Auteur/autrice : tadorne

Au total, 150 spectacles ont ponctué ma vie de spectateur migrateur. 2009 aura été l'année de la mémoire, de la folie, de l'enfermement et de pas mal de cris, d'appels à nous ressaisir.

 « Description d'un combat » – Maguy Marin– Festival d'Avignon / Théâtre du Merlan (Marseille)

 « Le père tralalère » – Compagnie d'Ores et Déjà ? Festival d'Automne (Paris)

« Naître à jamais »  – Andras Visky – Théâtre des Halles (Avignon).

« Notre terreur » – Compagnie d'Ores et Déjà ? Théâtre des Célestins (Lyon)

 «Turba » – Maguy Marin ? Montpellier Danse.

« Food Court » – Bruce Gladwin ? KunstenFestivalDesArts (Bruxelles).

« La menzogna » – Pipo Delbono ? Festival d'Avignon.

« Un peu de tendresse, bordel de merde » – Dave St Pierre ? Festival d'Avignon.

?Ode Maritime? ? Claude Régy ? Festival d'Avignon.

 « Madame Plazza » Bouchra Ouizguen ?- Festival Montpellier Danse.

 « Ad Vitam »- Carlotta Sagna ? Festival Reims Scènes d'Europe.

 « Sans titre » – Raimund Hoghe et Faustin Linyekula? Festival Montpellier Danse.

« Aléa » et « Viiiiite » – Michel Kelemenis ?- Pavillon Noir (Aix en Provence)

« 12 s?urs slovaques » – Hubert Colas ? LU (Nantes)

« Le cri » – Nacera Belaza ? Théâtre du Merlan (Marseille).

2009 a été  l'année de Maguy Marin, chorégraphe inclassable. « Description d'un combat » et « Turba » resteront deux ?uvres de rupture où le décor, la lumière, le corps et les mots ont formé un tout sidérant qui bousculera durablement nos représentations sur la représentation. Maguy Marin a respecté notre imaginaire florissant pour dénoncer le bas monde et élever nos consciences en puisant dans notre mémoire collective.

Ce travail sur la mémoire a  habité bien des scènes, à commencer par celle du Théâtre des Halles lors du Festival (off) d'Avignon où le roumain Andras Visky avec « Naître à jamais » (photo) nous a proposé une ?uvre théâtrale sublime au croisement des mots et des corps sur la perte d'identité et la folie, en lien avec la Shoah. À quand une tournée en France ?

Les fous auront envahi les théâtres comme si nous n'avions plus qu'eux pour dénoncer nos folies. Avec « Food Court », le sud Africain Bruce Gladwin et sa troupe d'handicapés mentaux ont joué avec notre violence pour mieux la sublimer. La chorégraphe Carlotta Sagna y est allée seule pour incarner une schizophrène en proie à la folie du monde tandis que Naceza Belaza et sa s?ur nous ont offert un « cri » où le corps plonge dans l'insondable. Le metteur en scène Hubert Colas a libéré S?ur Rose de l'enfermement, personnifiée par Dominique Frot dans les « 12 s?urs slovaques », et nous a rendus pour le coup plus fraternel. Avec « Sans titre », les chorégraphes Raimund Hoghe et Faustin Linyekula, tout en dénonçant la violence des rapports nord-sud, nous ont offert une ode à la générosité et à la fraternité. Ils auraient pu inviter sur leur territoire les « Aïtas » de Bouchra Ouizguen : « Madame Plaza » a signé la vitalité de la danse marocaine.  

Pour l'italien Pipo Delbono dans « La menzogna », les temps sont si difficiles que seul le fou nous protégera de ce capitalisme inhumain. Pour le chorégraphe canadien Dave St Pierre il y a urgence à sauver l'amour, réduit lui aussi à une relation marchande. « Un peu de tendresse, bordel de merde » a résonné comme un cri drôle, salvateur et percutant. La folie s'est aussi emparée d'une famille jouée magistralement par la Compagnie d'Ores et Déjà. « Le père tralalère »  nous a fait trembler, car comment ne pas y discerner l'état de notre pays que seul le théâtre peut sauver du marasme ! « Notre terreur »,  leur deuxième pièce, a fait de nous des citoyens éclairés au moment même où une bande de bouffons piétinent l'héritage de la Révolution Française.

Perdre la raison, c'est aussi plonger dans la poésie. Au sens propre avec Claude Régy dans « Ode maritime » de Fernando Pesoa où Jean-Quentin Châtelain s'est avancé vers nous, sur un ponton métallique, vers un océan de spectateurs. Moment unique où le corps de l'acteur est un abîme.

Nous en revenons toujours au corps alors que le chorégraphe Michel Kélémenis nous rappele que le mouvement est en soi un poème, turbulent et magnifique (« Aléa » et « Viiiiite »).

Pascal Bély ? www.festivalier.net

Et vous, quelles sont vos oeuvres majeures en 2009 (dans la rubrique commentaire, ci-dessous)?

« Le deuxième sexe est l'?uvre d'une frustrée ». Pour démontrer l'absence de véracité de ce lieu commun, la metteuse en scène Nadine Darmon met en parallèle, le manuscrit de Simone de Beauvoir et les lettres ?plus de 300 au total-, qu'elle a échangées à l'époque de la rédaction de son ?uvre maîtresse avec Nelson Algren, l'écrivain américain qu'elle a passionnément aimé dès leur rencontre en 1947.

À partir de ce scénario original, « La ballade de Simone » met en lumière cet épisode méconnu  de la vie de celle qui fut première à l'agrégation de philosophie, ex æquo avec Sartre.

« On ne naît pas femme? on le devient ! » s'écrit l'assistance du théâtre du Lucernaire.  Avec poésie et humour, avec chanson et accordéon, avec tout leur talent, les deux comédiennes, Odja Llorca et Michelle Brûlé  tracent des passerelles entre le courrier amoureux de la philosophe et l'?uvre qui l'a révélée.

À l'issue de la représentation, Michelle Brûlé propose au public de prolonger la discussion ensemble autour d'un café philo sur le thème « Qu'est-ce qu'être une femme libre ? ».

Elsa Gomis – www.festivalier.net

La ballade de Simone (site web), Adaptation de Michelle Brûlé, Mise en scène de Nadine Darmon. Jusqu'au 23 janvier 2010. Du mardi au samedi à 21h. Théâtre du Lucernaire
53 rue Notre Dame des Champs, 75006 Paris
Réservations : 01 45 44 57 34

La chorégraphe Maguy Marin s’installe au Théâtre du Merlan à Marseille pour quatre jours. C’est un événement: rare sont les théâtres à lui offrir dans la durée une telle rencontre  Retour sur cette oeuvre, vue au dernier Festival d’Avignon et qui restera pour longtemps, l’un des moments phare de ma vie de  modeste spectateur.

Ici, la pénombre éclaire, car nous avons soif de clarté. Ils sont neuf à arpenter la scène, à disparaître puis revenir, car le travail est long. Sera long. L’humain a besoin de temps.  A ceux qui attendent du mouvement dansé, je les invite à lâcher, pour une fois. La chorégraphe Maguy Marin n’a plus à répondre à ce type d’injonction.  Moi, je n’ai plus à accepter d’entendre cette paresse de la pensée (« mais ce n’est pas de la danse » !) née d’un imaginaire verrouillé qui laisse faire le « reste » tant que l’on n’a pas eu sa part de gâteau.

Ce soir, « Description d’un combat » me tombe dessus. Ils sont neuf, habités par les textes d’Homère, de Victor Hugo, de Peguy et de bien d’autres, convoqués pour la circonstance afin d’évoquer les combats entre les Argiens (une tribu grecque) et les Troyens. C’est le retour de ces textes mythiques récités par les danseurs comme s’ils déclinaient la liste des horreurs nées de toutes les guerres. Des costumes d’apparat dorés posés sur le sol se mêlent aux tissus rouge sang : cette orgie de couleurs rappelle le magma des doctrines concentrationnaires et des idéologies nationalistes. C’est impressionnant parce que les mouvements des corps les dévoilent peu à peu. En se déplaçant, les danseurs se transforment en étendards et le nationalisme se fait tableau. À ce moment précis, Maguy Marin s’adresse à notre conscience en convoquant le symbolique.

Alors que nous distinguons à peine leurs visages (mais d’où viennent ces voix ?), ils endossent ceux que nous avons ensevelis. À force de croire que l’histoire est un passif, nous ne voyons plus que nous construisons aujourd’hui une amnésie collective. À les voir ainsi, je pense à l’Allemagne et son courageux travail sur la mémoire. À l’opposé de notre pays qui même lors d’un conflit social dans les DOM-TOM, est incapable d’interroger sa mémoire vive.

Ils avancent puis disparaissent parfois dans le noir du fond de la scène. Comme un éternel recommencement.

Des corps, couverts d’armures, apparaissent peu à peu.

Le désastre.

Gorge nouée.

Leurs pas sur le gravier évoquent nos cimetières et la disparition du végétal.

Le génocide.

Tremblements.

Assis, au milieu de ces armures, il déclame un texte de Charles Peguy dont le sens m’échappe. Mais la tragédie m’envahit. De tout mon corps.

Je suis un homme de ce monde. Je suis traversé d’histoires. J’accepte d’en endosser le poids pour ne pas oublier : là-bas, leurs guerres, sont nos insomnies.

Pascal Bély – www.festivalier.net

A lire le débat avec le public: À l’École d’Art d’Avignon, les retours pacifiques des spectateurs illuminent Maguy Marin.

“Description d’un combat”, par Maguy Marin 8 au 16 juillet 2009 au Festival d’Avignon. Actuellement au Théâtre du Merlan à Marseille du 16 au 19 décembre 2009.

Photos : © Christophe Raynaud de Lage

Après Véronique DOISNEAU, Pichet KLUNCHUN, Isabelle TORRES et Lutz FORSTER c'est au tour de Cédric ANDRIEUX d'être sujet du beau projet du chorégraphe Jérôme BEL.

L'homme arrive sur scène, pose son sac, une bouteille d'eau et se positionne face au public. Il regarde en silence un moment avant de nous adresser un « Bonjour » d'une voix douce, presque intimidée. « Je m'appelle Cédric ANDRIEUX, ? »

C'est alors que sur ce grand plateau nu, vide de tout artifice et sans autre support qu'une voix et un corps, commence l'ébauche d'un portrait et d'un parcours de Brest à Paris, à Lyon, avec New York en point culte.

De l'enfant frêle qui se rêve en artiste, à qui l'on dit qu'il n'est pas fortiche mais que ça ne peut pas être mauvais pour son développement personnel, à l'homme artiste, objet de toutes les admirations. La voix est posée, toute douce, presque trop parfois, pour nous faire voyager dans la confidence et  partager ce qu'il y a derrière les sunlights.

L'homme est beau, il se montre dans son fragile, le pouce caresse l'index, le regard bleu s'embrume par instants. Il raconte Brest, l'enfant cabotin volontaire déjà tendu vers le dépassement; Paris, le Conservatoire, le jeune homme du solo gagnant? il nous dit ses doutes, ses envies, ses désirs, ses amours? et puis? New York? Merce CUNNINGHAM? le désir fou du meilleur? Le studio, les répétitions, les voyages de l'amour, le corps qui souffre pour aller au bord de l'abîme, au bout de ses possibles? D'un doigt, il pointe un angle de la scène vide?  Merce, 80 ans, là au coin du studio devant l'ordinateur qui supplée à son corps et guidant de la voix le mouvement imaginé? le corps du danseur, le corps encore et encore, qui donne tout pour arriver à faire vie de ce qui n'est que vision sur logiciel et que le corps du maître ne peut plus montrer. Le corps toujours?, Trisha BROWN qui fait moins mal à danser? Le corps, cet  «outil » que l'homme nous dit trouver souvent pas assez comme? pas assez grand?, la taille pas assez fine? et entre ses mots l'homme danse, il montre comme il a fait ici et là? le danseur est? magnifique.

Tout est là, l'homme est là, le danseur est là, les mots sont là, mais? l'émotion ne parvient pas à moi? les images ne viennent pas? Je n'arrive pas à m'approcher de l'homme, il reste des mots?

Sauf?  quand, dans le récit, Jérôme BEL prend place dans le parcours? « Là je vous montre, j'ai fait ça »? Et là? la force de ce moment m'emporte? Ça y est, il est là l'homme? avec le danseur, sans les mots, avec le regard, ici le corps presque immobile et pourtant? tout danse en lui?

Voilà?, 32 années ont traversé la scène?, que va-t-il faire demain ? De quoi et de qui aura-t-il le désir ?

« Show must go on » c'est ce qu'on souhaite à l'homme avec ou sans l'artiste. Et lui demander, pourquoi pas, de venir dans 10 ans, dans 20 ans, nous redire en corps vieillissant ce qui fait, de ce point de vue de l'homme qui danse si peu énoncé, l'Histoire de la danse.

Bernard Gaurier- www.festivalier.net

« Cédric ANDRIEUX » pièce de Jérôme BEL à été présenté en avant première française au LIFE à Saint Nazaire le 12 décembre 2009. A Paris au théâtre de la ville dans le cadre du Festival d'Automne du 14 au 16 décembre 20àç.

Comment va la jeunesse ? Est-ce possible de répondre à cette question sans tomber dans les clichés d'autant plus qu'elle n'a pas qu'un seul visage? Deux tentatives de réponses lors du festival « Reims, Scènes d'Europe » par les metteurs en scène italiens Enrico Casagrande et Daniela Nicolo de la compagnie Motus.

La première est un solo orchestré par Silvia Borghesi, danseuse patineuse, au look androgyne et percutant. Elle tourne en rond pendant qu'une spirale infernale se met en place sur fond de bruits urbains et agressifs. On y entend les grondements d'une manifestation contre les réformes de Darcos, le tumulte du congrès socialiste à Reims, des cris en italien d'une foule. Elle tourne, tombe, se fracasse, se replie comme s'il n'y avait plus de place pour le corps dans nos sociétés « berlusconisées » où la perte du sens produit un vacarme assourdissant. Elle finit par plonger dans un vide autistique, renforcé par cette capuche qui l'enferme un peu plus, pendant que sa danse malaxe la lumière et le son. On ne sait pas où va ce solo, pompeusement nommé « dérive non théâtrale » (du prochain spectacle présenté à 20h30) si ce n'est qu'il se perd dans les profondeurs du sol. La scène finale l'engloutit comme si le propos, à force de tourner en rond, devait laisser place à la poésie, seul langage qui nous relie à notre double dérivant.

Une heure trente plus tard, nous retrouvons Silvia Borghesi, toujours avec ses patins à roulettes mais sur la grande scène de la Comédie de Reims pour « X(ics) récits cruels de la jeunesse ». La troupe italienne Motus tente de nous faire le portrait de la jeunesse d'aujourd'hui après s'être installée en résidence dans plusieurs villes européennes dont Halle Neustadt, ville de l'ex-Allemagne de l'Est. Silvia va à la rencontre d'adolescents dés?uvrés en leur tendant un papier où est inscrit « je me cherche, si toi aussi t'es perdu, contactes ce numéro ». Les scènes sont filmées et projetées sur grand écran tandis que l'espace théâtral se réduit à la portion congrue. Le documentaire illustre alors que les acteurs appuient la démonstration. On nous exhibe une jeunesse isolée dans une mise en scène totalement claustrophobe, désarticulée, où si peu d'énergie circule que l'on se questionne sur l'utilité de présenter un tel travail dans un théâtre (un espace ouvert aurait été sûrement plus approprié).

Car de quoi s'agit-il ? Du dés?uvrement de la jeunesse ? Ne l'a-t-elle jamais été au cours de notre histoire ? De son enfermement ? Probable, mais n'est-ce pas notre regard sur elle qui l'enferme peu à peu ? Or, tout nous met à distance comme si, à refuser d'aller vers le théâtre en prenant les chemins détournés des formes de la performance et du documentaire, on évitait soigneusement d'approcher autrement cette jeunesse perdue. La compagnie Motus n'utilise-t-elle pas les mêmes outils qui, précisément, nous éloignent d'un lien nourrit avec ces jeunes ? Il ne suffit pas d'adopter son langage (la capuche, les patins, le look androgyne), de nous imposer un texte prétentieux et moralisateur, pour faire le portrait d'une jeunesse qui finalement n'a rien à attendre de ce théâtre là pour être entendu. Pour l'instant, elle a mieux à faire pour se faire écouter avec Internet et la musique.

Pascal Bély ? www.festivalier.net

« Crac » et « X(ics) récits cruels de la jeunesse » par la compagnie Motus a été présenté à la Comédie de Reims les 5 et 6 décembre 2009 dans le cadre du festival « Reims, scènes d'Europe ».

“Tribut” de la Compagnie Le Rêve de la Soie a été joué à la Minoterie les 6 et 7 décembre 2009.