Auteur/autrice : tadorne

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LES JOURNALISTES! PAS CONTENT

L’article inacceptable de Raphaël de Gubernatis dans le Nouvel Observateur

À l’attention de Laurent Joffrin, directeur du Nouvel Observateur..

Monsieur,
Nous sommes plusieurs spectateurs, lecteurs, artistes, à être infiniment choqués par le ton et la teneur des propos tenus par le critique Raphaël de Gubernatis(1), dans les colonnes de votre journal, à propos de la pièce de Faustin Linyekula, «Pour en finir avec Bérénice» jouée au Théâtre de Chaillot à Paris.
Il ne s’agit pas de défendre le spectacle (parmi nous certains l’ont apprécié, d’autres pas du tout), mais de dénoncer un état d’esprit qui permet à Éric Zemmour, à Jean-Paul Guerlain et à John Galliano de déborder pour polémiquer. Cet article est réactionnaire parce qu’il prend racine dans un paradigme que l’on aimerait dépassé. C’est une pensée raciste, dans le sens où elle admet une hiérarchie des cultures : «Il est assurément de notre devoir d’Européen de tendre la main et d’aider avec vigueur des artistes issus de pays comme le Congo qui ont traversé une guerre effroyable du fait de leurs propres tyrans». Cette phrase est inacceptable. Elle sous-tend qu’un artiste congolais, africain ne peut être programmé parce qu’il est talentueux. Pourquoi toujours renvoyer les créateurs «africains» à leurs origines ? Les Européens auraient donc un devoir envers eux comme le sous-entendait Jules Ferry lorsqu’il justifiait la colonisation : «Messieurs, il faut parler plus haut et plus vrai! Il faut dire ouvertement qu’en effet les races supérieures ont un droit vis-à-vis des races inférieures parce qu’il y a un devoir pour elles. Elles ont un devoir de civiliser les races inférieures.».
La suite n’est pas plus brillante. Raphaël de Gubernatis affirme (sans conditionnel) que le Théâtre de Chaillot n’a pu annuler ces représentations par le jeu des coproductions, ce qui sous-entend que la structure ne défend pas le spectacle. C’est une accusation grave. D’où tient-il cette  “information» ?

Si le spectacle est raté pour certains, pourquoi ne pas le considérer simplement comme tel ? Certes Faustin Linyekula évoque son pays, à partir de son histoire. Mais tous les artistes le font. Il parle d’en finir avec Bérénice, comme symbole de la violence de la colonisation par le langage et montre la difficulté à dire cette langue imposée. Monsieur de Gubernatis n’a pas compris le spectacle : il en a le droit. Mais sa position autorise-t-elle à un tel  mépris de l’artiste jusqu’à écrire un pamphlet malodorant ?

Nous sommes d’autant plus choqués que cet article est sur le NouvelObs.fr. Tous les commentaires ne sont pas publiés et l’auteur ne répond pas à ses contradicteurs. La liberté d’expression des lecteurs n’est pas totalement respectée privant  Monsieur de Gubernatis d’échanger pour être plus constructif.

Nous vous demandons d’ouvrir le dialogue avec vos lecteurs et d’autoriser toutes les contributions, sans censure, afin d’être en cohérence avec les valeurs de démocratie et de respect dont se prévaut votre journal.

Il en va de la vitalité de notre démocratie postcoloniale.

Nous vous prions d’accepter, Monsieur, l’expression de nos salutations les plus distinguées.

Eva Doumbia, metteure en scène.

Pascal Bély, spectateur, Le Tadorne.

 

(1) Spectacle : Pour en finir avec la complaisance

Il est assurément de notre devoir d’Européen de tendre la main et d’aider avec vigueur des artistes issus de pays comme le Congo qui ont traversé une guerre effroyable du fait de leurs propres tyrans, sans doute soutenus en sous-main par des intérêts occidentaux. Ces artistes assurément sont le signe d’un espoir de dignité retrouvée et de recul de la barbarie. Et ils ont droit à toutes les attentions comme aux aides que nous pouvons leur fournir.

Un trio miraculeux

Parmi ces artistes, le Congolais Faustin Linyekula bénéficie de la bienveillance multipliée des milieux culturels français. On l’avait naguère découvert lors des premières Rencontres chorégraphiques africaines, alors organisées à Luanda (Angola) par “Afrique en création”, et depuis reprises par Cultures France. C’était en 1988 et il apparaissait, sous les couleurs du Kenya, avec le mime Piyo Okach et la danseuse Afrah Tenanbergen dans un miraculeux trio tout baigné de poésie dont la beauté et la spiritualité avaient alors bouleversé et laissaient entrevoir un fabuleux renouveau pour la danse africaine. Ce renouveau a existé, il a permis l’émergence de remarquables personnalités, mais on en a découvert désormais les limites lors des dernières et désastreuses Rencontres chorégraphiques qui se sont déroulées à Bamako (Mali) en automne dernier.

“Bérénice”

Faustin Linyekula, quant à lui, après avoir été convié à monter une “Bérénice” de Racine à sa façon, pour la Comédie française (Studio du Louvre), une “Bérénice” conçue de façon assez gratuite, il faut le dire, et qui a horrifié bien des spectateurs, Faustin Linyekula s’est vu invité par le Festival d’Avignon 2010 à donner un spectacle joué par les jeunes gens avec qui il travaille à Kisangani, au nord-est de la république “démocratique” du Congo.

Piètres débutants

Le travail qu’il y mène est sans doute honorable. Plus que cela, essentiel dans un pays où la guerre a ruiné la société et la culture. Et il est sans nul doute important qu’on l’aide en ce sens. Mais fallait-il faire venir en Europe ce spectacle conçu par Faustin Linyekula et donné par des “comédiens” qui ne sont jamais que de piètres amateurs ou alors des débutants sans talent particulier ?

N’y a t il pas une frontière à maintenir entre travail social, aussi remarquable soit-il, et travail artistique présenté dans de hauts lieux du théâtre?

Exécrable

Le spectacle de Faustin Linyekula, intitulé “Pour en finir avec Bérénice”, et dont il serait trop long d’évoquer ici les sources, ce spectacle est tout simplement exécrable. La dramaturgie comme la mise en scène n’offrent aucun intérêt, ou alors tellement mince ;  la partie chorégraphique interprétée par le metteur en scène et chorégraphe est parfaitement insipide et s’insère dans le spectacle sans nulle pertinence. Quant aux “comédiens”, ils sont proprement atterrants. Il s’agit là d’un travail de patronage où les quelques vers de Racine qui  subsistent sont massacrés, ânonnés de façon affligeante par des “acteurs” qui font peine à voir et dont il est proprement indécent d’exhiber la faiblesse en public. Cela de surcroît dans le cadre d’un festival de théâtre qui se veut le plus brillant du monde. Et aujourd’hui dans celui du Théâtre de Chaillot.

Cycle infernal

Le cycle infernal des coproductions conduit effectivement ce désolant spectacle à être présenté au Théâtre de Chaillot qui n’a pas pu, ou pas osé, l’annuler. On va demander à des gens de payer (ou ils seront invités) pour voir du travail d’amateurs sur une dramaturgie immature. Car tout cela est d’un niveau proprement infantile. Et tout cela se fait avec la coupable complaisance de milieux culturels où l’on raisonne (si l’on ose employer ce mot) de façon démagogique ou sentimentale ou condescendante, sans imaginer qu’exhiber ainsi des Congolais dans une situation aussi défavorable ne fait que renforcer les préjugés dont on accable déjà l’Afrique et ses habitants.

Raphaël de Gubernatis – Nouvelobs.com

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LES JOURNALISTES! PAS CONTENT

L’inculture est un produit; la morale est son emballage

Cela vous ne vous a pas échappé. Sur le site du Monde.fr, l’onglet «culture» a disparu de la une. Pour le trouver, il faut cliquer sur la rubrique «loisirs». C’est ainsi qu’un  journal de référence réduit notre rapport à l’art à une activité de divertissement. Mais est-ce si étonnant ? Depuis qu’en 1986,  le ministère de la Culture est accolé à celui de la communication, nous savions que les codes et les usages de la société consumériste déplaceraient la question du lien à l’art de la sphère intime et collective vers des pratiques de consommateur. Qu’on en juge par la dernière trouvaille de Marseille Provence 2013 qui, pour enquêter sur le public, publie un questionnaire élaboré par des étudiants d’une école de management. Pour sonder nos choix culturels, la danse n’est pas évoquée; on abaisse la question du lien à la profondeur de notre porte-monnaie. Rien sur le désir. Comment en sommes-nous arrivés là ?

La responsabilité des programmateurs ne peut-être esquivée. Pour exemple, le Festival de Marseille, qui s’apprête à investir la salle Vallier en juin. La place du spectateur est réduite à un slogan de communicant («Festi’vallier») à qui l’on propose une sardinade pour vagabonder sur  la plage en collaboration avec la Scène Nationale du Merlan. Cette dernière mène une campagne offensive de communication autour d’une formule infantilisante et bêtifiante («courage rions!») où le spectacle n’est qu’un produit d’appel. Nous pourrions multiplier les exemples d’établissements culturels et d’artistes qui, pour créer la relation avec le public, n’ont rien trouvé de mieux que d’utiliser les techniques du marketing. Le lien social, le corps, la rencontre leur font si peur qu’ils sont prêts à tout pour ne jamais être traversé par l’imprévu.

Rien d’étonnant à ce que la culture ait disparu du programme du Parti Socialiste. C’est une activité marchande comme une autre. Jean-Michel Ribes, patron du Théâtre du Rond-Point à Paris, peut bien s’en émouvoir sur le plateau de «Ce soir ou jamais». Cet homme révérencieux à l’égard du pouvoir (son hommage appuyé à François Fillon est un comble alors que ce dernier mène une politique d’exclusion permanente envers les étrangers) avance lui aussi des chiffres pour démontrer le rôle déterminant de la culture dans l’économie. Il parle comme un chef d’entreprise subventionné qui  soigne ses arrières en soutenant le programme du Parti Socialiste («Il est bien écrit. Dans l’écriture, il y a quelque chose de culturel»). Mais ce soir-là, l’homme de culture est l’avocat Thierry Levy qui lui répond : «la modestie du projet socialiste est une qualité. L’absence de caractère est un défaut». Or, parce que la culture n’est pas une somme de pratiques culturelles qu’on hiérarchiserait, mais un lien au sensible, au turbulent, les hommes qui dirigent les programmes et les établissements devraient avoir pour mission de donner du caractère et non de s’assujettir au pouvoir, qu’il soit économique ou politique.

Dans ce contexte général, l’éviction d’Olivier Py de la direction du Théâtre de l’Odéon n’est qu’un épisode de plus dans les relations incestueuses entre politique et culture. Nous avons perdu la visée sur le rôle de l’art dans une société globalisé. À mesure que nous en avons fait un produit, le politique n’est qu’un chef de rayon qui change de tête de gondole comme bon lui semble. C’est une réforme globale qu’il faudrait entreprendre en redonnant le pouvoir à la représentation nationale sur les nominations et en ouvrant les conseils d’administration des établissements culturels aux spectateurs émancipés si cher au philosophe Jacques Rancière.
Dans cette semaine mouvementée, comment passer sous silence «l’affaire» entre Bertrand Cantat et Jean-Louis Trintignant ? Cette tragédie véhicule son lot d’émotions légitimes et de jugements moraux. Or, le metteur en scène Wajdi Mouawad a fait un choix artistique : celui de confier la musique de sa prochaine création pour le Festival d’Avignon à Bertrand Cantat. Mais c’est la douleur d’un père qui en a décidé tout autrement. C’est ainsi que la question de l’art s’est déplacée du terrain artistique vers le pathos, l’émotionnel et la morale.Cela n’annonce rien de bon pour notre avenir démocratique (à penser que l’art à avoir quelque chose avec la démocratie…).

Dans quelque temps, le journal Le Monde fera glisser l’onglet culture vers la rubrique santé. Pour qu’elle nous soigne de nos folies moralisatrices et consuméristes.
Pascal Bély – Le Tadorne.

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OEUVRES MAJEURES THEATRE FRANCAIS CONTEMPORAIN

Marie-José Malis à la Maison de la Poésie à Paris: quand le théâtre fait rêver…

À la sortie d’ «On ne sait comment» de Luigi Pirandello mise en scène par Marie-José Malis, je me prends à rêver que le théâtre puisse toujours avoir ce niveau d’exigence, de prise de risque et de respect. Avec cette  impression étrange d’avoir participé, de ma place, à une oeuvre où le déplacement permanent du plateau abat la frontière entre conscience et inconscience, comme à l’issue d’une séance d’analyse où l’exploration du rêve rend léger parce que la question du «vrai» et du “faux” n’est pas la Question.

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Ils sont cinq sur scène : deux couples et un ami. 2+2= 5. Tout est lié. Aucun de ces personnages ne pourra s’extraire du drame. Aucun ne pourra résister à l’assaut : la vérité n’existe pas. Seule, la réalité psychique construit ce que l’illusion du réel nous impose. Roméo le sait (troublant Olivier Horeau): il a eu une aventure sans lendemain avec la femme de Giorgio, son ami marin. Depuis, Roméo doute de tout : de la sincérité de son épouse, de l’amour triomphant au sein du couple d’amis, du rapport à la vérité et à la responsabilité. Ils le considèrent comme un fou, mais il ne lâche pas: il y a chez chacun de nous des crimes innocents que nous dissimulons derrière nos fronts de granit. Du meurtre révélé tel un secret de famille, au rêve du matin où nous avons éprouvé du plaisir avec le corps d’un Autre, tout y passe : Roméo lève les voiles («je ne peux pas me sauver par un mensonge»), les embarque dans sa folie  («j’ai besoin de croire que cela arrive à tout le monde»), voit la liberté comme un châtiment et le rêve «comme un crime innocent».

Cela dure trois heures. Il faut tout le talent de Marie-José Malis et des comédiens pour être soi-même entraîné. Ici, point d’effets spéciaux et de roublardises technologiques : entre les actes, ce sont les acteurs qui déplacent les décors tandis que la mise en scène les fait glisser pour abattre les cloisons. Ainsi, toute la «machinerie théâtrale» est au service du propos (et non  l’inverse comme dans tant de créations «pluridisciplinaires»). Le rideau rouge (couleur du sang qui lui ne trompe pas) est une membrane entre le dedans du «huit clos mensonger» et le dehors du jeu de la “vérité”. Le plateau s’avance même tel un plongeoir vers le public : il est prêt à céder sous le poids des remords et des mensonges. Mais il nous plonge aussi dans un lien différent au théâtre (quelle part de vérité venons-nous y chercher ?). En fond de plateau, un décor dans le décor où un rideau métallique ouvre les portes de l’inconscient, l’espace de toutes les dissimulations (il est l’autre scène).

Quant à la salle du Théâtre des Bernardines, elle reste éclairée tout au long du spectacle afin que les acteurs puissent quitter le plateau et s’approcher de nous : ainsi pris à témoin, la «folie» de Roméo nous inclue dans ce cauchemar «jusqu’en éprouver du plaisir». C’est depuis le parterre que l’effet inconscient du théâtre se joue.  Peu à peu, la tension monte d’acte en acte : la lumière joue sa fonction hallucinogène (rêve ou réalité ?) tandis que la musique accentue l’inéluctabilité du drame qui se prépare: la quête de la vérité mène droit vers la mort.

Tel Roméo, Marie-José Malis questionne avec force et engagement le texte de «folie» de Pirandello. Elle ne recule devant rien et ouvre «son» théâtre pour explorer ce processus psychique quitte à jouer avec lui pour nous “déplacer”  sans ménagement, mais avec respect. Il est rare de nos jours qu’une metteuse en scène créée une telle affinité entre la dramaturgie et l’inconscient, où l’intensité théâtrale est proportionnelle à l’intensité du refoulement.

Avec «On ne sait comment», Marie-José Malis propose sa séance où le sujet est en spectacle pour qu’advienne le devenir du sujet dans la quête de sa vérité. Sublime.

Pascal Bély – Le Tadorne.

«On ne sait comment» de Luigi Pirandello par Marie-José Malis. Avec Pascal Batigne, Olivier Horeau, Marie Lamachère, Victor Ponomarev et Sandrine Rommel. Au Théâtre des Bernardines à Marseille du 5 au 9 avril 2011.
A la Maison de la Poésie à Paris du 9 au 31 mars 2013
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THEATRE FRANCAIS CONTEMPORAIN THEATRE MODERNE Vidéos

Nous sommes Tribu-Terre de la jeunesse.

Le contexte :
Dans un récent article, je qualifiais de «sans ambition» la saison théâtrale 2010 – 2011 dans l’aire marseillaise. Motivé, je migre vers Lyon et son festival «Anticodes» présenté aux Subsistances. J’apprécie cette manifestation et ce lieu d’autant plus que l’an dernier j’avais fait la connaissance de  la contorsionniste Angela Laurier qui sera d’ailleurs au prochain Festival Montpellier Danse. En ce dimanche estival, la programmation foisonnante m’oblige donc à faire des choix : ce sera Michel Schweizer et ses «fauves» ; la troupe New Yorkaise du Big Dance Theater pour «Supernatural Wife» et «Drama per musica» d’Alexandre Roccoli et Séverine Rième. Les deux dernières propositions m’apparaissent bien faibles (voir inaboutie et bâclée pour drama). Seul Michel Schweizer suscite mon enthousiasme.

L’accueil :

Les Subsistances savent accueillir. À l’entrée, des jeunes gens en bleu de travail vous guident, vous conseillent. Une actrice déambule dans la cour, telle une vendeuse à la sauvette, pour rappeler les lieux et les horaires. C’est souvent drôle, car inattendu. Mais avant «Les Fauves», un homme nous accueille sous un porche. Yoann Bourgeois est acrobate, acteur et jongleur. Il nous offre sept minutes de poésie où les balles prolongent le corps et créent le mouvement. Sept minutes où le public assis par terre contemple cet homme-balle nous raconter à partir de fugues de Bach emballées, que l’art peut nous aider à penser rond?

« Les fauves » de Michel Schweizer.

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Ils sont dix jeunes et un accompagnateur. On ne sait d’ailleurs pas très bien quelle est sa fonction: habillé d’un t-shirt siglé dont il ignore le sens, le metteur en scène Michel Schweizer lui a demandé d’être lui-même. Alors, Gianfranco Poddighe chante pour nous accueillir puis passe derrière les platines tel un DJ de l’âme. Il fait jeune. Comme moi. La jeunesse n’est donc pas un statut. Elle est.
Des tables avec des micros entourent le plateau (métaphore de la nouvelle Agora ?) tandis que deux horloges digitales pendent du plafond. Elles ne donnent pas la même heure et le décalage ne cessera de grandir au cours de l’heure quarante-cinq minutes du spectacle. Le temps est suspendu, mais aussi décalé comme une invitation à lâcher prise nos repères habituels et nos visions normées. Les voilà donc face à nous (Robin, Elsa, Pierre, Clément, Aurélien, Pauline, Zhara, Lucie, Elisa, Davy), habillés de leur t-shirt où est écrit «endurci» accompagné d’un numéro indiquant leur degré de dureté ! Comme l’eau calcaire de nos machines. Façon élégante de nous renvoyer leur sensibilité, là où nous les aurions probablement enfermés dans des cases inamovibles.

Leur regard ne trompe pas : nous ne saurons rien de leurs origines sociales, de leur statut, de leur vécu familial. Rien pour nous accrocher, mais ils vont tout donner pour nous relier : ils sont ma contemporanéité et mon avenir. Très vite, ils refusent l’abécédaire de la jeunesse écrit par le philosophe Bruce Bégout que leur tend Gianfranco. Ils veulent d’abord évoquer leur ressenti d’être ici, face à nous : et c’est du corps dont ils nous parlent. Cette parole crue et drôle autorise alors toutes les audaces chorégraphiques, plus proches  d’une danse de l’enchevêtrement que du ballet: elle ne cesse de les habiter même quand ils chantent. Ici, la danse a de la voix.

Peu à peu, ils dessinent le changement de civilisation qui se profile : ce groupe incarne un schéma totalement inversé. C’est en partant du bas vers le haut qu’il  propose de  co-construire notre société au-delà des savoirs d’experts. La créativité et l’écoute sont le moteur du progrès (gare à celui qui n’entend pas?), le sensible en est la matière.

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Le groupe semble s’inscrire dans un «ici et maintenant» qui le  mène à refuser un débat vain sur le lien entre jeunesse et immortalité. Leur identité est complexe car leur avatar doit cohabiter avec leur rôle social : c’est leur recherche du mouvement qui les engage loin des dogmes qui rigidifient «le corps social». En un instant, ce groupe est capable de se mobiliser si les valeurs de respect et d’écoute sont menacées. Car le «je» est en «nous». Individualisme ? Sûrement pas. Plutôt un désir de tribu (chère au sociologue Michel Maffesoli) où l’harmonie conflictuelle définit le vivre ensemble, où  l’unicité est une conjonction des contraires, où une tolérance infinie empêche que leur vie sociale se tisse sur un pathos enfermant.

À mesure que «Fauves» avance, je me sens flotter dans un liquide (amniotique ?) et me laisse porter quitte à m’autoriser l’ennui quand leur interpellation me sature (à l’image de certains d’entre eux qui s’isolent avec leur casque, leur guitare ou se lovent dans le canapé du fond). Avec eux, je ne cherche rien à savoir, mais je ressens, calmement.

Leur espace artistique est une toile où  les mots se prolongent dans le mouvement, où se réinvente une démocratie, où aujourd’hui est le premier jour du reste de notre vie…

Pascal Bély – Le Tadorne.

“Fauves” de Michel Michel Schweizer au Festival Anticodes du 31 mars au 3 avril 2011.

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ETRE SPECTATEUR PAS CONTENT THEATRE FRANCAIS CONTEMPORAIN Vidéos

En Provence, le théâtre fait front.

Inoubliable saison 2010 -2011 ! Est-ce possible de poursuivre l’aventure de ce blog à partir des programmations proposées dans ma région (Provence)? Après le stimulant Festival d’Avignon, l’accueillante Biennale de la Danse de Lyon, et le généreux Festival d’Automne de Paris, mon écriture de spectateur engagé a buté au cours de l’hiver. Il s’installe un profond décalage entre les ambitions affichées par les festivals et la frilosité des théâtres où les mêmes noms reviennent associés aux mêmes esthétiques enrobées dans des politiques de communication aux slogans creux. Pour la première fois depuis six années, j’ai failli jeter l’éponge. La quasi-disparition de la danse contemporaine, en dehors de la programmation policée du Centre Chorégraphique National d’Aix en Provence, a accéléré mon dépit. Malgré tout, il faut poursuivre, même si c’est pour s’émouvoir du déclin culturel de ma région. Il y a pourtant de quoi espérer : une maison pour la danse emmenée par Michel Kelemenis ouvrira à l’automne prochain à Marseille, tandis que l’année capitale 2013 finira bien par créer une émulation…
Mais en attendant, programmateurs et artistes s’accrochent à l’Histoire, non pour réinventer les valeurs de l’avenir, mais pour nous transmettre les idéaux d’une modernité dépassée. J’ai cru au théâtre engagé d’Ariane Mnouchkine en me rendant à Lyon pour ses «Naufragés du fol espoir». Naufrage total pour une nostalgie gluante. Qu’importe ce présent pourri, pourvu que soit célébrée la France de grand-papa! Avec François Cerventes, «le voyage de Penazar» proposa de traverser neuf siècles pour finalement me  perdre dans des détails historiques insignifiants. Malgré la performance de Catherine Germain, je m’interroge : à quoi sert le théâtre s’il doit nous donner une approche linéaire de l’histoire, là où j’attends qu’il la transcende?

Catherine Marnas avec “Lignes de faille” du roman de Nancy Huston a fait pire : elle a tué toute possibilité de transcendance en nous offrant un voyage dans le 20e siècle à partir d’une vision transgénérationnelle, mais en empêchant l’imaginaire du spectateur de fonctionner. Au total quatre actes d’une heure chacun pour quatre périodes (2000, 1980, 1960, 1944) où l’enfant raconte (avec mimiques enfantines à l’appui) tandis que les adultes s’affairent. On plaque sur le plateau des images vidéo de l’époque pour mieux signifier que tout est sous contrôle : avalanche de texte, même dramaturgie et effets de scène répétitifs. Comme avec Ariane Mnouchkine et François Cerventes, le spectateur n’a plus qu’à se laisser porter. Tout est donné au détriment d’une recherche partagée entre artiste et public. Le théâtre célèbre le visible, le linéaire, à partir d’une scénographie signifiante qui fait totalement l’impasse sur le complexe (l’espace de la résonance). À l’image du discours politique qui peine à se renouveler et à embrasser la complexité, ce théâtre-là s’accroche au texte aux dépens du corps, souvent déguisé. Il perd en intimité et semble incapable de parler de la douleur du monde.

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Quid alors de la création «pluridisciplinaire» ? Julien Bouffier a mis en scène Marguerite Duras avec «Hiroshima mon amour». J’attendais que le corps évoque le drame collectif. Sauf que la scénographie fait office de mise en scène et les différentes esthétiques (documentaire, cinéma, chanson, théâtre, danse) visent à remplir le vide provoqué par la tragédie. Pendant que je regarde le film sur un mur (une visite du musée d’Hiroshima probablement pour que le spectateur comprenne enfin ici aussi, le théâtre fait oeuvre de transmission!), je ne vois plus ce qui se joue à ma droite et à ma gauche. On me perd vraisemblablement pour que je me retrouve. Finalement, je  ne ressens plus le corps de l’acteur, comme si toute cette machinerie prenait le pouvoir. À quoi sert le pluridisciplinaire si c’est pour propager la même idée du progrès : accumuler de la technique pour reposer l’homo spectator de la turbulence (un comble alors que le Japon est au bord de l’implosion). Et s’il me plaît de ressentir le vide sous mes pieds ?
C’est ainsi que l’hiver 2010-201 m’aura frigorifié. Alors que le monde connaît des soubresauts encore inimaginables il y a quelques mois, j’ai l’étrange impression que certains lieux culturels s’en protègent, véhiculant ainsi la croyance que tout ceci n’est que “feu de paille”, que la globalisation n’a rien à voir avec l’émancipation des peuples. Je me sens pourtant totalement traversé par ces chaos, mais le théâtre qu’il m’a été proposé reste sourd. Probablement parce qu’il manque d’empathie. Sûrement, parce que l’entre soi produit un théâtre suffisant.
Pascal Bély- Le Tadorne.

« Hiroshima, mon amour » de Marguerite Duras par Julien Bouffier à la Scène Nationale de Cavaillon les 17 et 18 mars 2011.
« Le voyage de Penazar » par François Cervantes au Théâtre Massalia de Marseille du 8 au 26 mars 2011.
« Lignes de faille » de Nancy Huston par Catherine Marnas au Théâtre des Salins de Martigues du 23 au 25 mars 2011.

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L'IMAGINAIRE AU POUVOIR

Au prochain Festival d’Avignon, Roméo Castellucci dévoilera ses/nos enfers.

En préambule : Il est dommageable que certaines lectures critiques dévoilent «trop» les images qu’a construites Romeo Castellucci et qui forment «l’essentiel de son théâtre». Le processus de réception de cette création en sera, je crois, inévitablement modifié. Je reconnais qu’en décrivant les tableaux, cet article aurait été plus facile à écrire et peut-être plus simple à «comprendre». Mais…A chacun ses «d/Dévoilements»…

C’est à une ébauche que nous avons assisté, le spectacle ne semblant, d’évidence, pas encore totalement «calé» ; qu’importe. Roméo Castellucci a quelques mois pour  présenter «Le voile du pasteur» cet été au Festival d’Avignon.

J’ai retrouvé ici le faiseur d’images somptueuses (bien que, parfois, manipulatrices) plein du talent d’ouvreur de paysages intérieurs que je n’avais pas croisé avec «Inferno», joué dans la Cour d’Honneur du Palais des Papes en 2008. La nouvelle qui donne son titre au spectacle lui a offert de quoi nous ouvrir/offrir son aujourd’hui en nous laissant ce qu’il faut de place pour interroger le nôtre. De la parabole de Nathaniel Hawthorne dans «Le voile du pasteur», Roméo Castellucci crée la sienne.

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Ce spectacle est un gouffre ascensionnel?  Chaque tableau est de violence beauté fulgurante. Ballade âpre entre ce que l’on voit et ce que l’on croit voir, entre un réel et un imaginé. Cruelle épopée mentale et intellectuelle. Déroulé de traces, effraction dans l’univers des images, des «H/histoires», collectives et individuelles?.
Nous ne sommes pas ménagés dans cet étrange voyage qui nous transporte pour interroger nos regards, nos visions, nos anticipations? nos places de spectateurs? Nous sommes presque bombardés?, l’environnement sonore complétant le travail de l’image.

L’histoire est construite autour d’un élément emblématique : le voile noir dont le Révérend Hooper couvre son visage pour le dissimuler aux yeux du monde. Le récit se déroule dans la Nouvelle-Angleterre, dans la communauté puritaine de Milford. Un dimanche matin, les paroissiens qui assistent au service religieux sont stupéfaits de voir apparaître leur pasteur le visage couvert d’un voile noir descendant jusqu’à la bouche. Tout au long de sa vie, pas un seul instant le pasteur ne renonce à ce voile, même lorsque sa fiancée Elizabeth l’y exhorte.”

Extraits du texte de Piersandra Di Matteo

D’un chao infernal (vision de notre monde, de celui d’avant?) on glisse vers l’émergence du texte pour être ensuite invité, dans un intérieur austère aux accents bergmaniens, à la rencontre du pasteur. Un train fumant envoie ce dernier dans les limbes et ouvre un présent version Castellucci.
De crêpe noir, le voile se fait lourde plaque de verre que l’on traîne; on se dévoile, s’expose entier aux regards, mais?, protégé/inaccessible. L’écran transparent se fait coupure du corps et de l’espace, il tranche entre soi et l’autre. On ne voile plus le regard pour se soustraire. Mais, un rempart cristallin/limpide (incassable ?) nous sépare/protège de l’autre, des autres, nous empêche à lui/eux, quand bien même il laisserait? Tout voir.

«Toc, toc, toc, Qui êtes-vous ?… Nous sommes les monstres!». De quel côté de la vitre, du rideau, de l’écran ?
Qui/Que sont les spectateurs, les acteurs?? Où sont-ils?? Quel corps ont-ils pour celui qui crée/les crée?? De quel  fantasme(s)/désir(s) participent-ils ? Ont-ils/prennent-ils une place dans ce qui se joue, là, sous les yeux de caméras «Catafalques»  et  «Fétiches cataboliques»?
Rien n’appelle l’émotionnel  brut, nous sommes presque dans les mathématiques/sciences  appliquées.  Ça bouscule! Mais, c’est davantage à une démarche intellectuelle  que semble nous inviter Castellucci. Pourtant, le tout touche à l’existentiel et à l’intime, sans détour aucun. Mais, avec le dernier «Chapitre», soin nous est offert/enjoint d’emporter nos dévoilements.
Question toutefois : ce spectacle tient-il une deuxième vision quand l’effet de saisissement n’est plus? Les questions qu’il ouvre là seront-elles encore? Ou, la facilité de certains tableaux envahira-t-elle alors l’espace à en ouvrir de l’agacement? Je reste méfiant avec Castellucci !  

Cette ébauche peut se bonifier ou se détériorer, à voir/revoir quoi qu’il en soit.
Bernard Gaurier – Le Tadorne.
« Le voile noir du pasteur » par Roméo Castellucci au TNB de Rennes du 15 au 19 mars 2011. Au Festival d’Avignon du 20 au 26 juillet 2011. A Berlin du 13 au 15 octobre 2011. Au Théâtre de la Ville de Paris du 20 octobre au 4 novembre 2011. A  Rome du 9 au 19 novembre 2011. A Strasbourg du 1er au 4 décembre 2011. A Poitiers les 9 et 10 décembre 2011. A Toulouse les 15 et 16 décembre 2011.

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ETRE SPECTATEUR Marseille Provence 2013

Devenir un spectateur émancipé: conclusions et avant-propos.

Ce jeudi 24 février 2011, Bernard Latarjet, directeur de l’Association Marseille Provence 2013 s’apprête à dévoiler le programme, tant attendu. Mais auparavant, pendant plus d’une heure, Jean-Claude Gaudin, Maryse Joissains et Hervé Schiavetti (respectivement maires de Marseille, d’Aix-en-Provence, d’Arles), Michel Vauzelle (Président de la Région PACA), Michel Pezet (conseiller général au département des Bouches-du-Rhône) nous ont présenté leur politique culturelle réduite à l’affichage de leurs trophées. Parce qu’ils se fréquentent depuis longtemps, ces politiques finissent par mettre en scène leur connivence et cet entre soi qui positionne la France comme une vieille démocratie, autocrate et oligarque. Ont-ils seulement une vision de la place de l’art dans la société lorsqu’on sait que le cumul des mandats les éloigne durablement des lieux culturels? À deux ans des festivités de 2013, le gouffre est visible: entre citoyens, chercheurs, éducateurs, politiques et professionnels de la culture, la rencontre ne se fait pas. Les jeux de pouvoir dans lesquels nous sommes enfermés démontrent notre impuissance à penser un monde complexe, où tout est enchevêtré. La présentation du nouveau logo (réduit à une signalétique) confirme cette hypothèse: la communication a pris le pouvoir au détriment du sens d’un projet culturel partagé.

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Au cours de cette conférence de presse, pas un mot sur le public, juste n’attend-on de lui qu’il réponde présent et paye (d’autant plus s’il est touriste). Mais après tout, est-ce si différent du sort qu’on lui réserve dans les établissements culturels? Le philosophe Bernard Stiegler peut bien promouvoir un modèle contributif: nous restons accrochés à une approche descendante où les experts de la culture savent ce qui est bon pour le peuple d’en bas. Ils déploient leurs stratégies de communication massive à coup de plaquettes, de newsletters et de pages Facebook transformées en panneau publicitaire où le débat sur les oeuvres est souvent censuré. Quant au «spectateur émancipé» si cher à Jacques Rancière, force est de constater qu’il n’est manifestement pas intégré dans la plupart des politiques et programmes culturels (les directions de relations avec les publics faisant souvent barrage). J’ai pour ma part, et très modestement, proposé à Marseille Provence 2013 et au Festival d’Avignon, des espaces de co-construction entre spectateurs engagés, professionnels du lien social, du spectacle et artistes pour penser des modèles de relations contributives pour la culture. Les enjeux sont de taille:

– développer des liens qualitatifs pour rendre lisible ce que les logiques quantitatives finissent par masquer,
– réinterroger la fonction symbolique de la culture dans notre société((«quel est notre désir de théâtre?»), pour ne pas s’enfermer dans des dogmes répétés que plus personne n’écoute,
– créer de nouvelles pratiques de médiation ouvertes et partagées pour un développement qualitatif des publics autour d’enjeux sociaux territoriaux.
Ces propositions ont probablement fait écho. Elles feront peut-être leur chemin. C’est à la marge qu’elles émergeront dans des espaces où:
– contribuer est le modèle relationnel qui crée du sens,
– articuler permet de penser global  et efface les schémas tout tracés,
– traverser pour créer du sens plutôt que seulement hiérarchiser,
– mettre en puissance pour s’éloigner des prises de pouvoir.

Pour ma part, je poursuis mon parcours de spectateur engagé et contributeur, en privilégiant les lieux où cet engagement est reconnu, valorisé, promu. Je vais continuer d’introduire inlassablement, la question du lien à l’art dans mes  actions de formateur et de consultant. Pour que la culture ne soit pas réduite à une étagère où l’on poserait des livres, mais où l’on oserait la métamorphoser pour mettre en dialogue les auteurs et créer l’Oeuvre. Par plaisir.

Pascal Bély- Le Tadorne.

Remerciements tout particuliers à :

– Michel Kelemenis, créateur de “Klap! Maison pour la danse” à Marseille pour la profondeur de son écoute et ses conseils éclairés.

– Philippe Lafeuille, chorégraphe, soutien des premiers jours, qui s’est toujours engagé pour que des spectateurs contributeurs aient une place dans ses projets.

– Elsa Gomis, fidèle parmi les fidèles.

– Graziella Végis et Nathalie Dalmasso du Théâtre Massalia à Marseille pour leur engagement dans le projet de formation autour de “l’art et les tout-petits”: dès avril 2011, un groupe de professionnels de la petite enfance et du spectacle vont co-construire un projet global d’accueil d’artistes dans les crèches.

– Florence Lloret et Michel André de “La Cité, Maison du Théâtre” à Marseille pour m’avoir inclus comme «spectateur complice» et donner l’opportunité de réfléchir à leurs projets.

– Marion Bati, directrice des “Éclats chorégraphiques” pour ses conseils éclairés.

– Renaud Cojo pour ses encouragements répétés.

– Pauline Coppée du Festival Lattitudes Contemporaines à Lille pour son accueil et ses engagements futurs.

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HIVERNALES D'AVIGNON PAS CONTENT Vidéos

« Pororoca », patatra et puis basta !

Pendant tout le spectacle, je n’ai pas réussi à m’asseoir convenablement. À plusieurs reprises, je me suis même mis de biais pour voir autrement. Vers la fin, j’ai fini par me lever croyant prendre de la hauteur pour ressentir cette humanité en mouvement.
Curieux, mais jamais touché.

L’oeuvre chorégraphique de la Brésilienne Lia Rodrigues ne m’a pas atteint. Tout juste réussit-elle à interpeller sur la manière dont cette «bombe humaine» se déplace, sans exploser.
Pétard mouillé.

Au Théâtre de la Ville à Paris, la pièce avait fait grand bruit chez les spectateurs. Ici, à Cavaillon, rien. La salle paraît dans l’expectative. Certains se retiennent probablement de siffler, mais la direction du Festival et de la Scène Nationale de Cavaillon avait pris soin de célébrer le talent de la chorégraphe lors de leur numéro de duettiste sans micro.

Sans sonorisation, un groupe de dix danseurs s’agite pendant une heure, s’accordant quelques pauses pour avaler un quartier d’orange comme des sportifs à la mi-temps. Reconnaissons qu’ils s’engagent physiquement à dessiner la vie sociale d’une favela où les murs seraient leurs corps ; les rues leurs liens ; la misère, leur richesse intérieure ; la libido, leur bestialité…La liste pourrait s’allonger à l’infini. Mais sans distance, nous pourrions très bien imaginer une orgie tant l’acte sexuel est suggéré à chaque mouvement. Malgré tout, leur cul, leurs seins, son sexe, me laissent de marbre.


Arrive le moment où ils osent nous regarder, peuple d’Europe, riche et rassasié. Ils finissent par en rire tandis que des spectateurs, gênés, applaudissent. À cet instant précis, je pressens la suite : le groupe remonte l’escalier au milieu du public, à contre-courant. Chez certains metteurs en scène, ce procédé vise à amplifier la dramaturgie au coeur d’une «assemblée populaire». Mais ici, je ne saisis pas le sens de cette traversée en solitaire.

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Pourtant, deux tableaux se révèlent majestueux. Celui, où, par un jeu très subtil de lumières, les corps inertes se relient dans une fosse commune. Les bras n’ont plus que la peau sur les os. Il y a cet autre instant où, pieds et mains à terre, ils dessinent avec leur ventre la «terre patrie » si chère à Edgar Morin.
Mais à l’agitation sur la scène, rien ne répond. Un mur invisible s’est peu à peu dressé avec la salle. Cette danse véhicule une esthétique de la misère, mais ne «précarise» pas le spectateur. “Pororoca” est une démonstration. On montre un pouvoir créatif comme on gonflerait ses muscles. Pour impressionner. Mais leur union ne fait même pas leur force ; leur férocité n’est qu’un jeu de rôles, la favela, qu’un «concept» de plus dans un paysage chorégraphique français saturé d’oeuvres distantes.
Un court instant, j’ai pensé à la place Tahir ; cela m’a rassuré. Des corps en mouvement peuvent m’éloigner de mes rivages.
Permettez que je prenne le large pendant quelque temps.
Pascal Bély – Le Tadorne.
« Pororoca » de Lia Rodrigues – Scène Nationale de Cavaillon – Le 28 février 2011 dans le cadre du festival des Hivernales.

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ACCUEIL DES LIEUX CULTURELS ETRE SPECTATEUR LES FORMATIONS DU TADORNE

Chroniques d’un spectateur engagé et contributeur: Le projet avec la Scène Nationale de Martigues.

J’inaugure cette semaine une série d’articles autour de mes rencontres avec des établissements culturels. Depuis 2009, j’ai proposé différentes actions visant à développer un modèle de relation contributive entre  professionnels du spectacle, de l’éducation, du social, artistes et spectateurs. Premier retour avec la Scène Nationale de Martigues.

C’était au départ une idée originale et courageuse. Préoccupée par la volatilité des spectateurs, Annette Breuil, directrice du Théâtre Des Salins de Martigues, souhaitait engager un dialogue différent avec le public en posant un cadre sans expert et hiérarchie pour l’écouter. Dès 2009, je proposais d’organiser une série de débats participatifs (“que voulons-nous faire ensemble ?”). Je formulais une première  hypothèse : renforcer un service public de la culture suppose de privilégier des relations contributives entre professionnels, artistes et spectateurs (de plus en plus « cultivés » et en réseau via internet notamment). La première saison de «Y’a des Ho! Y’a débat!» pouvait commencer! Le premier rendez-vous en septembre 2009 sur la place du spectateur et du programmateur a quelque peu déçu : il n’a pas réussi à dépasser le schéma descendant entre le public et Annette Breuil. Malgré tout, le besoin de libérer une parole autour des choix de programmation était palpable.

Quelques semaines plus tard, le débriefing a permis de formuler une seconde hypothèse: ouvrir la relation à l’externe suppose d’amplifier la communication à l’interne. J’ai proposé à l’équipe de s’approprier le projet (qu’il ne soit plus centré sur Annette Breuil ou moi-même) et de partir à la rencontre des spectateurs avec une caméra vidéo et une question en tête, thème du deuxième débat («le Théâtre des Salins est-il un lieu d’échanges?»). Un émouvant reportage a fait l’ouverture de la rencontre et permit à l’équipe de créer les conditions d’un échange sincère avec le public. L’intervention par téléphone du chorégraphe Michel Kelemenis sur sa conception d’un théâtre ouvert a offert une perspective passionnante. Au final, la forme de ce rendez-vous (film, débat, interview téléphonique) a multiplié les angles, fluidifié la communication et renouvellé le genre.

Lors d’une réunion bilan, l’articulation «Y’a des Ho ! Y’a débat!» avec un travail d’équipe a été validé (cela crée le «ciment» à partir d’un temps collectif où la recherche du sens  par le langage symbolique et métaphorique garantit la vision globale). La réflexion sur le lien entre nouvelles technologies et théâtre a été jugée pertinente, car elle permet de réfléchir sur le sens de la communication. La dynamique autour de ces débats a interrogé le positionnement des professionnels en envisageant des ouvertures dans un contexte où la relation avec les spectateurs évolue en permanence (billetterie sur internet, nouvelles pratiques culturelles, concurrence accrue de l’offre de spectacles).

Mais pour penser les futures actions envers les spectateurs, l’équipe devait consolider ses fondements à partir de trois axes :

1. Identifier les valeurs de son projet et savoir le communiquer en interne et en externe

2-Travailler  sa dynamique relationnelle pour décloisonner les fonctions et les métiers.

3. Relier les actions de médiation et de communication pour créer des passerelles, des mises en réseau, susceptible de développer qualitativement les publics.

A ce stade du projet, j’ai formulé une troisième hypothèse : un formation pourrait accompagner l’équipe à  définir son socle de valeurs à partir des processus du management participatif.

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Celle-ci n’a pas vu le jour. J’ai proposé à Annette Breuil de poursuivre la démarche en redéfinissant la relation avec le public par l’artistique et le festif. Ainsi est né, «Faire la fête à la Scène». Profitant de la semaine où les Scènes Nationales vont fêter leur 20ème anniversaire en mars 2011, j’ai suggéré d’enclencher avec l’équipe une série d’actions symboliques pour libérer la créativité des spectateurs et des professionnels. En étroite collaboration avec un collectif pluridisciplinaire d’artistes et l’Ecole de Danse de la ville, chacun expérimenterait de nouvelles modalités de communication (Flash mob, bal, mapping vidéo, parcours artistique au sein du théâtre, ateliers d’écriture avec un plasticien et mise en mouvement par un chorégraphe). A ce jour, le Théâtre des Salins a retenu la journée du 18 mars 2011 pour qu’on lui fasse la fête.

L’équipe vivra une expérience unique qui lui donnera, sans aucun doute, l’énergie pour penser un projet global de développement : qualitatif, ouvert, inscrit dans la durée, innovant et démocratique.

Pascal Bély -Le Tadorne.

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HIVERNALES D'AVIGNON LE GROUPE EN DANSE OEUVRES MAJEURES Vidéos

Ne me jette pas.

Il arrive parfois que la danse contemporaine nous tende un miroir à mille facettes. Où en sommes-nous? N’avez-vous rien remarqué autour de vous? Mais où suis-je?
Le chorégraphe tunisien Radhouane El Meddeb a une sensibilité bien particulière pour restituer sur un plateau «ce que nous sommes», titre de sa dernière création.
Ils sont cinq dont une qui n’a pas tout à fait l’allure d’une danseuse (magnifique Alice Daquet, alias Sir Alice): de sa robe moulante transparaît de jolies formes (incarnerait-elle Radhouane?). Elle est le «corps social» et porte les stigmates de l’abandon. Elle a cette colère froide, de ceux qui n’ont aujourd’hui plus grand-chose à perdre. Elle observe souvent, se mêle au groupe sans y être. Elle est le «politique» au sein d’un collectif qui ne sait plus comment s’y prendre pour lutter contre la solitude des individus.

Par un subtil jeu de lumières, ils se dévoilent peu à peu. Deux hommes (troublants Olivier Balzarini et Christian Ben Aïm) et une jeune femme  (puissante Anne Foucher), élégamment habillés s’entremêlent tandis qu’une autre, à l’allure fougueuse (étrange Margot Dorléans), (se) cherche. La scénographie d’Anne Tolleter (collaboratrice de Mathilde Monnier) fait encore des miracles: à l’image de la bordure d’un tableau, elle a posé des gravillons noirs et argentés tout autour de la scène. À tour de rôle, ils marchent sur cette étroite bande dont le bruit produit le frisson à l’arrivée de celui que l’on attendait plus, à moins que ce ne soit le son de la relation…À ce tableau, il faut ajouter la musique de Sir Alice: tout aussi profonde que la danse de  Radhouane El Meddeb, elle nous enveloppe et nous donne l’énergie de ne pas lâcher un seul mouvement. Voudrait-elle nous inclure? Et si nous étions le sixième acteur de ce huit clos ?

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Peu à peu, du repli sur soi, enfermé dans leur bulle virtuelle (qui finit par rendre fou), chacun marche en préférant la diagonale pour tisser la toile. Une tête se pose sur le corps de l’autre tandis que des gestes de rien du tout créent la relation de confiance. On se porte, on se supporte. Il y a peu d’envolées, mais que l’on ne s’y trompe pas: les craintes et les désirs s’entrechoquent en silence. Que ces fils paraissent fragiles!  Ces gestes lents créent la partition d’une étonnante chorégraphie poétique où la personne incarne le «tous». C’est puissant parce que nous sommes toujours à ces deux niveaux en même temps: l’individu et le groupe.
Lentement, les corps se répondent, le collectif prend du relief. Tout un paysage relationnel se dévoile: aux sons des gravillons, se superposent le bruit des baisers et des bisous. La créativité de chacun s’exprime dans un cadre sécurisant, l’érotisme s’approche et le désir amoureux fourbit ses armes. Comment  façonner l’autre à notre image? Est-ce l’autre que nous chérissons? N’est-ce pas plutôt la relation (névrotique si possible) que nous cherchons?
C’est à ce moment précis que le groupe bascule dans une violence inouïe. Alors que nos connaissances sur la psychologie n’ont plus rien à avoir avec ce que savaient nos parents, nous semblons les utiliser pour «jeter» l’autre comme une marchandise. Le corps intime et le corps social se fondent peu à peu dans le consumérisme le plus abject où leur marchandisation côtoie le principe de précaution qui voit dans «l’autre» une possible menace. Radhouane El Meddeb dévoile ici son impuissance à se représenter une issue à cette violence née de nos solitudes contemporaines et de notre incapacité à repenser le collectif en dehors des dogmes qui l’ont jadis structuré. Car aujourd’hui, c’est bien  le corps jeté (les suicidés de France Telecom, le corps immolé en Tunisie et ailleurs) qui ouvre la voie à «notre» reconstruction.
Le corps est une bombe. Radhouane El Meddeb est un démineur en Fa Majeur.
Pascal Bély – Le Tadorne.
« Ce que nous sommes » par Radhouane El Meddeb le 25 février 2011 dans le cadre du festival « Les Hivernales».
Crédit photo: Agathe Poupeney.