Dernière partie de mon immersion dans les Rencontres Photographiques d'Arles. Pour être exact, c'est une plongée dans des univers où la photo transcende, ouvre la voie vers une autre réalité.
Allessandra Sanguinetti avec « Les aventures de Guille et Belinda et l'énigmatique sens de leurs rêves » m'a littéralement happé. Submergé par l'émotion, j'ai retrouvé le milieu ouvrier dans lequel j'ai grandi et les mondes imaginaires que je me construisais. Mais aucun photographe n'était là pour immortaliser mes rêves ! Guille et Belinda sont deux cousines de dix et neuf ans, dont les parents possèdent des terres agricoles près de Buenos Aires. En pénétrant leurs espaces fantasmagoriques, Allessandra Sanguinetti nous offre des photographies de toute beauté : entre la fin de l'enfance et le début de l'adolescence, elle arrive à capter l'insondable (cette part de rêve si secrète). Les corps de transforment et flottent pour se mouvoir dans un environnement solidaire. Elles nous proposent une vision métaphorique de notre monde avec humour et gravité, loin des clichés habituels (« la vérité sort de la bouche des enfants » !). Allessandra Sanguinetti a obtenue le « Prix Découverte » des Rencontres. Largement mérité.
Deuxième choc. Gilles Leimdorfer avec « Que reste-t-il? ? » nous présente une série de photographies prises le long de la mythique Nationale 7. C'est une France dont on ne parle jamais : celle défigurée par les zones commerciales, le béton et les ronds – points (La Côte d'Azur…beurk). Mais aussi, cette France qui a peur, qui a porté Jean-Marie Le Pen au second tour : «?j'ai souvent fait peur. Avec mon Leica autour du cou, on m'a pris pour un flic, un pédophile, un serial killer, rarement pour un photographe ». Malgré tout, Gilles Leimdorfer a su capter une France rurale poétique où les Français cherchent cette part de rêve que les médias vendent à longueur d'émissions. Retenez son nom : c'est un grand photographe qui nous ouvre les yeux sur ce que nous ne voyons plus.
Raphaël Dallaporta et Ondine Millot avec « Esclavage domestique » ont pris le parti artistique de photographier en France des immeubles et des maisons, où ont séjourné des personnes réduites à la fonction d'esclave. À côté de chaque photo, un long texte présente la situation. Cette installation me positionne en dehors alors que cela se passe à côté de chez moi. La photo est prisonnière du texte alors qu'elle aurait pu s'en libérer. La photo ne transcende rien : elle reproduit les processus qu'elle dénonce. Rageant.
Troisième sidération. Vincent Debane avec « Station ». C'est un photomontage réalisé en deux temps : Il photographie des Franciliens en attente de leur train en gare Saint Lazare. Puis, il associe des paysages suburbains. Ce changement de contexte confère alors à la position d'attente, des airs de prière, de sidération, de révélation. C'est une autre vision de la France : celle d'habitants en quête d'une parole venue d'en haut dans un environnement triste, défiguré par le béton et les tours. Je ressens ces photos comme sans issue si nous continuons à regarder dans cette direction. C'est un puissant message à la veille d'une échéance politique majeure.
Mais est-ce cette France dont rêvent les candidats à l'exil ? Olivier Jobard avec « The Hard Way, The only Way » nous propose le carnet de route d'un immigrant clandestin à partir de photos et d'une installation audiovisuelle qui nous permet d'entendre Kingsley commentant son arrivée en France. Je suis sidéré du décalage qu'il y a entre cette France si peu accueillante et l'énergie de ces clandestins pour rejoindre notre pays. C'est presque incompréhensible. Que sommes-nous devenus ?
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Une caméra est là pour filmer la réaction des passants qui sont à la fois dans l'histoire et hors d'elle. La parole des habitants sert de bande-son. C'est magnifique parce que le travail de l'artiste est remis en mouvement : l'histoire n'est pas figée comme elle le serait dans un livre, mais elle s'inscrit dans un processus continu. Là où le film n'apportait rien avec Sarah Moon dans son installation à la Chapelle Saint-Martin du Méjan, ici, il permet aux photos de Susan Meiselas de s'inscrire dans un autre contexte en leur donnant une fonction quasi thérapeutique : l'installation libère les regards, la parole et fait bouger les corps. Susan Meiselas redonne aux habitants une partie de leur histoire. Beau travail.
Quelques photographes français se penchent sur l'histoire contemporaine de notre pays.
Nous commençons par l'exposition « La photographie publicitaire en France » 
Au rez-de-chaussée, 
En poursuivant, 
La dernière exposition (de couloir en couloir, nous quittons la chapelle pour nous trouver dans les pièces d'une maison !), « Paradiso » de 
Doucement, sur l’écran, se dessinent en continu les contours du décor puis, le trait fait place aux images. La vue se brouille car la vidéo projette ce que je suis en train de voir…Un homme arrive avec son costume aux couleurs décalées.
Il marche devant la vidéo, puis derrière. Parfois, il est devant et derrière, entre conscience et inconscience. Le dispositif scénique est saisissant de beauté car il dessine un nouveau cadre pour appréhender la complexité. Je me sens sortir de mon conditionnement linguistique (vouloir à tout prix comprendre le sens des mots !). C’est l’articulation entre lui, ses mots et la vidéo qui fait le langage ! Je lâche… 1 + 1 ne fait pas 2 mais 3 ! La réalité n’existe pas. Elle est une construction que nous opérons. Patricia Allio nous aide à élaborer cette réalité pour entrer en relation avec Samuel Daiber, joué par Didier Galas, acteur magnifique. Par sa puissance sur scène, il nous guide à entrer dans son univers, à nous réapproprier ses mots. Sa réalité pourrait devenir la mienne. Je me surprends à l’aimer. Le moment où il évoque la Suisse, métaphore de l’enfermement par ses frontières (qui se dessinent sur l’écran vidéo), provoque l’hilarité ! Jamais on m’avait parlé avec autant de justesse de la Suisse ! Je jubile…Quand il passe de la vidéo à la scène, quand il monte sur la rambarde du théâtre en m’obligeant à la suivre des yeux jusqu’à le perdre, je construis mon propre cheminement. De vertical, je me sens transversal. Et toujours ses mots qui me percutent, me bousculent. Leur sens n’a plus d’importance. Le sens vient de mon ressenti.
Dix spectateurs sont habillés en blouse blanche et se font face des deux côtés de la scène. Du linge pend et les draps blancs de l’hôpital psychiatrique font office de cloisons mais permettent aussi au théâtre d’ombres de faire son cinéma. De petits films y sont projetés, images de l’inconscient où se nichent nos histoires, nos rêves et nos fantasmes. En plaçant une partie du public sur scène, puis en nous offrant un petit verre de vin au cours du spectacle, Christian Mazzuchini seul acteur et metteur en scène, positionne « Psychiatrie / Déconniatrie » comme un acte créatif dont le public sera l’auteur actif. Il s’agit de nous faire rire, de nous aider à baisser la garde, à sortir de notre irrationnel pour entrer dans le monde loufoque du psychiatre catalan François Tosquelles dont on ne sait plus s’il est « le » fou, le médecin ou le double de Salvador Dali. Toute la pièce est alors une série de va et vient entre ces trois personnages ainsi qu’une alternance de textes écrit à la fois par Serge Valletti, auteur marseillais, et par François Tosquelles, pionnier en France de la psychothérapie institutionnelle.
La force de cette pièce est de faire apparaître l’inconscient par un procédé créateur, proche de la psychanalyse, à l’instar d’un Dali qui développa dans les années 30, avec le mouvement surréaliste, sa méthode paranoïa critique. Ainsi, Christian Mazzuchini associe librement des idées, multiplie les contrepéteries, et se libère des traumas de l’enfance par la parole. L’inconscient est ainsi structuré comme un langage! Christian Mazzuchini est époustouflant car il incarne ces milliers de patients qui se sont libérés par la psychanalyse (dont votre serviteur). Il n’est jamais dans l’excès mais toujours respectueux de la parole qu’il porte, comme le serait un psychanalyste à l’écoute de son patient. Sa mise en scène s’articule entre le réel et l’inconscient (le film sur le champ de coquelicots fait rêver…c’est le cas de le dire !). Le chien qui l’accompagne devient patient. Il est tellement humain que cela en devient troublant. Ainsi, plus le spectacle avance, plus je me libère par le rire. Je me sens profondément respecté. Je ressens le texte comme un cadeau offert au public, avec force et humilité. Mais surtout, je reconnais, je ressens l’espace psychanalytique tel que je le vis…je me vois sur scène, sur ce divan…Troublant! 
Ce mardi 10 janvier 2006 signe le jour des retrouvailles avec le public du Théâtre des Salins, avec mes escapades théâtrales et…Pippo Delbono! Au Festival d’Avignon en 2002, je me souviens avoir été profondément ému et bouleversé par trois spectacles de cet artiste hors normes (« La rabbia » ; « Guerra », « Il silenzio »). En 2004, toujours au Festival d’Avignon mais à la Carrière Boulbon , « Urlo » m’avait laissé perplexe. Je me sentais à distance comme si l’immensité du lieu m’avait éloigné du propos de Pippo Delbono.
En arrivant au Théâtre du Gymnase, l’ambiance est feutrée pour la dernière création d’Hubert Colas, trilogie composée des courtes pièces de Martin Crimp, « Whole blue sky », « Face au mur » et « Tout va mieux ».Pendant que le public s’installe, un jeune acteur cravaté au regard froid attend sur une scène parsemée de ballons blancs. D’emblée, j’ai l’impression de me retrouver l’été dernier dans l’attente des spectacles de Roméo Castellucci lors du Festival d’Avignon. Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si « Face au mur » est une co-production d’Avignon 2005. Le décor minimaliste d’Hubert Colas semble signifier une rupture, à l’image de certaines oeuvres de l’été dernier. Je m’attends donc à passer un moment…tragique!
C’est un long et beau moment de théâtre. « 
« Aphorismes géométriques » commence. Comme en août 2005, je suis littéralement happé par ces quatre danseuses. Le quatuor émerge tout au début ; elles se cherchent ; je les suis ; les corps se touchent, s’évitent ; je les sens. Puis une à une, elles disparaissent pour mieux nous revenir. J’assiste alors à 4 solos époustouflants. De la femme en colère à celle qui souffre, de la femme sensuelle à celle qui accouche, de la femme caresse à celle qui fait mal, de la femme masculine à celle qui s’effondre, de la femme enfant à celle qui assume, de la femme stressé à celle qui paresse…De la femme à celui qui la regarde…Elles me regardent ; m’invitent ; je résiste. Puis, elles reviennent ensemble ; se soutiennent les unes des autres avec des mouvements lents comme un lien solidaire, solide. La lumière est devenue orange comme un coucher de soleil ; les mouvements deviennent alors indestructibles ; elles me relient. Cette lenteur, cette beauté du geste donne à ce quatuor une force qui fait face à ce monde si violent, si masculin. Je baisse la garde ; je sors de mon carré pour me faire tout rond. La lumière s’éteint sur l’œuvre de Michel Kelemenis. 
En ce lundi opaque, il y a l’image de cette femme magnifique et de sa jolie robe bleue (en photo). Elle est "âgée" comme ses 26 autres partenaires. Elle danse « 
Le hall de cette maison est l’espace où toutes leurs vies se rejouent en accéléré, comme dans un film animalier qui suivrait une couvée de canards, de la naissance à la mort…A 65 ans, leurs corps parlent plus que jamais. Leur moindre geste est une danse. Leurs lèvres dansent la séduction, leurs pieds chorégraphient leur inconscient. 
Il est difficile de comparer les deux prestations ; cela n’a pas de sens. L’élève ne dépasse pas le maître comme certains spectateurs semblent le croire à la fin de la représentation. La transmission entre Benjamin Lamarche et Vincent Blanc s’opère dans un lien de confiance où, loin d’un copier – coller, les deux artistes ont voulu donner à « Icare » un deuxième souffle pour que cette œuvre se perpétue dans le temps. Cette transmission est une réussite : ce n’est déjà plus le même spectacle…et pourtant rien n’a changé ! « Icare » est Vincent Blanc qui, loin d’être prisonnier de son aîné Benjamin Lamarche, prend son envol à partir d’une pièce écrite pour des générations de danseurs. En effet, cette chorégraphie est sublime, hors du temps, où les mots manquent pour décrire un moment de pure magie. Inutile d’ailleurs de vous décrire ce qui se joue sur scène tant « Icare » entretient avec le public un lien intime d’une forte intensité. Mes yeux d’enfant s’écarquillent pour le suivre tantôt pris dans sa cage, tantôt prêt à s’envoler mais qui n’abdique jamais. L’émotion est palpable dans cette chapelle où les jeux de lumière renforcent la féerie, la gravité du spectacle, et transforment Icare de vol en vol.
Il y a des spectacles qui sont des petits cadeaux ; des petites attentions qu’une personne un peu lointaine aurait pour vous…Par gentillesse, par tendresse… « Les songe-creux », chorégraphié par Christophe Garcia et mise en scène par Stéphanie Chaudesaigues est de ceux là. J’étais heureux hier soir d’être accompagné de deux oisillons venus accompagner le Tadorne dans sa migration hivernale ! C’était aussi un joli cadeau…
« Transmission » (titre si cher au festival « 
« Push » débute. 
Il y a des chorégraphies qui peuvent marquer durablement la vie d’un spectateur. C’est souvent mystérieux comme processus et je n’ai pas fini d’être étonné sur ce qui peut m’émouvoir, là où d’autres seraient plus à distance. Depuis 1998, je découvre la danse…et chaque spectacle est pour moi un nouveau champ à explorer.
Elle est le lien entre eux car cette femme, répare, relie, là où ces hommes sont séparés par la guerre, les luttes de pouvoir, les relations de haine. Elle recolle les morceaux d’un corps, d’une vie mise à mal. C’est étourdissant de beauté et d’amour. Cela nous est donné en cadeau. Ce soir, la danse se veut réparatrice. Fragmentés nous 
Le premier, « Transgedy » de Caterina est dansé par Alessandro Bernardeschi. Sur scène, un guéridon, une radio-cassette, et tous les ingrédients pour passer à l’heure de l’apéro. Une photo trône sur cette si petite table. L’homme fume puis se lève pour danser sur la musique des Bee Gees (« Tragedy »). Il danse sa solitude et je me sens dérouté. Rien n’est linéaire dans les gestes, tout est saccadé comme une vie qui perdrait le fil conducteur, le sens. Pendant plus de vingt minutes, j’assiste à la souffrance d’un homme seul, qui se jette à terre, pour se relever, souffrant, mythomane de surcroît (il se prend pour Shakespeare – la photo, c’est lui !-). Et pourtant, je reste à distance, sans empathie particulière pour cet homme, comme si ma position ne faisait qu’accentuer sa solitude. Le final où il s’asperge de Ketch’up pour simuler un drame shakespearien frôle le pathétique. Mais loin du ridicule et du pathos, Caterina Sagna touche là où cela lui fait mal ; nous fait mal. Avec poésie.
Le deuxième solo (« 
Claire Heggen construit un spectacle complet (théâtre, danse, vidéo) à partir d’objets flottants miraculeux. 
Le rideau se lève ; des lampes flexibles entourent un tapis de laine avec sept danseurs en ligne. Ils chantent doucement puis la clameur monte. J’ai l’impression immédiate de me retrouver dans l’univers d’une comédie musicale où l’on ne comprendrait ni la langue, ni l’histoire ! C’est une histoire d’hommes et de femmes, où chacun tente de trouver sa place, son alter ego. On chante beaucoup, parfois fort pour se faire entendre. On chante et on danse en même temps (quelle prouesse !) dans cet espace un peu réduit où tout est mis en lumière, car tout a de l’importance. « Obstrucsong » est un poème vivant où chaque spectateur peut se raconter son histoire, se voir sur scène. Le plus impressionnant, c’est la créativité qui se dégage de cette œuvre ! Chaque mouvement en rencontre un autre qui l’entrave ; cette contrainte (d’où l’obstruction) devient une force créative pour les danseurs. Comment ne pas voir une métaphore de nos actes quotidiens guidés par nos schémas linéaires qui ne cessent de se confronter à la complexité de l’environnement? 
Cette jeune troupe venue tout droit du Danemark invite avec douceur le public français des Hivernales à se dépasser, à créer dans la contrainte. A l’heure où certains voudraient renforcer la contrainte sans la créativité, « Obstrcsong » est un magnifique message d’ouverture dans ce monde globalisé.
Cette œuvre est majestueuse à plus d’un titre. Alors que l’on ne voit jamais leur corps, celui-ci est omniprésent. On ne voit que lui, on ne pense qu’à lui. Les tentes font corps et c’est bouleversant. Elles se débattent, crient, abdiquent en s’effondrant. Les tentes se plient, se déplient comme la douleur, comme un secret trop lourd à porter. Les lettres projetées sur l’écran informent sur le contexte en Iran, mais nous interpellent aussi. À quoi joue l’Europe ? Pourquoi la bureaucratie fait-elle vivre aux femmes iraniennes en exil un enfer quotidien ? Je me cramponne à mon fauteuil quand la folie s’immisce dans ce collectif sur fond de rock. Je m’émeus de leur solidarité quand une crie : « j’ai besoin d’être soutenu ». Je repense aux féministes des années 70. Le combat pour la dignité des femmes est actuel, universel. 
J’ai peur pour elles alors qu’une tente s’effondre pour se transformer en linceul. Elles tourbillonnent comme un vent de folie, comme un enfermement en mouvement. Des photos de famille sont projetées à l’image du tchador qui se transmet de génération en génération. C’est alors que les quatre femmes de Michel Kélémenis dans les «
Au mieux, je n’ai rien compris. Au pire, cette danse est le joujou d’un nouveau riche venant de découvrir que tout lui est acquis. Il ferait mieux d’arrêter de courir après le vide, de se poser avec ses danseurs pour remettre du sens, et rechercher la vérité ailleurs que dans une course de fond. Après quoi, il pourra revenir à Montpellier Danse avec moins de prétentions et donner à ce public de connaisseurs ce qu’il est en droit d’attendre : ni l’enfer, ni le paradis, mais la scène.
Depuis quelques jours, la danse fait une entrée remarquée au Festival d’Avignon. Nous en faisions l’