Auteur/autrice : tadorne

En entrant dans la salle, elle vous regarde pour ne perdre aucun spectateur de vue. Cette femme a l’écoute à fleur de peau. La scène est si petite qu’elle est quasiment acculée à ce mur sombre face à ce public si nombreux venu à Montevideo, espace de création contemporaine niché à Marseille. Nous l’envahissons comme si nous poussions la scène pour la réduire à une cellule de prison. Elle, c’est Sabine Tamisier. Sa robe rouge tranche avec la noirceur du lieu : « Casa nostra », monologue poétique sur l’amour, est à coup sûr un drame passionnel. Comment Héloïse peut-elle dire à Louis, qu’elle l’aime ? Comment Sabine peut-elle clamer au public, son amour du théâtre ?

Elle se lève, s’assoit, s’approche un peu, ne recule jamais. Elle joue avec les mots par le corps. Car Sabine Tamisier a le charisme d’une danseuse pour qui les mots sont mouvement.  Trois chaises (une à droite, au centre, à gauche) font office de points cardinaux pour tracer la voie de l’autonomie vis-à-vis de Louis, d’un chemin transversal pour surprendre son public. Avec Sabine Tamisier, le parcours de l’acteur est chaotique. J’ai peur pour elle. Je crains pour nous, car les mots vous prennent par surprise comme autant de lapsus qui nous feraient vaciller. Pendant quarante minutes, elle réussit à nous séduire, à nous énerver, à nous éloigner, puis à nous élever. Nous sommes Louis, elle est notre héroïne d’une société où la fragilité, l’hésitation ne sont pas encore marchandisées. À mesure qu’elle s’approche de son « Louis » pour se défaire des oripeaux de l’enfance, Sabine rejoint la tribu d’acteurs de Montevideo animée par le metteur en scène Hubert Colas. Je l’imagine déjà éponger le front d’un légionnaire incarné par Manuel Vallade dans « Mon képi blanc », « dont le corps transpirait tant comme autant d’émotions refrénées qui s’immiscaient dans le texte ». Je la ressens près de Claire Delaporte jouant une jeune femme tchétchène dans « Chto, interdit aux moins de quinze ans » où les mots épelés évitaient « soigneusement les élisions comme des balles qui passeraient au dessus de sa tête ».

«Ca ne me quitte pas ça tout en moi dans ma tête ça revient » disait Claire. Horreur de la guerre, tragédie du théâtre.

Bienvenue Sabine.

Pascal Bély

www.festivalier.net

“Casa Nostra” de et par Sabine Tamisier a été joué le 6 avril 2009 à Montévidéo à Marseille.

“Chto” et “Mon képi blanc” d’Hubert Colas seront à l’affiche du Festival d’Avignon en juillet 2009.

François Chaignaud et Cecilia Bengolea sont appréciés du Théâtre du Merlan de Marseille. Trois de leurs créations y sont présentées en moins d’une semaine. Les honneurs d’une Scène Nationale sont au mieux un beau pari sur l’avenir, au pire une stratégie de communication où la forme prime sur le fond.  La première « Pâquerette » avait fait le plein d’audience à Berlin et Paris ainsi que sur les blogs de critique. Leurs « stratégies de pénétration » avaient pourtant provoqué un débat un peu mou parmi les spectateurs et la critique, faute d’un propos suffisamment fort et lisible. Même si « l’introduction d’un godemiché ne fait pas encore une danse », j’avais applaudi leur audace.

Leur deuxième proposition, « Sylphides », « pour adultes uniquement » (on se demande bien pourquoi), est un concept. Saluons le projet novateur de ce duo qui se nomme « concepteur » plutôt que « chorégraphe », pour « fabriquer » de la danse. Si les mots ont un sens, rendons hommage à cette autocritique.

Qu’attendre d’un concepteur si ce n’est qu’il nous propose des formes moins esthétisantes, porteuses de sens et de vision ? Or, « Sylphides » n’est qu’une très belle esthétique du corps. Difficile donc d’évoquer ce concept sans entrer dans une description un peu laborieuse. Ici, le corps est aérien puis perd toutes ses articulations, avant de devenir quasiment liquide. Par une étrange alchimie, il se transforme jusqu’à se métamorphoser en forme dansante sur un air de Madonna. L’ambiance est totalement mortifère (la série « Six feet under » aurait-elle inspiré ?) et l’on sourit lorsque nos trois danseurs, en état de larve, cherchent une issue de secours.  Le corps est dansé de l’intérieur, mais il ne véhicule que sa propre image. C’est elle qui fait sens et confère au propos une pauvreté déconcertante. J’observe une « recherche », je recherche une « poétique «  et me voilà positionné comme évaluateur d’un  concept (il en serait sûrement tout autrement dans un espace d’art contemporain). 

Conceptuellement, « Sylphides » se regarde, mais sa programmation par une Scène Nationale est en soi un aveu d’échec : le corps n’a donc plus rien à véhiculer ; la danse n’est plus un propos en soi.

Démission.

Pascal Bély

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« Sylphides» de Cecilia Bengolea et François Chaignaud a été joué le 4 avril 2009 au Théâtre du Merlan de Marseille.

Photo: ©Alain Monot.

Pour le Théâtre du Merlan, situé au nord de Marseille, « comment, entre refoulement et exhibitionnisme, représenter le sexe » ? Le théâtre, espace chaotique par excellence, pourrait donc s’emparer du sujet, pour proposer une troisième voie, « lever le voile » et « aller à la rencontre de l’imprésentable ». C’est à l’auteur et metteur en scène Pierre Meunier avec « Sexamor » que revient la responsabilité de répondre aux programmateurs du Merlan lors d’un cycle sur le sexe (sic).  Leur créativité est sans limites pour attirer vers eux les spectateurs déboussolés du centre-ville de Marseille et le cas échéant, ceux des quartiers nord dont on se demande s’ils n’ont pas déserté l’endroit. Le sujet, vu sous cet angle, ne relie pas les habitants de la ville…

Pierre Meunier se tient debout, entouré de poids suspendus avec lesquels il fait tanguer ses mots. Il clame tel un navigateur et part vers sa « destinée ». Métaphore d’un spectacle qui aura bien du mal à se délester de ses lourdeurs comme en témoigne l’arrivée sur scène de la promise (Nadège Prugnard). Emprisonnée dans une bulle (symbole du préservatif ?) suspendue et actionnée par deux machinistes, la scène n’en finit pas et le sens se dilue dans les contractions du plastique. Poussif.

Les voilà maintenant réunis pour vivre une série d’épreuves, de parcours d’obstacles où l’on navigue entre fête foraine, concours Lépine pour stimuler l’amour, séances sado-maso (autant mettre à contribution l’univers mécanique du plateau et les machinistes). Les textes sont souvent de toute beauté, où les mots jonglent, étourdissent et projettent le spectateur sur l’aire de jeux du fantasme amoureux. Mais, la poésie se perd dans cette scénographie envahie d’objets mécaniques, où l’un est toujours à la commande pendant que l’autre s’exécute. Le sexe est effleuré, bien souvent cantonné au dilemme posé par le Merlan donc rarement transcendé. La relation ne prend pas corps comme s’ils jouaient côte à côte. Cela devient puéril, sans beaucoup d’intensité dramatique, où la scène est un espace de démonstration plus que d’interpellation. Certes, on ne se décourage jamais. On attend juste d’en finir d’être observateur.

Le propos, si conformiste, serait-il à l’image d’un pays qui s’ennuie, même au lit ?

Pascal Bély – www.festivalier.net

A voir le reportage de France 3 sur CultureBox.

“Sexamor” de Pierre Meunier a été joué du 1er avril au 3 avril 2009 au Théâtre du Merlan de Marseille.

2009 a commencé sur le blog par le bilan culturel 2008. Vous avez apprécié celui consacré à la danse contemporaine.  Je m’étonne toujours de pouvoir relier les ?uvres, preuve que le spectacle vivant n’est constitué que de passerelles.

Démonstration.

  Le chorégraphe Michel Kelemenis a accepté ma présence aux répétitions d’ « Aléa » et de « viiiiite ». Cette expérience a renforcé mon écoute et élargit mon regard sur la danse. Je suis prêt à poursuivre ce travail. Quel artiste serait candidat pour prolonger?

Autre ouverture, grâce au débat. Celui autour du« bruit des os qui craquent » de Suzanne Lebeau avec Laurent Bourbousson, un des contributeurs du blog (il participe également à un processus de création au Ring, théâtre en Avignon).

Plaisir renouvelé avec deux blogueurs (« Un soir ou un autre », « Images de danse ») grâce à la chorégraphe Perinne Valli. Cette forme ouvre, renforce, dynamise la « critique ». Les artistes et les lecteurs semblent adhérer. Qui serait candidat pour poursuivre ?

  Le metteur en scène David Bobée avec « Nos enfants nous font peur quand on les croise dans la rue » m’a bouleversé. Avec Elsa Gomis, nous avons mis en résonance cette ?uvre avec d’autres jusqu’à réécrire le projet du blog qui nous conduira cet été au festival « Mens alors ! » et à couvrir autrement le Festival d’Avignon (le programme est décrypté ici). J’ai compris qu’il fallait élargir le positionnement du blogueur en écrivant au-delà de la scène, en s’ouvrant différemment aux institutions culturelles. Certaines commencent à réagir. Tout est à construire… en marchant. La chorégraphe Mathilde Monnier semble être dans la même démarche. Qui d’autre ?

  La tension est palpable dans les salles. Certains spectateurs sont impatients et peinent à prendre le temps de se poser tandis que quelques théâtres sont déboussolés en l’absence d’un projet global. Le chorégraphe Alain Buffard en a payé les frais au Théâtre du Merlan à Marseille. Il en faudrait un peu plus pour décourager Maguy Marin. Avec « Turba », elle a provoqué quelques remous. Bouleversant. La chorégraphe Nacera Belaza pertube aussi les salles avec “le cri“. Il y a de quoi. Le metteur en scène japonais Oriza Hirata avec « Sables et soldats » projette les spectateurs dans un autre espace. Beaucoup résistent. Pas moi. Mais j’ai ressenti parfois le besoin de me sentir moins sur « la brèche ». Le collectif « ildi !eldi » avec « Vice-versa » m’y a joliment aidé tandis que la belle troupe d’étudiants – acteurs de l’Université de Provence m’a enchanté avec « personne ne voit la vidéo » de Martin Crimp dans une mise en scène de Nanouk Broche. Quant à Kettly Noël, sa « correspondance » fut une danse d’actrices. Inoubliable. Dans ce contexte, on a déjà oublié « Evelyne », star déchue de la compagnie marseillaise, « La Zouze » tandis que le festival chorégraphique des Hivernales en Avignon s’est perdu dans l’étrangeté de sa thématique. Reste Pierre Rigal avec “Press » qui nous a gentiment mis la pression, mais dont le propos aurait pu nous épargner le consensus.

Le printemps s’annonce riche : un festival à suivre à Marseille (Komm’n’act), un festival de danse brésilienne à Berlin en avril, le KunstenFestivaldesArts à Bruxelles en mai, Uzès Danse et Montpellier Danse en juin. Entre temps, des projets avec le Théâtre des Salins à Martigues et des liens à venir avec d’autres institutions. Pendant ce temps, Pascal Bély, le consultant en conduite du changement auprès des services publics ,crée des ponts avec son blog, le « Tadorne ».

Des « pontdornes ». Joli nom pour une passerelle ?

Pascal Bély – www.festivalier.net

On ose à peine applaudir. Le public quitte peu à peu les gradins pendant que les artistes entrent et sortent de scène, en rejouant inlassablement leur traversée du désert. Alors qu’un message écrit en haut d’un mur, nous informe que « la représentation est finie » et nous souhaite de « bien rentrer », nous sommes une dizaine de spectateurs à ne plus vouloir partir. Il plane un doute et me revient la phrase de Samuel Beckett dans « Fin de partie »: «Fini, c’est fini, ça va finir, ça va peut-être finir». À ce moment précis, le théâtre est intemporel et flotte une atmosphère enveloppante d’apocalypse avec ce sentiment étrange qu’un autre monde est peut-être possible, qu’un « autre soi » est en marche.  Avec « Sables et soldats » créé au Théâtre2Gennevilliers, Oriza Hirata nous convie dans un espace paradoxal où le sable mouvant posé sur une scène suspendue par des cordes s’inscrit dans une mise en scène répétitive : tout change, mais rien ne change. C’est dans ce paradoxe qu’Hirata puise l’extraordinaire force poétique de cette ?uvre qui voit la rencontre improbable, en plein désert, de civils et de militaires où le sable fait vaciller notre civilisation qui ne sait plus très bien où elle va, où ce sable est le territoire vivant de notre inconscient individuel et collectif en période de « bataille intime ».

C’est une guerre entre soldats français et l’ennemi où se croisent un couple français de jeunes mariés en voyage de noces, une femme à la recherche d’un mari soldat disparu, d’un père et sa fille à la poursuite d’une mère qui s’est enfuie. Autant de destins qui s’enchevêtrent, où le rôle de l’un pourrait se jouer dans la vie de l’autre. Si bien que le spectateur n’observe pas. Il s’immisce dans les articulations, les contraires, les paradoxes grâce à son écoute: entre une guerre globale et le chaos le plus intime, entre le bruit des balles médiatiques et des armes silencieuses parfois enfouies comme des vestiges archéologiques, entre mouvement linéaire des acteurs et perte du sens de l’orientation, entre une France en guerre et ses soldats qui « ne font que marcher » (allusion aux valeurs universelles de paix que Sarkozy piétine ?).

Cette scène est sublime, car s’y joue une part de nous-mêmes dans une guerre « mondialisée »: on n’y évoque que l’amour, l’enfance, l’autre – soi disparu. Chacun semble chercher l’objet perdu, la quête d’un idéal, la part de soi enfoui par une histoire qui n’est pas la sienne.

Cette ?uvre finit donc par cheminer intérieurement. Elle n’intimide pas. Elle donne la vie. Elle est un espace de liberté qui fait de vous un spectateur – écoutant, un sujet, à la fois fragile et fort car respecté.

« Sables et soldats » d’Oriza Hirata est une oeuvre qui s’étire en longueur parce que nous sommes parfois un peu courts. Elle s’inscrit dans la temporalité de l’humanité qui la hisse au rang d’un chef d’?uvre théâtral intemporel.

Pascal Bély

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“Sables et Soldats” d’Horiza Hirata est joué jusqu’au 11 avril 2009 au Théâtre2Gennevilliers.

Photo: : pierregrosbois.net