Auteur/autrice : tadorne

On a frôlé l’explosion. La révolte. L’envahissement du plateau. Au Théâtre du Merlan, il se passe toujours quelque chose. On a hâte d’être en 2013 quand Marseille sera capitale européenne de la culture ! Pensez donc. Alors que « Le Grand Nain » de Philippe Eustachon et Jambenoix Mollet, programmé dans le cadre du Festival ACTORAL, est terminé depuis dix minutes, les enfants emmenés par leurs instituteurs et professeurs continuent de manifester bruyamment. Certains adultes se plaignent : «mais enfin, on ne peut pas les faire taire pendant le spectacle ?». Cette ?uvre, largement soutenue par la critique (Télérama, Mouvement), est bousculée ce soir par des enfants et des handicapés mentaux qui à coups de cris et de remarques intempestives ont métamorphosé cette pièce, rencontre de Robinson Crusoé et de Vendredi par temps de catastrophe, en théâtre de guignols (happenings et jeux de cache-cache compris). Les gosses se marrent, certains adultes beaucoup moins. Là où les enfants m’invitent, j’ai préféré rester à côté malgré les vingt premières minutes prometteuses.
À l’heure où la crise actuelle nous engloutit un peu plus chaque jour de son cortège de chiffres et de prophéties apocalyptiques, cette maison de bric et de broc, traversée d’un torrent de boue, habitée par un « grand nain » divaguant comme s’il était monté sur ressort, est la jolie métaphore de notre contexte. Alors qu’il range obsessionnellement ses objets dans ce chaos (image de notre société rationnelle apeurée), ce personnage séduit, attendri. Les enfants y voient une marionnette, là où j’aime y déceler un mouvement de cirque dansé dans l’espace de nos folies contemporaines, où le chaos ambiant éclaire ce que nous sommes en train d’ensevelir.
Je m’accroche, mais les enfants crient de plus en plus fort. L’arrivée de l’étranger (Vendredi) ne change rien, bien au contraire. Il amplifie la peur. La scène est alors la caisse de résonnance d’un public qui joue avec les acteurs  d’un jeu vidéo dans un combat entre la musique du dedans et la furie du dehors. Le plateau déborde vers la salle comme si la frontière entre les comédiens et les spectateurs devenait poreuse, à l’image d’une mise en scène et en espace bien trop fragile, plus assez contenante pour ce type de public.
En miroir avec la scène, nous devenons tous des “grands nains spectateurs“. Je finis par démissionner, par goûter ce raffut, cette ébullition.
Quelles étaient les intentions du Merlan en invitant tant d’enfants ? Comment faire de la mixité du public un ressort créatif pour chacun plutôt que ce chaos qui décourage.
Qu’en pensent ces deux acteurs, grands nains aux pieds d’argile ?

Pascal Bély – www.festivalier.net

?????? “Le Grand Nain” de Philippe Eustachon et Jambenoix Mollet  a été joué le 9 octobre 2008 dans le cadre du Festival ACTORAL.

Laurent Bourbousson, spectateur et contributeur du Tadorne a également vu « Le Grand Nain »

“Encéphalogramme plat”.

Tout commence par un bruit assourdissant et une explosion. Le chaos frappe à nos portes. Il s’agit d’une catastrophe, d’un tremblement de terre, d’un “tsunami”. Il arrive, lui, l’informe, le difforme, le nous. Au milieu de sa pièce dévastée, il nous regarde, range ses affaires en désordre, ouvre ses placards d’où proviennent des sons de rues, de radio. Tout n’est pas mort. Ouf, nous sommes sauvés. Lui, c’est le “Grand Nain”. Nous sommes chez lui, du moins ce qu’il en reste, ce qui reste de notre monde.
Invité à revisiter le mythe de Robinson avec la compagnie Anomalie, j’avoue patauger dans l’incompréhension avec cette entrée en matière. Je ne sais plus quelle direction prendre pour donner du contenu à ce début périlleux, ni quoi raconter de mon histoire pour m’intéresser à la scène. Tout me semble cinématographique dans cette proposition. « Le Grand Nain » m’évoque Pingouin dans “Batman“, sa voix métallique à celle de Wall-E, et l’atmosphère à un film de peur, genre “La colline à des yeux“, ou autres titres de films de série B.
L’apparition de l’autre, dont le corps est découvert sous un amas de terre, n’arrange rien. Je poursuis alors mes liens cinématographiques : je l’imagine Mowgli dans “Le Livre de la jungle” ou dans “L’enfant sauvage” de François Truffaut.
Je reste sur le côté à écouter les dires du public scolaire qui forme le plus gros des spectateurs.
Définitivement à côté.

Quel plaisir de retrouver le Théâtre du Merlan en vagabondage et des amis rencontrés deux ans auparavant sur le Vieux Port de Marseille avec la Compagnie Marius, célèbre troupe belge, experte dans le théâtre de rue!
Nous avouons notre nostalgie de la période où Le Merlan nous baladait dans Marseille, et l’on se souvient des itinéraires préparés par Mappy avec cette impression de partir à l’aventure pour mériter « le » spectacle au bout du chemin.
Filer en direction d’Allauch, plus précisément au Domaine de Pichauris, en ce dernier dimanche de septembre, a été notre « madeleine de Proust ». Une excitation étrange nous a alors envahi au fur et à mesure des kilomètres avalés (nous n’habitons pas le département) où l’apparition des fléchages avec le logo des portes roses du Merlan dans le domaine départemental provoque la joie des retrouvailles.
Les acteurs de la compagnie Marius sont nos amis de théâtre. Avec “Marius“, “Fanny“et “César“, joués en 2006, ils nous avaient emballé. Avec “Manon” et “Jean de Florette“, nous sommes conquis.
Avec deux fois rien (casseroles chinées et portes de bois récupérées), c’est un théâtre de brique et de broc qui prend forme sous nos yeux. Tout est inventif dans cette forme périlleuse où il faut jouer avec l’extérieur, avec le public, inventer, créer sans cesse et improviser (« Je crains dégun » du Papet, phrase déjà culte !). Le deux fois rien se transforme en un immense chantier théâtral remarquable.
L’énergie débordante et communicante des comédiens instaure une relation de confiance avec le public. Nous redécouvrons tout naturellement les aventures pagnolesques de Manon, Hugolin, le Papet et Jean de Florette à travers nos yeux d’adultes, mais avec nos souvenirs d’enfants. Cela fonctionne, car l’humanisme de la mise en scène soutient des acteurs respectueux de l’?uvre.
En s’appuyant sur notre mémoire collective (le patrimoine cinématographique de Pagnol dont les tirades culte de Daniel Auteuil), la compagnie Marius décortique l’?uvre, dépasse son cadre culturel et finit par illustrer le concept de l’appropriation où nous redécouvrons notre richesse littéraire.
A méditer…

Laurent Bourbousson – Diane Fonsegrive / www.festivalier.net

Je sature. Je n’arrive plus à écouter Nicolas Demorand sur France Inter le matin. Dès qu’il parle, c’est pour m’envoyer une baffe. Ali Baddou sur France Culture à la même heure ? C’est pire : ses invités, il les choisit pour réviser ses cours de fac. Au final, la crise financière est partout et nulle part : les mots pour la décrire perdent leur sens dans la peur, la technique et le sensationnalisme. Le capitalisme financier a donc gagné : tout en s’écroulant, il arrive à s’immiscer dans notre vision du monde pour imposer ses grilles de lecture et ses mots bien calibrés. Je suis “chaos”, mais debout. Comment s’élever ?
Après mon escapade à Manosque dimanche dernier pour les “Correspondances“, j’arpente la rue Breuteuil à Marseille, direction la petite maison de Montévidéo, où se déroule une partie du Festival International ACTORAL qui offre aux mots, une ouverture suffisamment large pour qu’ils se cognent, s’accélèrent, se redéfinissent. Tel un espace de parole, ACTORAL soigne les maux des mots et donne au spectateur la compétence de les entendre dans toute leur complexité. Démonstration.
Robert Cantarella et sa performance « Auras comprises » positionne le spectateur au c?ur d’un dispositif qui n’est pas sans évoquer un espace thérapeutique où l’on soignerait notre peur à l’égard des personnes âgées atteintes d’Alzheimer. Le dispositif scénique nous permet d’entendre ce flot de paroles comme un patrimoine historique, une ?uvre artistique où l’acteur nous le donne à entendre, en décalé, avec empathie et justesse. Cette parole déconstruite est ainsi réintroduite dans notre quotidien, pourtant submergé d’informations bien plus déstructurées. Pendant trente minutes, la réalité psychique de ces hommes et femmes est passionnante. Avec Cantarella, la réalité est multiple.
Autres mots d’amour. Elle nous vient de Montréal. Renée Gagnon est debout, derrière son pupitre, à nous lire son recueil de poèmes, “Projet McQueen“, tandis que défilent sur un écran de nombreux extraits de films avec…Steve McQueen. On passe ainsi une heure à écouter tous les hommes d’une femme, incarnés par cette icône quasi religieuse ! C’est souvent drôle. Cela percute comme une relation de couple où la fusion et la séparation sont des processus si imbriqués que l’on finit par perdre son latin québécois ! Renée Gagnon a non seulement une belle plume, mais aussi un art du montage qui n’est pas sans rappeler l’esprit des dessins animés de Tex Avery.

Fanny de Chaillé se prépare au combat. Puisqu’il faut en passer par là. Elle s’offre un plateau en forme de ring, enfile la posture de la rockeuse. Tout est prêt pour sa «Gonzo Conférence». Pendant que sa partenaire lit sur un pupitre un texte recherché sur le rock et sa différence avec le théâtre, elle danse, mime, se jette dans le public. Tout est mis en perspective pour nous expliquer ce qu’est le rock et où il va. Nous voilà propulsés dans un espace à plusieurs dimensions où le savoir, le corps, la place des spectateurs (assis par terre ou debout comme dans un concert) forment un tableau théâtral réjouissant. Alors que le rock s’assagit, le Théâtre est toujours là, plus actuel que jamais. J’ai enfin compris pourquoi je n’aime que les concerts théâtralisés ! Fanny de Chaillé vient peut-être d’inventer un concept qui dépasse de loin le cadre du concert littéraire si cher aux Correspondances de Manosque. À quand le prochain « Gonzo » ?
Elie Hay est interprète chez Gisèle Vienne et ancien élève du CDC. Il a un look sympa.

Avec « I like him and he likes me », ils provoquent la sidération du public. Pensez donc. Vingt minutes à se castagner avec Lorenzo de Angelis et nous, public, à les entourer, comme au bon vieux temps des jeux du cirque. Je ne sais plus où me mettre. J’ai peur d’en prendre une. À côté, Nicolas Demorand est un ange et le capitalisme financier, un concept bisounours. C’est une danse, sans aucun doute. Sauf que l’on ne peut se l’imaginer sur scène. Ailleurs oui, dans la rue, au cinéma, au PS, mais pas ici. Et pourtant, je n’en ai pas dormi de la nuit. Cela m’a cogné. L’art débusque toujours où on ne l’attend pas. Qu’ais-je donc pris dans la tête ?
7h. le radio-réveil s’allume. Nicolas Demorand vient de m’en mettre une autre.

Pascal Bély
www.festivalier.net

Crédit 1ère photo: Marc Domage