Auteur/autrice : tadorne

Les chorégraphes belges font maintenant partie de la famille des amateurs de danse contemporaine. On reconnaît leur démarche, leur posture, leur engagement à nous accompagner dans la postmodernité. Nous avons confiance en eux depuis le temps qu’ils bouleversent notre regard sur le monde et nos habitudes de spectateur. Les Belges sont de notre époque et portent les nouveaux paradigmes.

Sidi Larbi Cherkaoui est de ceux-là. Avec « Origine », il poursuit le travail de son collègue Koen Augustijnen qui avec « Import / Export » nous gratifiait déjà l’an dernier d’une vision pour le moins percutante de la mondialisation. Ici aussi, l’orchestre joue une place prépondérante, une musique en toile de fond qui soutient le mouvement des danseurs. Pour cela, il convoque des femmes, poètes religieux du VIIIème et  XIIème siècle (l’Allemande Hildegarde de Bigen et l’Irakienne Rabi’a al-Adawiya) accompagnées de chants traditionnels maronites et Syriens. Pour reprendre les propos du sociologue Michel Maffesoli dans son dernier ouvrage, ( « Iconologies. Nos idol@tries postmodernes » chez Albin Michel) on aurait aimé qu’« Origine » « réordonne l’avenir à partir du passé, et ce, en s’appuyant sur une pensée du
présent ». Or, si l’impression immédiate d’après-spectacle est positive, l’?uvre ne résiste pas à une mise à distance.

Mais à trop vouloir dénoncer ce que finalement nous savons déjà, Cherkaoui trébuche lorsqu’un homme, debout sur une carte routière en papier, se voit envahi par des poubelles. Ce n’est pas le propos qui est en cause, mais la forme. Le trait, grossi, fait sourire face à tant de naïveté artistique !  « Origine » surprend après coup : Sidi Larbi Cherkoaui perçoit la mondialisation avec une approche très linéaire et réductrice. Il grossit différentes cases « locales » pour qu’un effet de loupe suffise à donner les propriétés du « global ». Il multiplie les éclairages, mais n’illumine plus, comme s’il ne pouvait restituer sur scène la complexité du monde. Sa pensée d’aujourd’hui s’appuie sur une mythologie passée qu’il peine à actualiser pour appréhender les enjeux. Il ne surprend plus. On applaudit, car « Origine » rassure dans nos inquiétudes, mais c’est un  beau sur-place. Pendant ce temps, d’autres artistes guident les spectateurs vers de nouveaux espaces pour penser autrement les changements d’échelle.

La danse de Sidi Larbi Cherkaoui s’est soudainement standardisée. C’est un des effets de la mondialisation, mais ce n’est pas la mondialisation.

Pascal Bély.

 ?????? « Origine» de Sidi Larbi Cherkaoui a été joué au Théâtre de l’Olivier à Istres le 14 mai 2008.

Alors que beaucoup d’entre nous vont au bureau pour s’en échapper le soir venu et courir au théâtre, le KunstenFestivalDesArts de Bruxelles inverse les prémices.  Le spectateur est invité à pointer pour 14 heures dans un immeuble, par une douce chaleur printanière. L’hôtesse me guide vers le bureau 408. Le décor est tristement banal (canapé, ordinateur, photo au mur) et je me ressens piégé comme un animal en cage. Soudain, le téléphone sonne. Personne. Je m’assois. Cinq minutes interminables passent. Je scrute le plafond à la recherche d’une caméra de surveillance. Paranoid park ? Une nouvelle sonnerie. Je décroche. « Sarasi, de la société ESCON à Calcutta, enchantée.. ». Elle travaille dans un centre d’appel. Elle commercialise des portables pour la « middle class » en Australie. Considéré comme des comédiens par le collectif d’artistes berlinois « Rimini Protokoll », elle joue le scénario qu’on a écrit pour elle. Vendre du théâtre ou un téléphone est un jeu pour cette jeune Indienne.

Qui n’a pas rêvé d’humaniser la relation avec le technicien d’une hotline d’Orange ou de Free basé au Maroc au moment où nous sommes pris d’angoisse alors qu’Internet bugue ? Qui n’a pas ressenti ce malaise de parler avec un Tunisien qu’on imagine incompétent parce qu’il manque d’empathie face à votre détresse d’Occidental matérialiste ? Le théâtre peut-il humaniser cette relation, mettre du rêve, de l’imaginaire dans une globalisation réduite à la sphère marchande et que nous percevons de plus en plus comme un espace contraint ? « On peut se tutoyer ? »…  « Qui es-tu ? »…« Parle-moi de toi ? » «Es-tu célibataire ? Marié ? ». Je suis sur la défensive à force d’entendre dans les médias que l’Inde est un pays émergent. Je prends l’échange de haut. Le jeu de rôles, ça me connaît…on ne me le fait pas. Je provoque pour choquer volontairement cette professionnelle de la manipulation, qui n’a pas la même culture que moi. Je résiste. Le théâtre n’est pas une marchandise qu’on ne peut standardiser. J’ai peur. Je suis décidé à imposer mon tempo. Sauf que la bouloire sur la petite table se met en marche alors que je n’ai rien demandé. Elle m’incite à m’asseoir sur le canapé pour me détendre avec un thé dont l’odeur évoque l’Inde.

S’ensuit un dialogue surréaliste sur les plus beaux moments de ma vie, sur mes regrets, mes désirs. De l’imprimante, sort une photo d’elle et de sa famille, une enceinte diffuse un bruit de vent. Elle actionne le rêve depuis Calcutta. Je baisse la garde et me laisse doucement porter par cette inconnue qui veut scénariser des bribes de mon existence, m’invite à goûter son pays tout en mâchant un bonbon caché sous le clavier, à ressentir ce petit vent venu d’Inde alors qu’un minuscule ventilateur se met en marche sous l’écran. Elle m’évoque son ami, son désir d’enfants, sa famille, sa paresse au travail. Je vis en direct l’ambiance de son bureau où les applaudissements (comme au théâtre !) ponctuent le brouhaha dès que quelqu’un de l’équipe réussit une vente. Un théâtre de Guignols se crée petit à petit dans nos bureaux respectifs. Entre intimité et globalisation, une relation artistique émerge. D’un monde où s’empilent des pyramides, nous inventons un interstice fait de passerelles ! Un nouvel espace théâtral s’immisce sur la toile internet alors que son visage apparaît à l’écran de l’ordinateur (je ne peux en dire plus). Je m’émerveille face à cette créativité qui nous relie, elle et moi, elle et le KunstenFestivalDesArts de Bruxelles. Je rêve de cette mondialisation qui n’a pas fini de nous faire découvrir ce que nous ne soupçonnons pas encore. Je comprends que tout va aller très vite dans ce monde ouvert et que notre posture de spectateur depuis peu habitué au théâtre de rue et aux performances,  se déploiera sur cette toile qu’on aurait tort de prendre seulement pour un espace majoritairement marchand.Le spectacle vivant a toute sa place pour insuffler de l’imaginaire dans ces nouveaux territoires.

Poussons les murs. Pas n’importe comment, ni avec n’importe qui. Inventons d’autres formes loin des standards des marchands. « Call cutta in a box » peut laisser un drôle de goût : celui d’une démarche expérimentale où le théâtre est gadgétisé et le spectateur manipulé. Mais reconnaissons que cela aide à réfléchir.

« Maintenant, vous pouvez raccrocher ».

Pascal Bély

www.festivalier.net

A lire aussi le compte-rendu de Peggy Corlin sur Rue.89

?????? «Call Cutta in a box” par Haug, Kaegi et Wettzel / Rimini Protokoll est joué jusqu’au 31 mai 2008 à Bruxelles dans le cadre du KunstenFestivalDesArts.
 

Le KunstenFestivalDesArts offre à Aydin Teker, chorégraphe d’Istanbul, l’un des plus beaux lieux culturels de Bruxelles, « Les Brigittines », vieille église transformée en salle de spectacle. Mais cet espace surprenant où passé et présent s’accolent ne peut sauver « Hars », rencontre entre une harpe et une danseuse, pièce décidément trop décalée avec le projet du Festival « au sein duquel des artistes partagent leur vision personnelle du monde avec des spectateurs prêts à remettre en question et élargir leur champ de perspectives ». 

À l’heure où l’objet s’inscrit dans des interstices dématérialisées, le Kunsten aurait pu nous offrir un spectacle pour  comprendre les ressorts de ces nouveaux attachements. Au lieu de cela, nous en sommes restés à la femme – objet.

Déroutant.

Pascal Bély – www.festivalier.net

?????? “Hars” de Haydin Teker a été joué le 11 mai dans le cadre du KunstenFestivalDesArts de Bruxelles.

Le metteur en scène et plasticien Kris Verdonck inaugure la 13^ème édition du  KunstenFestivalDesArts, avec « End », ?uvre plastico-théâtrale autour de l’apocalypse. On ne ressort pas tout à fait indemne de cette immersion, d’un tel tremblement de terre.

Pour incarner ce cataclysme, Kris Verdonck crée un espace entre théâtre et installation pour y convoquer cinq personnages sur fond de nuages sombres. La neige noire qui tombe sur le plateau évoque tout à la fois Hiroshima et la pollution industrielle de nos villes. Une boucle incessante se met en place avec, dans le rôle principal, un messager enfermé dans une cage de verre qui traverse inlassablement la scène tout en récitant des dépêches d’actualités glanées sur internet, et dont le mouvement est accompagné d’un bruit de moteur. Autour de lui,  un homme tiré en arrière par un élastique tente d’avancer péniblement tandis qu’un autre, tel un OVNI, vole dans le ciel. Une femme marche en désarticulant son corps (performance subjuguante) alors qu’une autre traîne un cadavre dans une housse, tandis que le feu brûle une partie du sol. Pour accentuer ce contexte terrifiant, une machine déverse de ses hauts parleurs, des bruits et une musique quasi militaire. L’angoisse est décuplée quand le public découvre cet homme qui tombe du ciel pour se fracasser sur le sol, se relever puis retomber quelques instants plus tard. Le cycle dure ainsi pendant quatre-vingt-dix minutes. Comment ne pas ressentir dans une telle atmosphère, une métaphore des attentats du 11 septembre et plus généralement le dérèglement global d’une nature épuisée, qui rompt les amarres ? À croire que la machine d’Heiner Goebbels dans « Stifters Dinge » (présentée elle aussi au Kunsten) a explosé en vol, ne laissant derrière elle qu’un paysage de désolation, peuplé d’hommes robotisés qui auraient voulu la dompter.

Les lumières, l’environnement sonore et le déplacement des acteurs créent une atmosphère lancinante, répétitive, avec deux temps de la narration qui se téléscopent. L’un mécanique où ce défilé hypnotise : « End » tourne en boucle comme les dépêches qui se succèdent en bas de l’image de CNN. L’autre temps, plus abstrait, permet au spectateur de relier les personnages, de créer sa propre histoire, d’introspecter son rapport à un art si complexe. C’est la confrontation de ces deux espaces qui nous met en tension jusqu’à créer l’articulation entre la « mécanique » de la narration d’une catastrophe et la poésie des personnages, héros d’un conte, d’une mythologie. Kris Verdonk réussit l’imaginable : il statufie la fin de l’histoire et son théâtre anime ce qui est terminé. C’est la puissance de ce paradoxe qui nous plonge dans un niveau d’abstraction et nous permet de nous projeter dans l’apocalypse. Quelle prouesse de rendre cette fin inéluctable si proche tout en la maintenant dans un ailleurs !

« End » est un tableau magnifique, poétique, angoissant sur la fin programmée de l’humanité, où les bribes d’images que nous avalons quotidiennement formeront tôt ou tard un ensemble que nous n’aurons pas l’occasion de voir.

Pour autant, tout m’autorise à vous l’écrire : « j’y étais ».

Pascal Bély.

C’est une « bataille intime » entre le sage et le fou, la pulsion de vie et de mort, le chorégraphe (Sylvian Groud) et le comédien (Brunon Bayeux), avec pour seules armes, le corps du danseur et les mots de l’écrivain Roland Topor. On pourrait y retrouver tous les éléments de la guerre de tranchées qui a occupé les partisans du théâtre avec ou sans texte lors du Festival d’Avignon en 2005 !

Trente-cinq minutes d’un combat plaisant à regarder, d’autant plus si l’on est intérieurement apaisé. C’est par la petite porte que l’on entre dans l’intimité de cet homme « dédoublé »: à le voir sentir ses vêtements au réveil, on ressent d’emblée une affinité avec cet « autre » si près du « je » ! S’ensuit une bataille joliment rangée, à l’image d’un « je » d’enfant, entre l’ordre et le désordre, l’audace et la peur, l’amour et la haine de soi. Il faut du temps à Sylvain Groud pour introduire la souffrance dans ce duo gentiment orchestré. J’attends Roland Topor pour être traversé.

C’est alors que la tension dramatique augmente, où les corps et les mots forment la sculpture étonnante d’une souffrance  sans fard et pourtant pudique. C’est peut-être cela, l’empathie dans l’art. En changeant d’échelle, la danse se fait englobante et donne aux mots de Topor un espace résonant. Et l’on se surprend à aimer cet homme qui nous promet de « faire attention » la prochaine fois, à affectionner cette danse humaniste parce qu’elle relie là où il y a clivage.

L’écrivain, le danseur et le comédien forment alors ce trio courageux dont on attendrait l’impossible, celui de mettre fin à la folie réductrice des hommes.

Pascal Bély

www.festivalier.net

  ?????? « Bataille intime» de Sylvain Groud a été joué le 5 mai 2008 au Pavillon Noir d’Aix en Provence.

Pour cette soirée Brecht à la Minoterie de Marseille, Guy, blogueur d’ « Un soir ou un autre » a fait escale à Marseille après son voyage à Lisbonne. Nous étions deux oiseaux migrateurs à nous poser dans ce joli théâtre. Le canard Tadorne avait enfin de la compagnie…

Merci au Tadorne, c’est un animal d’une espèce très sociable, qui vous accueille volontiers sur ses territoires, qu’ils soient virtuels, ou bien terrestres. Comme ce soir à la Joliette, pour une fois l’air de Marseille y flotte aussi doux qu’à Lisbonne. Le long du port ont été abattus les taudis, et des tours surgissent de terre. La Minoterie résiste à la démolition pour perpétuer ici une mémoire de pierre, de bois aux couleurs chaudes et de théâtre populaire. Un lieu, forcement, pour jouer Brecht.

Ce dédoublement de personnalité, source d’inépuisables rebondissements, en évoque un autre: celui qui affecte le Maître Puntila du même Brecht. Le meilleur des hommes quand il est ivre, le pire des patrons quand il est à jeun. Dans les deux pièces la leçon est la même: impossible de concilier morale humaine et propriété privée.

Mais la comparaison entre la version qu’Omar Porras avait donné de Puntilla en janvier dernier au théâtre de la ville, et la Belle Ame que l’on voit ce soir, embarrasse.

On se lève, et -surprise ?- c’est à la pause que le meilleur théâtre fait irruption. D’un coup le Tadorne est bien reveillé. On lui rend la parole.

Guy. Un soir ou un autre

Je n’ai même pas le temps d’applaudir. La troupe démonte le décor, le plie, le case, le reconstruit. En un tour de magie (celui du théâtre !), les comédiens tombent leurs tuniques chinoises pour se vêtir de costumes de mariages. Alors que des salariés du Théâtre de la Minoterie apportent quelques friandises (savoureux sushis et autres combinaisons de fruits), nous voilà projetés dans l’opulence des bourgeois. Les artistes s’approchent pour nous parler et nous inclure dans un jeu de rôles étonnant où l’on couve le spectateur pour éviter qu’il ne se tire après les deux premières heures (décevantes) de la « Bonne ame du Se-Tchouan ». Le moment est délicieux, comme suspendu entre fiction et réalité. Après un quart d’heure, nous devons  redescendre sur la terre brechtienne pour « La noce chez les petits bourgeois ». Le théâtre n’attend pas.

La table du banquet de mariage est immense. Seraient-ils treize que cela ne m’étonnerait pas. Les insultes volent haut et bas, tout dépend d’où l’on regarde. Les costumes en couleurs forment une mosaïque d’humeurs où je me surprends à faire des combinaisons parfois hilarantes pour ne pas perdre le sens. Cette pièce, écrite par Brecht avant l’arrivée du nazisme, transpire la déchéance à l’image de ces meubles de salon qui s’émiettent comme autant de valeurs qui finissent sous le tapis une fois fait le ménage des convenances.

Je ris, mais le niveau de tension est paradoxalement assez bas et la mise en scène de Haïm Menahem met à distance le contexte de l’époque. Il n’en profite d’ailleurs pas pour actualiser le propos, préférant s’en tenir aux bruits, à la fureur, aux corps désarticulés comme langage d’un groupe social à la dérive. Certes, mais le tout me paraît distancié à l’image de cette table qui nous éloigne, comme si Haïm Menahem semblait gêné par toute cette opulence de mots et de corps et pour tout dire un peu dépassé par le chaos généré par sa mise en scène. Cette frénésie qui n’autorise aucun temps mort ouvre le champ aux comédiens pour déployer leur talent quitte à laisser le public sur le côté. Étrange paradoxe que d’assister à ce mariage en lointain spectateur.

J’aurais bien aimé que l’on ne m’enlève pas le pain de la bouche.

Pascal Bély – www.festivalier.net

Ainsi va le monde. À toute vitesse. Sur  la platine d’un tourne-disque, l’homme moderne court après la montre, tourne autour de lui-même, attaché – case à la main, à l’image d’un doudou tenu en laisse, sous les impulsions d’un DJ. Ainsi va le monde, au rythme du marché, où tout n’est que carton, matière manipulable et si fragile.

Il faut attendre un ciel étoilé projeté sur des murs de carton pour rêver un peu. Pour imaginer un autre monde et jouer au chat et à la souris à l’heure où les écrans plasmas et les téléphones portables sont en veille. Mais tout va si vite. Au temps de l’internet, la nuit du poète se raccourcit. Revoilà notre homme à prendre frénétiquement une chaise pour la femme de sa vie. À trop défoncer les murs de sa prison pensés par TF1 et construits par Ikéa, il ne lui reste plus qu’à éteindre la lumière et à nous laisser, seul, inventer de nouveaux espaces. « Don’t Worry, be happy » résonne dans le théâtre. Un peu facile, mais tellement rassurant dans ce monde en carton pâte.

Sous les pavés en mousse d’Ikéa, réinventons nos utopies…

Pascal Bély – www.festivalier.net

?????? « Gaff Aff” de Martin Zimmermann et de Dimitri de Perrot a été joué au Théatre du Merlan à Marseille le 26 avril 2008.

Pascal Bély

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?????? « Le sous-sol » de Peeping Tom  a été joué le 25 avril  2008 au Pavillon Noir d’Aix en Provence dans le cadre de la programmation des “Amis du Théâtre populaire”.