Auteur/autrice : tadorne

C’était le 19 juillet 2008. Des fillettes Roms sont retrouvées mortes, noyées puis allongées sur le sable. Nous étions près d’une plage de Naples. Recouvertes d’une couverture de survie à côté de baigneurs occupés à leur bronzage, l’image a fait le tour du monde. Ce fut un scandaleux enchevêtrement des corps qui glaça le nôtre. Cet événement m’est brutalement revenu lors de « Small Boats », chorégraphie du Britannique Russell Maliphant, créée en 2007 et présentée au Théâtre des Salins de Martigues, un samedi orageux de novembre dernier.

Russel Maliphant met donc en résonance les corps religieux et les immigrés à la dérive. La danse fusionne avec une symbolique usée jusqu’à la corde, mais ne la transcende pas. À travers ce dispositif scénique sophistiqué, Maliphant esthétise le malheur tel un peintre de la Renaissance italienne,  à l’image du pouvoir actuel qui encourage la visée « humanitaire » faute de vision politique globale et coordonnée. Si la danse s’articule à une vidéo projetée verticalement, elle peine à lui donner de la profondeur en l’absence de propos politique. « Small boats » promeut une danse épurée, belle, qui joue avec les symboles, les bons sentiments, mais positionne le spectateur en dehors, ne l’engage plus. On applaudit le tableau et le désir de ce chorégraphe de nous parler de ce monde. Mais on quitte le théâtre un peu vide. En cale sèche.

Pascal Bély
www.festivalier.net

 ?????? « Small boats» de Russell Maliphant a été joué au Théâtre des Salins de Martigues le 29 novembre 2008.

Crédit photo: Johan Persson.

La Compagnie Tandaim m’avait délecté avec ses « Pièces de cuisine » (ensemble de 12 textes courts écrits pour l’occasion par des auteurs contemporains d’après une recette) puis avec « Ça me laisse sans voix », merveilleuse métaphore sur l’être humain. Raison de plus, pour faire le long chemin qui me sépare d’Avignon jusqu’au « Théâtre Durance » de Château Arnoux pour assister à « La seconde surprise de l’amour » de Marivaux où la metteuse en scène Alexandra Tobelaim décrit cette pièce comme «un jeu ouvert. Marivaux s’efforçait de rendre la nature même du langage, le ton de la conversation en général. L’amour est aussi une histoire de corps. J’aimerais que le public puisse voir ce spectacle sans le son, sans la parole, et le comprenne, uniquement en regardant les acteurs se déplacer sur le plateau, simplement être ensemble. »

En ouvrant sa mise en scène sur des extraits de « Douleur exquise » de Sophie Calle, mis en son par Christophe Perruchi, Alexandra Tobelaim donne un souffle nouveau à Marivaux. Elle le veut contemporain. Elle l’arrache à nos représentations imaginaires et le transpose dans notre siècle où l’amour semble avoir fuit. Le sentiment amoureux et le sens du dialogue ne sont effectivement plus au centre de nos préoccupations. Comme pour entrer en résonance avec cette désertion, le plateau se présente comme un parterre de terre, représentation de ce que le corps est : un champ de bataille.

Les corps s’animent aux paroles de « Douleur exquise ». Enfermés dans un ensemble de boîtes représentant leur « moi », les protagonistes de cette joute verbale offrent les prémices de leur jeu au public. Il y sera évidemment question de corps : corps en souffrance, corps en joie, corps amoureux, corps esseulé…

La scénographie d’Olivier Thomas souligne l’enfermement physique que la parole peut avoir sur l’être. Bien plus forte que l’oralité, l’affliction est palpable sur le corps, elle est le résultat de cette ouverture : la perte de l’être aimé. N’en oublions pas pour autant l’intrigue divertissante de « La seconde surprise de l’amour » : la Marquise, veuve inconsolable, se lie d’amitié avec le Chavalier, malheureux comme elle. Au c?ur de ces deux douleurs, renaît le désir, inattendu, insoupçonné même par les intéressés.

Des dommages collatéraux vont être engendrés par cette situation, autrement visibles que dans le dialogue, puisque l’après-dialogue est représenté. Les corps en souffrance trouvent leur place dans ces magnifiques boîtes, sorte de compartiments humains, pour renvoyer le corps à ce que nous sommes destinés : la mort. Les corps heureux, eux, finissent par fouler cette terre où l’affrontement verbal et physique a eu lieu, et offrent une irrépressible démonstration de la nécessité de vivre.

La scénographie maîtrisée permet une conduite des comédiens frisant la perfection. Même s’il s’agissait de la première, le ton juste a été trouvé et la relation entre les six personnages ?uvre dans le bon sens. Le noyau même de la compagnie Tandaim (Alexandra Tobelaim, Olivier Thomas et Christophe Perruchi), sorte de trio gagnant, offre un Marivaux résolument contemporain.

Encore aujourd’hui,  les images défilent devant mes yeux, sans le son, sans la parole.

Laurent Bourbousson
www.festivalier.net

La crise sociale menace. Le PS se clive. La laïcité se fragilise. La démocratie vacille. Pendant ce temps, le théâtre français roupille avec Jean-Louis Benoit et son poussiéreux « De Gaulle en mai ». Le français Jean-Pierre Vincent est bien seul avec son « Silence des communistes », Joël Pommerat peine à nous faire trembler tandis que Stanislas Nordey fait du neuf avec du rance. En attendant, le flamand Guy Cassiers percute avec « Mefisto for Ever » (mais combien de théâtres auront -ils osés ?) et les Japonais s’immergent dans leur société tétanisée (Oriza Hirata, Toshiki Okada).

Quant à l’Argentine, elle exporte sa crise en Europe où débarquent sur scène des familles, à l’articulation du social, de l’économique et du politique. La faillite du pays en 2001 a bouleversé le milieu théâtral. En 2006, je découvrais Ricardo Bartis avec de « Mal en peor » lors du KunstenFestivalDesArts de Bruxelles. Une famille, menacée de ruine, déterre les secrets comme autant de cadavres. Joué dans une maison, le public n’était qu’à quelques mètres des comédiens. Je me souviens de cette proximité comme d’un étouffement, accentué par le jeu très collectif des acteurs, où les mots mitraillent pendant que les corps souffrent, s’effondrent, se plaquent contre les murs. A l’issue de la représentation, souffle coupé, migraine tenace, je venais de vivre le pire des effets de la crise : perte des valeurs humaines, loi de l’argent et de la jungle, éclatement de l’unité.

Deux années plus tard, une autre famille se déchire avec « Espia a una mujer que se mata » de Daniel Veronese. Joué dans le minuscule Théâtre des Ateliers d’Aix en Provence sur une scène pour lilliputiens, l’étouffement me gagne à nouveau. Même procédé scénographique que Ricardo Bartis : une pièce de la maison familiale sert d’espace concentrationnaire, à l’image de la crise de 2001, où les Argentins ont bien failli disparaître, entraîné par une débâcle politique et morale. Ici, Veronese fait le parallèle avec la crise russe décrite par Tchekhov dans « Oncle Vania ». Si les comédiens sont exceptionnels dans leur engagement, la mise en scène peine à se renouveler : portes qui claquent, rebondissements à la limite du théâtre de boulevard, chaos indescriptible. L’espace toujours occupé permet aux mots d’alimenter des clivages tenaces entre tradition et modernité. On cherche l’air pour respirer un peu. En collant aux processus de crise, Daniel Veronese fait corps avec le propos, masquant trop souvent le jeu implicite entre les acteurs. Comme avec Ricardo Bartis, le public est trop dedans (certains sont même assis sur scène), accentuant un « théâtre réalité » qui répond au besoin du public français d’être touché émotionnellement.

L’Argentine Beatriz Catani a peut-être trouvé un juste équilibre avec «Finales», présentée au KunstenFestivalDesArts en mai 2008. Une descente aux enfers, métaphorisée par une blatte qui agonise sur scène. Nous ne sommes plus en famille, mais entre « amis », sorte de fratrie recomposée où l’on aurait perdu le lien de filiation. Ici, deux heures trente d’une épopée hallucinogène, poétique, chaotique à vous donner le mal de mer, où le réel est abstrait, l’imaginaire la réalité. Entre processus familial et phénomène de groupe, le spectateur a suffisamment d’espace pour repérer ce qui se joue en temps de crise existentielle. Plus à distance, Beatriz Catani se sert de cette blatte comme d’un objet flottant, à la fonction thérapeutique, comme si l’Argentine débordait de mots et de maux.

La blatte argentine n’est pas prête d’effrayer nos auteurs français. Faut dire qu’en matière d’insectes rampants, certaines institutions françaises ont d’excellents répulsifs.

Pascal Bély – www.festivalier.net

En validant mon ticket, un homme me tend un livret, « Six mois, un lieu », à la place de l’habituel prospectus. Le lieu, c’est le Centre Chorégraphique National de Montpellier. Six mois, c’est la durée que se donne Xavier Le Roy (chorégraphe associé pendant deux ans) pour inviter des artistes et stopper momentanément leur « nomadisme ». Il s’agit de prendre le temps de « remettre en question cette vie liquide qui devient la norme de notre société contemporaine, nous poussant à toujours plus de mobilité, de flexibilité, à changer, à produire sans cesse de la nouveauté ». Les cinquante pages qui suivent sont un vrai régal : on y décrit le processus de création à la fois transversal et articulé aux logiques verticales (la durée, le lieu). Ce fascicule contient les germes d’un nouveau paradigme de la création en phase avec les enjeux de notre époque qui requièrent une créativité pour « une pratique d’une éthique d’Open Source où les idées circuleront, se transformeront, de nouvelles idées émergeront en de nombreux endroits (souvent inattendus) ». Dans ce cadre, la chorégraphe hongroise Eszter Salamon présente « Dance ? 1/driftworks », qu’elle interprète avec Christine De Smedt.

Le spectacle est terminé. Elles sont deux, de dos, en sueur, toutes de blanc vêtu. Elles se tournent, nous sourient, s’avancent vers nous. Nous pouvons relâcher, déplier nos jambes, étirer nos bras. De la scène, elles observent nos corps se mettre en mouvement après nous avoir immobilisés pendant plus de soixante minutes. « Dance ? 1/driftworks » est une appellation étonnante pour ce spectacle hybride qui plonge le spectateur dans un étrange système d’interactions où la danse ni conceptuelle, ni narrative, explore un nouveau territoire qui dynamise notre regard critique. Eszter Salamon, surprend le public attentif de Montpellier Danse quand elle ne sidère pas.

Le premier tableau est fulgurant, où le contraste se fait lumière, où deux corps allongés sur le sol noir, l’un au-dessus de l’autre, frétillent tel un spasme, un spermatozoïde. Le mouvement de l’une, se prolonge dans les vibrations de l’autre. Des pieds à la tête, le corps danse, couché. Cette danse de l’imperceptible, de l’infiniment petit dans le corps complexe est belle, envoûtante, englobante. Je ne bouge déjà plus malgré la fatigue. Elles sont habitées par le propos pour se mouvoir ainsi, pour donner au corps cette fluidité prête à se métamorphoser. D’une musique douce naît le chaos qui les fait se lever. Du couché au debout, je pense au travail du chorégraphe Pierre Rigal, avec “Erection“. Je relie.

C’est alors qu’elles sautillent comme des femmes -robot où s’immiscent des mouvements issus du corps social (je revois « Publique » de Mathilde Monnier). On ne peut imaginer l’une sans l’autre, non qu’elle soit dépendante, mais dans une interdépendance : là où l’une se rigidifie, l’autre prolonge, élargit.

De l’intime au sociétal, « Dance ? 1/driftworks » se déploie dans un espace à trois dimensions où le corps est cette masse critique, où l’intrapsychique, l’émotionnel, le duo communiquant, le lien social forment un ensemble profondément relationnel dans cet espace aux frontières mouvantes et imprédictibles, au croisement du virtuel et du réel. Les corps s’articulent et se désarticulent en continu et font émerger des formes hybrides étonnantes où je me ressens propulsé  au carrefour du théâtre, de la danse, du chant, voire du cinéma !   Le corps chante par le cri et fait danser la voix. Entre animalité et humanité, le corps joué par Eszter Salamon est à la fois drôle, émouvant, empathique. La danse m’inclut enfin pour réveiller mon regard sur nos corps endormis par la modernité finissante. Surgit alors de mon imaginaire William Forsythe et sa création présentée lors du Festival Montpellier Danse l’été dernier (« Heterotopia »). Eszter Salamon met en mouvement mes images, mes ressentis, mes visions du corps dansant.

Je suis aussi ce spectateur de Montpellier Danse qui relie l’été et l’hiver. Le printemps s’annonce décidément très ouvert.

Plus que six mois, un lieu.

Pascal Bély
www.festivalier.net

Photo: © Herman Sorgeloos

?????? « Dance ? 1/driftworks »d’Eszter Salamon a été joué le 25 novembre 2008 dans le cadre de la saison Montpellier Danse et des projets “6M1L” du Centre Chorégraphique National de Montpellier. 

Cela commence par une blague. Sorte d’entrée en matière décalée pour les cinq Dramuscules de Thomas Bernhard (drames minuscules). Le rideau tombe sur la scène, recouvrant les éléments épars sur le sol, comme pour nous terrasser. Avec le Cabaret tg STAN, le rideau ne s’ouvre pas !  

Avec “”Sauve qui peut” pas mal comme titre”, tg STAN reconsidère la place de l’individu dans la société, à partir d’une alternative : voir ailleurs si tout est mieux, ou bien rester, pour faire face ou pour ne pas réfléchir et tout prendre au pied de la lettre. En plaçant l’action dans un cabaret, lieu où tout est possible, tg STAN prend à contre-pied les écrits de Thomas Bernhard. Les interludes, sorte de coupures de pub, s’immiscent entre les textes. Pas question de se lever pour vaquer à ses occupations, mais plutôt rester assis pour tenter de digérer les mots.

Le rideau métaphorise alors la bassesse d’esprit de tout voir à sa hauteur sans déplacer le contexte. Il illustre de façon cohérente les saynètes qui se succèdent où la haine de l’être humain, jusqu’au déni de l’histoire, interroge le nationalisme et le nazisme.

Toutefois, je me questionne, non sur la pertinence des textes de Thomas Bernhard, mais plutôt sur leur mise en espace qui me tient à distance.  Le traitement des Dramuscules  ne permet pas de relier jeu de scène et texte si bien qu’en ce lieu, au Théâtre d’Arles, je me surprends à fermer les yeux, pour que l’écrit perdure et résonne encore en moi, sans les comédiens et sans les artifices.

N’est-ce pas la vraie force de cette proposition ?

Laurent Bourbousson – www.festivalier.net

?????? “”Sauve qui peut” pas mal comme titre” d’après les Dramuscules de Thomas Bernhard par le tg STAN joué au Théâtre d’Arles les 18 et 19 novmebre 2008.

Bouleversé. Transpercé. Bousculé. J’applaudis alors qu’une bonne partie du public se lève, sans un regard pour les artistes, maugréant des analyses incompréhensibles. Bienvenue au Théâtre de la Ville, sanctuaire de la danse parisienne, un lieu aussi inamical qu’un congrès du Parti Socialiste.
Avec « la danseuse malade », Jeanne Balibar et Boris Charmatz démontrent ce que l’on omet trop souvent: la danse est un art difficile, engageant, qui déforme, tord, essore, décolle, plie. Distancié de deux rangs seulement, je suis ébloui au sens propre, comme au figuré : rarement la danse ne m’a été évoqué de cette façon, avec autant de sincérité, de fragilité, d’humilité. Sans faire scandale, « la danseuse malade » fait rupture dans le consensus mou actuel qui entoure les spectacles chorégraphiques, où le “public consommateur” se questionne peu sur le processus oubliant que cet art se régénère à partir de sa transdisciplinarité.
Tout commence par une explosion sur la tête. Le corps disparaît presque dans la fumée.
Ça tousse dans la salle.
Déjà.
Un camion blanc avance, téléguidé du plafond par un cordon ombilical. Boris Charmatz et Jeanne Balibard sont au sol, qu’ils décollent comme un plasma ; ils fusionnent puis se séparent. Je ressens une naissance, celle d’une nouvelle représentation du butô, l’une des danses les plus caricaturées qu’il soit. J’y suis. Ils ne me lâcheront jamais : du plasma à mes tripes. Les corps explosent, se liquéfient ; se fluidifient. C’est beau. Impressionnant. Elle se dégage, monte dans le camion. Elle a pris froid ; tout ceci finit par la fragiliser ; elle est enrhumée. Parle du nez. Le corps parle toujours.
Nous voilà partis pour une conférence, où les mots de Tatsumi Hijikata « co-père » du buto, loin du bavardage, traversent le corps de Jeanne, prêt à se briser contre la vitre. Le camion véhicule le corps, mais peut à tout moment l’écraser, nous foncer dessus. Je le suis des yeux alors qu’il arpente la scène, avance, recule, tourne sur lui-même. Il nous éblouit et se fait danse. Les mots buttent, déchirent et le corps se cogne, à se prendre la tête.
Le butô vient du dedans, comprenez-vous ? C’est la danse des mots qui se heurtent au corps. Voyez-vous ?
Ce spectacle me ronge de l’intérieur : il me révèle des émotions nouvelles.
Mes mots butent.
Ces deux-là m’ont trimbalé dans le chaos.
Boris Charmatz a fait danser le théâtre.

Pascal Bély
www.festivalier.net

?????? “La Danseuse malade”, de et par Jeanne Balibar et Boris Charmatz, a été donné au Théâtre de la Ville du 12 au 15 novembre 2008.
La blogosphére est inspirée: à lire deux regards sur “Un soir ou un autre” et sur “Images de danse“
Même ARTE: