Catégorie : EN COURS DE REFORMATAGE

Aller voir Swan Lake chorégraphié par Matthew Bourne ? Avec un cygne dansé par une dizaine d’hommes ? La proposition était engageante.
Révéler son homosexualité à un jeune homme puissant et respecté par l’entremise d’un séduisant oiseau : l’interprétation du ballet classique était audacieuse.
Alors pourquoi tout gâcher en y intercalant des tableaux mimés convenus, où l’imagerie de l’Amérique des années cinquante est comme plaquée sur la musique de Tchaïkovski ?
Sans doute, pour en négatif, mettre en valeur le trouble et la beauté de ces moments où le ballet d’hommes-oiseaux vient tenter le jeune homme.
Sauf qu’on finit par attendre la venue des cygnes pour être transporté et par considérer que le reste du spectacle n’est que remplissage. Dommage que Matthew Bourne ne soit pas allé au bout de ses audaces.

Elsa Gomis.
Paris

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Cher Tadorne,

Je t’écris pour te recommander laCompagnie des Transe-mutants que j’ai récemment vu danser au Théâtre de Saint Malo.
En collaboration avec l’association de musiciens « Un bruit qui court », la Compagnie a interprété « Le Sacre du Printemps », un difficile ballet du répertoire classique (ou déjà contemporain ?).
Lors d’une répétition publique au Centre National de la Danse de Pantin, Tristan Edelman, le chorégraphe, avait expliqué qu’il s’était attaché à faire abstraction des nombreuses mises en scènes précédentes.
Il en résulte un travail original, calqué avec précision sur la partition de Stravinsky.
Tadorne, je te conseille cette Compagnie car je sais que tu aimes découvrir de nouvelles formes artistiques.
En étant à la fois accessible par la drôlerie de certaines situations –le techno-man hystérique qui fit rire les enfants-, et provocante -l’orgie géante de tous les danseurs-, la danse transe-mutante est différente.
Avec une énergie brutale, proche des arts martiaux et des danses tribales, les transe-mutants explorent une forme chorégraphique peu présente en danse contemporaine.
Pour autant, le travail sur le ressenti, la pantomime qui traverse les danseurs, ne se retrouvent pas non plus en danse modern jazz.
Aller voir les Transe-mutants c’est donc accepter de changer le regard que l’on porte habituellement sur la danse.
C’est aussi prendre plaisir à voir danser Johanna Classe, dont la présence est telle que l’on s’étonne parfois de ne regarder qu’elle.

Elsa Gomis – Paris.

C’est le mois des valeurs sûres. Tout commence par deux grands artistes qui, comme par hasard, se produisent le 8 pour Jean-Louis Murat à l’Espace Julien de Marseille et le 9 pour Dominique A au Théâtre des Salins de Martigues. Reliés par le calendrier, ils le sont aussi par leur rôle déterminant dans la chanson française.

Le chorégraphe Jean-Claude Galotta ouvrira la saison du Tadorne au Pavillon Noir d’Aix en Provence le 11 novembre avec "Des gens qui dansent" tandis que le metteur en scène italien Pipo Delbono troublera une fois de plus le public si "sage" du Théâtre des Salins de Martigues!
Deux ouvertures prometteuses: une vers le théâtre venu de Riga, "Long Life" le 18 novembre à Martigues, l’autre vers le métissage chorégraphique d’Héla Fatoumi et d‘Eric Lamoureux pour "Wasla – Entrelacs" en Arles le 24 novembre.

Mention photos Dominique A :E. Bacquet

Au Théâtre du Gyptis de Marseille, ce n’est pas la foule des grands jours pour le spectacle de Nacera Belaza, « Le pur hasard » qui clôture la 9e édition du festival Dansem. On pourrait s’interroger sur ce choix de programmation très pointu qui éloigne un peu plus le public habitué des festivals de l’été.
Il faut avoir le goût du risque pour s’aventurer sur le terrain de cette chorégraphe. Lors du dernier Festival Montpellier Danse, sa création «Un an après »,  m’avait laissé perplexe. Et pourtant, je suis là ce soir avec le désir de rencontrer de nouveau Nacera Belaza, conscient que cette artiste atypique a quelque chose à nous dire…

C’est lent, très lent. Je n’abandonne pas. Je fixe cette silhouette qui s’avance vers nous. Je m’obstine à vouloir comprendre son propos alors qu’elle tourne autour de cette chaise en ouvrant et fermant ses bras. Je m’accroche pour saisir le lien avec l’écran vidéo où un homme cherche à sortir d’un enfermement. Je suis prêt à m’abandonner. D’autres images m’envahissent : « demain, ah oui, demain…faudra pas se rater…journée importante »… « En sortant, ne pas oublier… ». Je pars, c’est plus fort que tout. Une minute peut-être. Le noir. Le blanc.
Je reviens. Ce n’est plus la même. Une autre femme apparaît. Et toujours ces mêmes gestes de rondeur et de précision. L’éclairage tamisé de la scène hypnotise, une douce musique orientale berce…Ils sont trois : deux femmes et lui, en vidéo. Ils se cherchent.
J’abandonne. Le noir. Je pars, loin, trop loin… « Tout à l’heure, en partant, ne pas oublier » …
Je reviens. Elles sont là. Où suis-je ? Entre rêve et réalité, mon corps ne sait plus très bien comment se tenir. Je souffre de me sentir à l’extérieur de ce langage. C’est fermé, presque enfermant. Elles cherchent. Quoi ? Qui ? Pour quoi ? Rien n’y fait. Cette danse-là n’est pas pour moi. J’abandonne.
Soudain, « My way » en fond musical. Elles s’approchent en venant vers nous, l’une à côté de l’autre. Elles sont de dos.
Surgit alors une image fulgurante.
Dix secondes.
Sublime.  
« En partant, ne pas oublier… »

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C’est une chorégraphie venue d’ailleurs, de l’autre bout de la planète, d’un pays dont je ne connais pas les habitants. Ce soir, le Théâtre des Salins de Martigues projette d’ouvrir notre regard sur la danse : l’ « Australian Dance Theatre » dirigé par Garry Stewart présente «Held».
En arrivant, je suis interpellé par le dispositif scénique : quatre danseurs (punk ? mauvais garçons et filles d’un quartier underground?) posent pour une photographe dont les clichés sont diffusés sur deux grands écrans amovibles. On se croirait dans une publicité pour l’Oréal.
Ce n’est qu’une apparence. Il faut abandonner de nombreux à priori pour s’autoriser à voir cette chorégraphie aux antipodes de notre culture. « Held » joue précisément sur l’apparence (belle au demeurant), pour nous inviter à passer de l’autre côté. Car tout laisse à penser que cette troupe de onze danseurs nous fait un numéro de voltige censé célébrer le culte du corps, à l’image de ces photos de mode qui polluent nos villes. Or, leur beauté est loin d’être plastique : elle est à chercher dans le regard de la photographe (Loïs Greenfield, superbe par sa présence), médiatrice entre elle et nous, qui nous aide à capter tout au long du spectacle la grâce de leurs gestes aériens (sans elle, que verrions-nous ?).
La beauté se veut complexe quand les danseurs sculptent lentement le groupe:ainsi prend forme un tableau de la renaissance italienne (superbe moment suspendu).
Cette beauté est fragile quand elle s’exprime à partir de mouvements dont on croirait qu’ils émergent d’un jeu vidéo. Ils transforment notre vision pour nous permettre de créer les passerelles entre le son, l’image virtuelle et réelle. En effet, c’est la multiplication de tous ces cadres (photo, peinture, écran vidéo) qui permet au groupe de décupler sa créativité au service du public : « nous vous offrons ces angles de vue, à vous d’en faire ce que vous pouvez » semble dire le collectif !
À l’issue d’une heure palpitante, l’esthétique du corps prend sens parce que loin d’être un spectateur passif, j’ai la sensation d’avoir créé ma vision, ma photo, ma peinture. « Held » est une chorégraphie sans prétention : juste celle d’offrir une magnifique performance quasi futuriste pour spectateurs endurants.

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Elle nous regarde, prend une carabine, prête à la diriger vers nous. D’un mouvement gracieux, elle pointe son engin vers le plafond et tire. Une statuette religieuse tombe à terre. Ouf, nous sommes sauvés. Sofia Asensio, danseuse venue de Barcelone, peut commencer à « étudier les mystères de la sainteté » à partir d’un personnage ignorant, qu’elle incarne, « c’est-à-dire quelqu’un qui croit encore aux mystères ».
« Santa Sofia, el solo d’una ignorant » est un ovni chorégraphique, proposé dans le cadre du festival Dansem à Marseille. Sofia Asencio est une chorégraphe engagée qui n’hésite pas à jouer avec ses symboles pour mieux « titiller » les nôtres, avec bienveillance. C’est un spectacle où les objets de l’enfance, les rites religieux, les références cinématographiques (« la passion selon Saint Matthieu » de Pier Paolo Pasolini) s’articulent pour explorer les chemins de l’inconscient « tracés » par le catholicisme. Avec deux portraits photographiés, elle "statufie" père et mère au fond de la scène en les posant à terre. Ainsi, elle peut s’abandonner à comprendre le mystère de la sainteté avec lequel nous avons tous « joué » un jour ou l’autre. C’est souvent drôle, parfois émouvant, toujours intéressant. Elle joue tout au long du spectacle sur les notions de proximité (elle est née en Espagne comme inhibée par le catholicisme) et de distance (elle se sent ignorante). Ce désir de déchiffrer la conduit à nous parler, à nous inclure dans sa recherche comme si pour percer le mystère, nous devions l’accompagner, être là ! Je suis athé et pourtant je me suis ressenti intégré dans sa création comme si je la coconstruisais avec elle. Étrange sensation. Sofia Asensio ne sait rien: elle a abandonné ses certitudes pour être capable d’endosser l’habit de la sainte et revenir une séquence plus loin dans la peau d’un primate, d’un singe dansant.
Plus qu’une leçon d’humilité, « Santa sofia, el solo d’una ignorant » est une ôde à l’ouverture, à la recherche, à l’ignorance créative. Un vrai miracle !

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Chaque mois d’octobre à Marseille se déroule un festival pour le moins atypique. «Dansem» diffuse des créations au croisement de la danse et de la performance du bassin méditérannéen dans des lieux parfois improbables. Ce soir, le nom de code du rendez-vous («Les bancs publics») sonne comme une invitation alléchante! J’ignore cette salle et pour cause. Nichée au cœur du quartier de la Belle de Mai, elle est une scène d’expérimentations culturelles. Ce festival se positionne donc clairement sur la recherche artistique ; comme le souligne un spectateur fumant sa cigarette sur le trottoir : «c’est sûr, ici, ce n’est pas le Zénith».
La première pièce, «Poussée» du chorégraphe tunisien Nejib Ben Khalfallah surprend par sa sincérité dans un milieu (la danse) peu enclin à nous montrer l’envers du décor. Deux musiciens, un danseur (en kilt, un Ipod à la taille et un masque sur le visage !) et Nejib Ben Khalfallah lui-même sont réunis au cours d’un processus de création en proie aux doutes du chorégraphe. A terre, un sac de voyage vidé progressivement de ses fragiles matériaux (magnétophone, photo, bouteille d’alcool,…). Nous sommes bien en Tunisie, pays riche sur les dépliants touristiques, mais pauvre en moyens alloués à la danse. Sur scène, ce milieu masculin (quoique très ambiguë!) se fragilise dès que les tâtonnements du chorégraphe émergent. À la danse quelque peu «stéréotypée » et provocante du danseur, répond la recherche du chorégraphe dont les mouvements empruntent des chemins chaotiques émouvants, mais jamais brouillons. L’écoute de l’enregistrement d’une conférence « occidentale » sur la danse perd le créateur, mais lui donne la force de s’affranchir des concepts fumeux et foireux. Le chorégraphe semble bien plus libre que son danseur, à moins que cela ne soit l’inverse ! Ce  danseur en kilt est-il l’inconscient du chorégraphe ? Metaphorise-t-il le désir d’émancipation du Maghreb? C’est au spectateur de dénouer les fils d’un processus qui s’éloigne d’une linéarité enfermante : qui domine qui, qui s’émancipe de qui et de quoi ? Cette création rend possible tous les angles de vue comme si Nejib Ben Khalfallah cherchait toujours, loin des certitudes. Ces messages paradoxaux, voir confus, servent de fil rouge et confèrent à cette «Poussée» de bien jolies naissances créatives comme en témoigne la dernière scène où la transe solitaire du chorégraphe émeut jusqu’aux frissons.
La deuxième proposition, « Toy Toy » de Sabine de Viviès, jouée à 22 heures, nous replonge dans une œuvre très conceptuelle. Elle a le mérite de défricher de nouveaux territoires autour des articulations entre la danse et la vidéo comme une métaphore du « dedans – dehors ». Je suis convié au coeur d’un voyage intérieur, comme une immersion dans un univers féminin, non violent, très doux. Je ressens de l’apaisement à regarder ces deux femmes se chercher l’une et l’autre. C’est une création qui explore les possibles, ouvre quand tout est fermé, projette, élève quand l’attention est clouée au sol. C’est la danse d’un regard qui s’ouvre de soi vers l’autre, du vertical à l’horizontal. J’aime ce moment de création : j’y décéle l’obstination de ces femmes à nous proposer cette ouverture de la relation.

Pour une soirée, l’avenir de la création est passé par Tunis et Marseille. « En se fouettant pas mal du regard oblique », ces bancs publics avaient ce soir des petites gueules bien sympathiques.

Crédit photo:

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Je suis à côté d'une vieille dame, debout, pour applaudir à tout rompre : elle sourit, moi aussi ; elle crie «bravo», je tape des pieds. En sortant de La Criée, nous sommes côte à côte pour remonter le quai du Vieux Port de Marseille. Comme si nous étions d'anciennes connaissances, nous nous remémorons « Guerre et Paix » de Léon Tolstoï créée par Piotr Fomenko. Cette mise en scène rend heureux : elle semble avoir été imaginé pour cela.
Pourtant, le contexte est tragique. Nous sommes en 1805 et Napoléon dirige d'une main de fer presque toute l'Europe sauf la Russie, qui résiste. Sur scène, une carte ? rideau de l'Europe s'ouvre et se ferme au rythme des trois actes. De chaque côté, deux portraits inachevés de Napoléon et d'Alexandre 1^er accrochés à deux piliers. Ils soutiennent un décor d'un étage fait d'armatures en fer où échelles et cadres en bois pivotants font office d'escaliers et de portes. Ce décor dit tout : entre la France et la Russie, une famille se déchire à coup d'héritage, de trahisons bonapartistes et de fidélité à la mère patrie. Entre le contexte international et la complexité des liens familiaux, Piotr Fomenko réussit à animer cette carte au gré des alliances et coalitions des acteurs. Le mobilier en bois donne à l'ensemble un aspect vivant et fragile ; le jeu balance entre insouciance et gravité à l'image de l'encadrement des portes avec lequel les comédiens s'amusent pour entrer et s'en libérer. Lorsqu'ils marchent en apesanteur sur des chaises ou des marches d'escalier, la mise en scène joue sur l'équilibre des forces entre français et Russes, entre la mort et la vie.  
Je pourrais recenser à l'infini les subtilités de cette mise en scène de l'équilibre : quand le rez-de-chaussée joue, le premier étage éclaire sur l'enjeu ; les mots en français sont disséminés dans le texte comme autant de notes de musiques qui allègent le jeu. Le plaisir de jouer des comédiens devient le plaisir d'être spectateur comme si le lien de l'époque entre la France et la Russie se créait dans la salle. Troublant?
Sans complexe, Piotr Fomenko s'amuse avec les mots et les corps et s'anticipe du poids d'un texte et des traditions. Ce théâtre là fait du bien au moment où nous cherchons en France les voies qui mèneraient vers une culture populaire, de qualité et ouverte sur le monde. Une chose paraît certaine : ni Nicolas Sarkosy, ni Vladimir Poutine ne sont à la hauteur de ce bel enjeu démocratique. Anna Politkovskaïa le savait trop.

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