier est un lieu de rassemblement vivant, car le public est là: les amis de la région du monde culturel local, des personnes d’âges, des étudiants. Est-ce le texte de Bernanos soutenu par les professeurs ou Jacques Allaire, le comédien, metteur en scène et enseignant le théâtre, qui les a attirés?

Ce soir, je suis là pour les deux. Des hommes qui semblent se rejoindre dans des qualités d’énergie engagée. La soirée est marquée sous le signe de l’engagement, car je suis assise à côté d’un monsieur de quatre-vingts ans, qui est venu en voiture d’un village voisin, puis a pris le tramway, puis le bus navette. Soit un parcours de trois heures…Être libre, c’est faire ce qui nous plaît, au prix que l’on veut bien lui donner. Ce spectateur engagé, ancien administrateur au ministère des Affaires culturelles, comme Malraux aimait le souligner, me confie-t-il…

Ce soir, la mise en scène colle le texte, comme une seconde peau. Nous partons du noir. Comme dans une nuit profonde, où des éclaireurs nous aveuglent avec leurs puissantes lanternes. Les faisceaux semblent se croiser sur mon siège. Je me sens prisonnière tétanisée, comme prise dans une embuscade. Les mots percutent. Cette société d’avant-guerre, fasciste et autoritaire, ressemble tant à la nôtre où les machines déshumanisent au profit du chiffre. Les étudiants bruyants dans leurs rires chuchotés se sont tus. L’écho des mots suit la trajectoire du faisceau comme un laser brûlant.

Sommes-nous ces imbéciles décérébrés? Mais où est le monde de la pensée? La modernité devrait être le berceau idéal du bien-vivre. Mais le pouvoir prime et nous devenons «sujets». Les chaises en tas envahissent le plateau. Symbole d’institution rigide, elles forment un amas en chaos. Quel plaisir de les voir voler, à peine tenir sur trois pieds ! De l’instabilité apparaît la déconstruction, pour la reconstruction.

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Le texte monte en puissance dans la posture fragile de Jacques Allaire accroché sur son mat, telle une vigie. Il nous donne de la vision. D’un pessimisme ambiant à travers sa voix profonde, où il ravale quelques sanglots, la tempête sociale fait rage, puis tout s’éclaircit. Son acolyte, Jean Pierre Baro, devient notre conscience sage, clairvoyante, raisonnée. Oui, tout nous assaille, mais la volonté est plus forte ; le désespoir nous rend créatifs et nous porte pour que nous restions debout.

Debout, je le suis dans mon c?ur; debout, je suis sur mon siège. Debout je suis avec eux sur scène! J’ai envie de les étreindre, car ils me guérissent de mes bleues à l’âme. De les voir s’activer à petits pas et orchestrer leur espace minutieusement, comme des petits rongeurs donnent la force du labeur nécessaire.

Au fur et à mesure que le spectacle avance,  les lumières se font éclaircies, comme notre regard, notre pensée. De la nuit nos éclaireurs, au visage blanc, sont devenus des hommes dénudés, qui lavent leur corps de leurs blessures, un porte-voix en guise de bouche. La grâce des mouvements de Jacques Allaire lui donne la présence du danseur. Le rouge sang coule. La révolution pointe. De ce monde un peu kafkaïen, dans lequel nous évoluons, le rideau ne tombe pas, mais se relève, comme pour nous redessiner une nouvelle toile, où tout est à réinventer.

Les comédiens se mettent face à nous, derrière des rangées de chaises vides. Un nouvel espace est à créer et pour nous y inviter, un rapide historique des vestes qui se retournent se joue. Les secondes peaux, kaki, marines, noires,  s’enfilent et se défont, puis le blanc de l’élégance apparaît.

À nous de devenir les peintres de notre société future.

Sylvie Lefrere. Le Tadorne.

“La liberté, pourquoi faire? Ou la proclamation aux imbéciles ” texte de Georges Bernanos, spectacle de Jacques Allaire au Théâtre des 13 vents à Montpellier du 3 au 5.10.12.

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AUTOUR DE MONTPELLIER L'IMAGINAIRE AU POUVOIR

François Rascalou: un corps qui transmet la mémoire vive des hommes.

Ce matin, c’est dimanche. Mon réveil sonne. Je me rendors. Trente minutes avant la performance annoncée de François Rascalou, je saute vite dans le tramway où un soleil écrasant sur Montpellier m’accueille à la station Saint Paul. Je traverse le parking à la recherche du spectacle, quand tout à coup, j’aperçois un homme, vêtu d’un tee-shirt jaune, poussant bruyamment un cube de bois rouge. Les couleurs ont toutes leur importance, car elles se révèleront plus tard comme un rubis cube, dans ce décor de galerie marchande à ciel ouvert. Pas de doute, nous sommes dans le sud, presque déjà en Algérie. Un groupe de personnes est assis à une terrasse, à l’ombre d’un pin. Autour, les habitants circulent, affairés avec leurs achats de pain, de viandes et autres denrées. D’autres flânent devant un thé à la menthe, mêlés aux spectateurs.

Le danseur commence à déclamer son texte. Il nous parle de la guerre d’Algérie. De questionnements d’un fils sur le rôle de son père pendant cette période. Je repense au film “Méditerranées” d’Olivier Py. Nous le suivons dans ses déambulations, à l’ombre des coursives qui distribuent les commerces. François Rascalou danse et croise des habitants de tous âges. L’écoute vient surtout des hommes et des enfants, filles ou garçons. Nous sommes non seulement spectateur d’une oeuvre vivante, mais également observateur d’une vraie rencontre entre l’artiste, son texte, son corps, avec le public de l’instant, spontané. Des moments uniques se révèlent: un homme passe avec son fils apeuré qu’il rassure en évoquant une grande fontaine d’eau fraiche sur une des places de Constantine. La poésie spontanée de cet homme est un écho qui s’inscrit dans le jeu, en côte à côte avec l’artiste. Il venait acheter son pain quand, happé par un texte qui a réveillé sa mémoire, il a transmis ses souvenirs à cet enfant. J’aimerai connaître l’après, quand ils sont rentrés chez eux….Que se sont-ils dit?

En voyant le danseur rentrer dans la boucherie,  bouger ses bras, son corps et passer derrière le comptoir avec les bouchers, un autre homme dit :”Mais qu’est ce que c’est que ce délire?“. J’ose lui répondre: «Oui, c’est un délire.  Regardez et ensuite vous aurez votre propre lecture; vous verrez“. Ce spectateur réactif est resté dans le parcours, silencieux, le regard attentif tandis que d’autres rient, amusés, évoquant de ce qu’ils voient.  Tout à coup, ce petit centre commercial devient un lieu de convivialité et de co-création.

La chorégraphie s’harmonise spontanément avec ces promeneurs du dimanche. Des hommes adossés contre le mur entre le danseur, se distancent au même moment, à gauche et à droite. J’ai l’impression que le texte les fait réagir et que l’éloignement leur est nécessaire. François  Rascalou exprime le souvenir des cauchemars d’enfants, qui durent depuis trente ans; cela leur est-il insupportable?…La puissance de son texte, bâti sur des témoignages qu’il a collectés, donne à cette performance un caractère unique. En fusion totale  avec ce public impromptu, l’interaction rayonne lors de ce rendez-vous où l’écoute, le souvenir, la curiosité, l’émotion jusqu’aux larmes jalonnent son parcours. Le danseur puise dans ce partenariat avec le public, le levier des mots d’une mémoire collective ainsi que son rôle d’acteur.

Je me suis prise à rêver de manifestations de cette qualité, un dimanche par mois, dans tous les quartiers, pour créer un bien vivre ensemble dans la cité.

Une manifestation comme celle-ci devrait sortir de l’événementiel et alimenter des réflexions sur ce que procure ce plaisir partagé, qui suscite les questionnements et provoque de vraies rencontres.

Sylvie Lefrere- De Vendart vers le Tadorne. 

“Les fils des hommes” de François Rascalou, dans le cadre de Motifs d’évasion à Montpellier dans le quartier St Paul. Le 25 juin 2012